jueves, abril 25, 2019

Escuchadas Divinas: Future Love

         
Vuelve Ride de la mano de este genial y brillante single "Future Love" primer corte que se extrae de lo que será su nueva producción "This Is Not A Safe Place" con un sonido suave y muy cercano a sus raíces sonoras allá entre finales de los 80's y principios de los 90's, que tiempos aquellos.

martes, abril 23, 2019

Escuchadas Divinas: Geology

         
La banda oriunda dream pop de Brooklyn Barrie nos presenta el suave y movido "Geology" nuevo corte que se extrae de su producción debut "Happy To Be Here" disponible a partir de la próxima semana.

sábado, abril 20, 2019

Escuchadas Divinas: Breeze

         
Jermango Dreaming es un proyecto de pop psicodelico originario de Sydney a cargo de Jermanie Sakr cuyo concepto sonoro obedece al estilo funk, etéreo y eléctrico de los 70's/80's y que viene haciendo bulla desde el 2017 ahorita nos presenta este tema "Breeze" que ya comenzó a invadir las ondas sonoras alegrando nuestros sentidos, punto extra la curiosa y ecléctica portada.

viernes, abril 19, 2019

Primicia: Come Closer

        
Boy Harsher un proyecto originario de Northampton, Massachusetts que deambula entre el minimal synth y el dance beat para entregarnos sonidos que van del electro dance y el synth pop haciéndonos recordar aquellos negros y góticos sonidos de bandas como Bauhaus, Joy Division o Soft Cell entre otros, de su nueva producción "Careful" se extrae este tema "Come Closer" donde el sonido synth se siente sin control arropado por cajas de ritmos que dan la impresión de un completo y sin sentido abandono, y de la mano de este morboso video a cargo de Muted Widows en donde muestran a los miembros en actitudes fetichistas y sadomasoquistas intercalando imágenes que parecen sacadas de un viejo VHS, la banda mantiene la esencia "minimal wave" que tuvo su auge a finales de los 90's pero ahora con un estilo más versátil y variado.

jueves, abril 18, 2019

Rocktrospectiva: El Parteaguas "His 'N' Hers" Cumple 25 Años

Fue el disco que marcó la carrera de la banda Inglesa Pulp en dos, "His 'N' Hers" fue considerado el disco clave de la banda y que ayudó a preparar el camino para la consagración de la banda tras una carrera que ya tenía 15 años en el camino.

Era 1994, año marcado por la muerte de Kurt Cobain y el reinado del indie y la música grunge en los Estados Unidos, del otro lado del charco la fiebre del britpop por fin lograba alcanzar su cuota definitiva y Pulp fue una de las bandas clave dentro del movimiento, claro esta que ellos en vez de buscar inspiración en sonidos de los 60's y 70's, se dedicaron a reinventarse así mismo y dejarlo plasmado en este su 4to., álbum de estudio que fue lanzado un 18 de abril de 1994, la apuesta les valío el anhelado reconocimiento, alcanzando el No, 9 en el chart de álbumes del Reino Unido.

El contexto y las letras del disco tienen que ver mucho con temas que la banda siempre utilizó, y que van desde los encuentros sexuales, las clases sociales y el vouyerismo, esto queda de manifiesto en el tema "Joyriders" que daba la entrada al disco y que buscaba darle tono al mismo marcando la idiosincrasia perturbadora de la banda, con "Lipgloss" uno de los singles del disco destacan el teclado de Doyle para aderezar cualquier tipo de deseos de adolescentes reprimidos, "She's A Lady" se inspira en el tema "I Will Survive" de Gloria Gaynor y un poco de Abba, y de corte muy nacionalista, el otro single "Babies" uno de las joyas registradas de la banda y desde el punto de vista de un vouyeur que se esconde para observar a la hermana de su novia, y por supuesto el otro y más conocido single "Do You Remember The First Time" el hit clave que sirvió para impulsar el disco y considerarlo uno de los temas clave en cualquier recopilación britpop que vino después, a pesar del sonido movido, el tema escondida una historia acerca del paso sexual de la infnacia a la adolescencia en el Reino Unido, sin faltar la culpa y es que todo tenía que ver con la masturbación.

Pero el disco también tenía otros temas como "Acrylic Afternoons", para retratar a la clase media Británica de los 90's., con "Have You Seen Her Lately?" exponiendo historias guardadas sobre las decepciones amorosas en la adolescencia con las mujeres y que vaya sino abundan, con "Happy Endings", tema melódico  aderezado con sintetizadores para dejarnos una sensación positiva, "Pink Glove" ejercía de burla sobre la endogamía que adolecía el britpop y algunos de sus más ilustres personajes también con mucho sonido melódico y minimalismo electrónico.

Ya llegando a los últimos temas nos encontrabamos con "Someone Like The Moon" uno de sus más crudos temas pero convertido a la tematica pop, "David's Last Summer", con influencias sonoras de Can para uno de los temas más largos del disco para terminar así una de las entregas más inesperadas pero a la vez frescas y positivas que pudieron haber emergido del britpop, en una época en la que todos querían copiar hasta el peinado de The Beatles y la agresividad sonora de The Kinks o Rolling Stones, aquí al menos se escuchaba un sonido diferente y quizás es por eso que Pulp tuvo su lugar especial dentro del brit pop logrando trascender más allá de la época dorada del genero.

His 'N' Hers Track List:

1. Joyrirders
2. Lipgloss
3. Acrylic Afternoons
4. Have You Seen Her Lately?
5. Babies
6. She's A Lady
7. Happy Endings
8. Do You Remember The First Time?
9. Pink Glove
10. Someone Like The moon
11. David's Last Summer

Rocktrospectiva: El Brillante "Doolittle" Cumple 30 Años

Lanzado el 17 de abril en Estados Unidos y un día después en el Reino Unido, "Doolitle" segundo disco de la banda Estadounidense Pixies salía al mercado. Bajo la producción de Gil Norton, el curioso disco se nutre del surrealismo Lynchniano, material obscuro, referencias biblicas, tortura, muerte y desviaciones sexuales, arropadas por una producción limpia cortesía del nuevo productor que supo como sacarle raja a las guitarras surferas y desmadradas de Joey Santiago, además de destacar las armonías vocales entre Black y Deal. 

Tras el lanzamiento del aclamado pero sin éxito comercial "Surfer Rosa", y luego de una intensa gira, Black Francis comenzó a escribir los primeros temas del disco, en este período miran la luz "Dead", "Hey", "Tame" y "There Goes My Gun", se viene la etapa de entrar al estudio para grabar una cinta con los demos con un título "Whore" que hacía referencia a la gran ramera de Babilonia, entonces se meten de lleno con Gil Norton para trabajar el disco, no si antes familiarizarse con el sonido de la banda para conocerlos y ver que cosas puede hacer y que otras quiere sacar. Comienzan un 31 de octubre de 1988 y terminan el 23 de noviembre, finalizando con la producción y las mezclas el 28 del mismo mes, el productor desde un principio quiso entrarle con más sonido dub a los temas, ya que quería que la banda pasara de ser una promesa a la próxima banda exitosa a nivel mundial, en cierta forma lo logró ya que logro mezclar las técnicas usadas antes por la banda junto a un bonito y elegante estilo surrealista, lo cual se puede apreciar tanto en la portada como en los temas del mismo. 

Durante la producción se agregaron varias capas de guitarra y vocales a temas como "Debaser", y "Wave Of Mutilation", otros temas como "There Coes My Gun" tenía cierto estilo furioso como Hüsker Dü. mientras que "Tame" y "Crackity Jones" eran rápidas y agresivas incorporando el estilo musical de la banda de ruidoso y callado a la vez, "Silver", "I Bleed" y por supuesto "Here Comes Your Man" eran quietas, lentas, y melódicas, y finalmente el gran "Monkey Goes To Heaven" con esos cambios de sonidos y la llegada de nuevos intrumentos como violines y cellos, además de la utilización de cierto sonido español en algunos temas.

Sobra las letras, ya comentabamos los pormenores de las mismas, por ejemplo "Dead" y "Gouge Away" tenían fuertes referencias biblicas, así como la referencia que hace en "Monkey Gone To Heaven" con el Diablo siendo el seis y Dios el siete, la excentricidad en "Wave Of Mutilation" sobre una historia de un empresario japonés que obliga a su familia a cometer suicidio, la muerte y la destrucción también en las mismas, la historia de un compañero de estudios de Francis quién era descritó como un raro psicopata gay en "Crackity Jones",  las encantadores "Here Comes Your Man" y "La La Love You" que era interpretada por David Lovering, una clara canción de amor y cuyo título sigue usando la banda para sus mensajes. La rara portada es obra de Vaughan Olivier y Simon Larbalestier, fue la primera vez que tuvieron acceso a las letras y de ahí que se inspiran en los temas como el mono celestial, los números 6 y 7 y otra imaginería más, aparte que se encargaron de ilustrar el resto de los temas, además que cambiaron el título de "Whore" por el de "Doolittle" y que se extrajó del tema "Mr Grieves" "Pray for a man in the middle, one that talks like Doolittle".

Del disco se lanzaron oficialmente dos singles, la ilustre "Monkey Gone To Heaven" y la melódica "Here Comes Your Man" que gozaron de relativo éxito en el recien creado Modern Rock Tracks de la Billboard, debutó en el No. 171 y alcanzó el No. 98, pero en el Reino Unido si que se volvieron famosos ya que el disco alcanzó el No. 8 en el chart Británico, aparte que dentro del disco hay otros geniales temas como "Debaser", "Wave Of Mutilation", y "Gouge Away", y por ejemplo "Debaser" todavía se utilizó como single para promover "Death To Pixies" una recopilación que se lanzó en 1997. 

Pero sin duda, su mayor legado radica en la influencia que el disco tuvo en el rock alternativo, desde Nirvana hasta The Smashing Pumpkins, pasando por PJ Harvey o Bush, todos siempre mencionaron a este disco como una influencia latente, y por eso es que sin duda "Doolittle" ha logrado superar la prueba del tiempo con mucho estilo. Es curioso casi que rayando en lo surrealista, ya que el disco de la banda aparece en una época en donde las radios eran mucho más abiertas y atrevidas a jugarselas con bandas y artistas de todo tipo y que en muchos casos funcionaron bien, por ejemplo "Joey" de Concrete Blonde tuvo una buena acogida en Guatemala, pero curiosamente bandas como Pixies, Sonic Youth, The Replacements, o 10,000 Maniacs que estuvieron muy activos entre 1989/1990 nunca llegaron a sonar en Guatemala, y si se llegaron a conocer fue por la influencia de la MTV y otros programas de videos, en mi caso personal con Pixies, fue con este disco que yo los conocí por primera vez, principalmente por el tema "Wave Of Mutilation" que venía incluída en la banda sonora del filme "Pump Up The Volume" de 1990, esa fue la entrada y luego gracias a 120 Minutes "Here Comes Your Man", que fue el punto de partida para caer rendido al sonido y al estilo de una de las mejores bandas del rock alternativo y que siguen vigentes y en activo a la fecha.

Doolittle Track List:

1. Debaser
2. Tame
3. Wave Of Mutilation
4. I Bleed
5. Here Comes Your Man
6. Dead
7. Monkey Gone To Heaven
8. Mr. Grieves
9. Crackity Jones
10. La La Love you
11. Number 13 Baby
12. There Goes My Gun
13. Hey
14. Silver
15. Gouge Away

miércoles, abril 17, 2019

Rocktrospectiva: El Variado "Sounds OF The Universe" Cumple 10 Años

Fue el 12avo., álbum de estudio de la legendaria banda Británica Depeche Mode, vio la luz un 17 de abril del 2009 y fue precedido por un largo tour que reinvidicó el mismo, además de los tres singles que causaron revuelo, en especial "Wrong" por el curioso y violento video que llegó a ser considerado polémico en su momento.

Grabado tras el reencuentro con el estilo logrado en "Playing The Angel" y las grabaciones para el disco en solitario de Gaham, "Sounds Of The Universe" contó con tres temas de Gahan, Eigner y Philpott, mientras que Martin Gore se metío más de lleno en otros temas con Gaham, todo esto bajo el control de Ben Hillier gracias a que la banda quedó muy complacida con la producción del disco anterior, de hecho, las sesiones fueron muy productivas lanzando 22 temas que al ginal tuvieron que cortar, cosa que fue muy difícil pero que tuvieron que sacrificar al menos cinco temas de estos.

En su momento, me llamó mucho la atención del uso masivo de sintetizadores del tipo analógo en el disco, como que volviendo a los viejos tiempos, lo considere flojo en su momento para lo que uno se esperaba de una banda con una rica historia como Depeche Mode, pero conforme han pasado los años, el sonido se siente diferente, desde el abridor "In Chains" que marcaba la obsesión y devoción hacía alguien y que auguraba grandes cosas, para dar paso a "Hole To Fee" que sigue teniendo su estilo y clase, "Wrong" era el tema más apetecible del disco con Depeche Mode en plena esencia con su típica oscuridad, abatía, y dolor apoyado por un raro video de un hombre atado a un carro en neutro y en plena marcha y que destruyendo lo que encuentra a su paso para luego matarlo por el fuerte impacto de un pick-up, y que por curiosa razón, no lo tiene Youtube. Con "Fragile Tension" se apelaba a esos sentimientos gore y masoquista y así el disco iba dandonos sorpresas como "In Simpathy" con una gran melodía entre tanta desolación, las cosas parecían tranquilizarse con "Peace" para dar paso a "Comeback" y luego al que siempre he creído yo que es un deshacierto con "Spacewalker" y que hasta la fecha sigo sin entender porque se coló y tras ese descalabro se venían temas como la utopica "Perfect" acerca de ese lugar donde se supone que todo es mejor pero que variar siempre es un sueño, y de vuelta a la realidad con "Miles Away/The Truth Is" acerca de enfrentar un delito no cometido, "Jezebel" no se me hacía y sigue siendo buena para mi, y terminar con "Corrupt" muy en boga con los tiempos que desgraciadamente vivimos.

De hecho, el disco gozó de cierta crítica positiva, para muchos la banda seguía sonando genuína y positivamente inspirada, con la habilidad de seguir creando temas pegajosos para una audiencia más joven y a la vez complacer a los fans de siempre, tan así fue que logró una nominación al Grammy como Best Alternative Music.

Sounds Of The Universe Track List:

1. In chains
2. Hole To Fee
3. Wrong
4. Fragile Tension
5. Little Soul
6. In Simpathy
7. Peace
8. Come Back
9. Spacewalker
10. Perfect
11. Miles Away/The Truth Is
12. Jezebel
13. Corrupt

Primicia: Queuejumper

         
Vuelve The Divine Comedy con "Queuejumper" primer single oficial que se extrae de su nuevo disco "Office Politics" esperado para el próximo mes de junio, en donde Neil Hannon se pone muy al estilo New Wave con un video que me recuerda mucho aquellos que solían lanzar Boomtown Rats a principios de los 80's con la banda y Neil haciendo sus cosas, según Hannon el disco ofrece muchas variantes con sintetizadores, guitarras, orquestaciones, acordiones y canciones sobre amor y codicia, habrá que esperar el resto del disco pero de momento los dejamos con este movido tema. 

martes, abril 16, 2019

Escuchadas Divinas: You

        
De la mente del multi-instrumentalista y compositor Marshall Lewis se nos viene este curioso proyecto llamado Saeyers dreampop aderezado con mucha electrónica y que ha venido ganando adeptos desde el 2016, este es el tercer single se extrae de su nueva producción auto-titulada y que le ha venido a dar un fuerte impulso de parte de curadores y crítica no digamos los selectos oyentes que ya comienza a florecer.

viernes, abril 12, 2019

Primicia: Style

        
Foster The People estrena el clip para el single "Style" en donde la banda se pone a las ordenes del mismo Mark Foster de nuevo en un video donde el mismo sale bien vestido y que ha contado con varios extras para promover una especie de culto en donde sale gente vestida de negro, hombres de traje con cabeza de caja y la parte final que es la que me ha gustado donde salen en una sala al más puro estilo Lynchniano aunque la verdad no se de que va el video.

Rocktrospectiva: El Catártico "Live Through This" Cumple 25 Años

A Courtney Love siempre se le acusó de ser oportunista y tener fama gracias a su célebre esposo Kurt Cobain, entonces decidío ponerle pasión y trabajo a su siguiente disco "Live Through This" para cambiar el pensamiento de la crítica y los anti-fans, entregandonos una verdadera maravilla en donde se podía apreciar la angustia, el dolor y el cinismo con belleza tanto en la música como en las letras del mismo.

Lanzado entre las muertes de Cobain y Pfaff, tan solo una semana después del fallecimiento de su esposo, el 12 de abril de 1994, bajo el sello DGC, y fue el único que contó con la bajista Kristen Pfaff quien murío en junio por sobredosis de heroina. El disco comenzó a trabajarse en octubre de 1993 bajo la producción de Paul Kolderie y Sean Slade quienes buscaron refinar las melodías y la estructura en los temas de la banda, luego fue mezclado por un viejo conocido como Scott Litt y J Mascis para darle ese toque tan especial que llegó a tener. Como deciamos anteriormente, en el disco se pueden apreciar los problemas que afligian a Love en aquel entonces, y que tenían que ver con la belleza, la narrativa de la leche, el matriarcado, el anti-elitismo y la violencia contra la mujer, y el título que fue tomado de una leyenda sacada del filme "Gone With The Wind" de 1939.

El disco resulto ser el éxito que ella esperaba, pero la sombra de Kurt Cobain rondaba el mismo, y es que todo comenzó también cuando la Love durante una entrevista comentó que las melodías vocales de Cobain estaban en todo el disco de manera soterrada, y que en alguna ocasión, el mismo le enseño algunas armonías que había compuesto y que se quedará con algunas, lo que desató el rumor que el disco había sido escrito por Cobain, pero pronto la baterista Patty Schemel comentó que había sido Eric Erlandson y Courtney Love quienes escribieorn el mismo, incluso el biografó de Cobain Charles R. Cross estuvo de acuerdo con el mismo, pero ya el rumor estaba dado a pesar que dos temas "Violet" y "Doll Parts" venían desde la época de "Pretty On The Inside", y habían sido plasmadas durante sl show de John Peel en 1991, a pesar que Cobain junto a Pfaff interpretó los coros de manera no acréditada en dos temas "Asking For it" y "Softer, Softest" saldando de esa manera cualquier duda.

Hole había lanzado un disco llamado"Pretty On The Inside" en 1991 con unas ventas moderadas y cierto éxito entre la crítica, pero en el camino perdieron dos componentes, por lo que se reclutó nuevos elementos, el primero fue la baterista Patty Schemel y luego una bajista que venía de una banda llamada "Janitor Joe", la guapa Kristen Pfaff quién además de tocar el bajo, dominaba el cello. Ya con una nueva banda se mudan a Carnation, Washington y comienzan a trabajar en el disco sacando los primeros temas: "Beautiful Son", "20 Years In The Dakote" y "Old Age" de la mano de Jack Endino, además negocian con DGC Records quienes les dan un jugoso adelanto y altas regalías en comparación con las de Nirvana, poco se van agregando nuevos temas como "Miss World", "She Walks On me", "I Think That I Would Die" y Softer, Softest", ya con estos demos se meten de lleno al estudio el 8 de octubre de 1993.

El ambiente era bueno e incluso Cobain anduvo por ahí y hasta participó en algunas sesiones, pero el problema fue la abundancia de "cristal", lo cual vino arruinar un poco la cosa, ya que Schemel, su hermano y Pfaff se la pasaban drogados durante las sesiones, lo cual quedo plasmado en el tema "Miss World" donde la baterista y bajista tocaron bien drogadas, a pesar de todo, el disco se terminó en cinco días de grabar y luego las mezclas tendrían lugar unos días después. El disco marca una partida perfecta del rock ruidoso hacía un sonido más comercial para la radio, un sonido más meloso y en parte porque Love quería que la gente se diera cuenta que la banda tenía un lado suave y podía ser ambas cosas al mismo tiempo, y ahora con una melodías más estructuradas y suaves arreglos con riffs pesados, algo así como melódicos y punky a la vez, saliendo de lo más natural.

La temática era variada y obedecía a las vivencias de Love, por ejemplo "Violet" estaba inspirada en la relación que tuvo con Billy Corgan, el matriarcado y la depresión post-parto vienen ligadas en temas como "Plump", "Miss World" y "I Think That I Would Die" esta última tenía que ver con la batalla legal que Love y Cobain tuvieron que enfrentar por la custodia de su bebé en 1992, con "Asking For It", se narra una historia durante una gira con Mudhoney en donde fue asaltada y sus ropas rasgadas mientras estaba subida sobre la multitud, "Doll Parts" uno de los singles y el más éxitoso del disco estaba inspirado en la inseguridad de Love de que Cobain tuviera un interés romantico en ella, incluso hay un tema fantasma "Rock Star" el cuel fue cambiado por "Olympia", pero el primero resulto quedandose porque ya se había impreso el disco.

La curiosa portada fue obra de Ellen Von Unwerth quien sacó un retraro de la modelo Leilani Bishop vestida como participante de concurso de belleza, mientras que la contraportada tenía una foto de la familia de love en su niñez. Del disco se lanzaron cuatro singles, "Miss World" con un video que me recordaba al filme "Carrie", luego vino "Doll Parts" el más exitoso del disco, seguido de "Violet" con un video en donde la Love salía bailando en club de strippers de los años 20's y fue el primero en donde aparecío "Melissa Auf Der Maur" quien reemplazó a la fallecida Pfaff, y finalmente "Softer, Softest".

Como curiosidades, aparte de la ya mencionado tema fantasma de "Rock Star", estaba la historia que el disco era dedicado a la memoria de Joe Cole, amigo de la banda que fue asesinado tras la vuelta de un concierto de Hole, y claro el dato más siniestro es que el disco sale a la venta entre las muertes de Cobain y Pfaff, aunque esta última había decidido dejar la banda y dos meses después era encontrada muerta por una sobredosis. El disco sigue manteniendose muy bien un cuarto de siglo después, lanzó a la Love al estrellato y le dio finalmente una luz propia que presumir tras la gran sombra de su malogrado marido.

Live Through This Track List:

1. Violet
2. Miss World
3. Plump
4. Asking For it
5. Jennifer's Body
6. Doll Parts
7. Credit In The Straight World
8. Softer, Softest
9. She Walks On Me
10. I Think That I Would Die
11. Outless
12. Rockstar*

*Reemplazad por Olimpia

miércoles, abril 10, 2019

Rocktrospectiva: El Exitoso "Sonic Temple" Cumple 30 Años

El aclamado, famoso y más exitoso álbum en la carrera de la banda Británica The Cult, "Sonic Temple" cumple 30 años de haber sido lanzado, el disco oficialmente vio la luz un 10 de abril de 1989 manteniendo el status de popularidad de la banda cosechado durante la gira "Electric" de 1987.

Cuarto disco oficial en la carrera de la banda, en donde se apegaron a la dirección del hard rock que había introducido exitosamente en sus producción anterior aprovechando la producción de Bob Rock. Fue el último disco en donde participó el bajista Jamie Stewart quien dejaría la banda un año después, y el primero que recibío el reemplazo de Mickey Curry en la batería, el disco tiene una versión demo grabada con Eric Singer de Kiss en la batería, pero no satisfechos aún, grabaron otra versión con Chris Taylor quien era el baterista en la banda de Bob Rock, el productor. 

La banda se establece en Los Angeles y contactan con Rock, quien los lleva a la fría Canadá para grabar el magico y astral disco, iniciando una relación con el productor que se prolongaría por tres discos más, los temas aquí son mucho más largos y siguen siendo contundentes, lo que les rinde frutos, ya que el disco logra alcanzar el No. 10 en el Billboard top 200, siendo esto un hito para la banda convirtiendose en el disco con la posición más alta hasta el momento en su carrera, además de contener los singles más conocidos de la banda como "Woman", el tema inspirado en la musa de Warhol, Edie Sedgwick "Edie (Ciao Baby)" y por supuesto como "Sweet Soul Sister" logrando la consagración definitiva de la banda en el ambito hard rock.

Además del sonido clásico de la banda, cabe destacar la mítica portada con Billy Dufy con las piernas extendidas y apunto de tocar su Gibson Les Paul, y como fondo a Ian Astbury con un microfono, dicha portada tuvo diferentes versiones en otras partes del mundo que incluso abarcan una grabación para Arabia Saudita por raro que suene, en algunos paises Latinoaméricanos se leía el nombre de "Templo Sonico" en vez de su título original en inglés, en Taiwan y China venía una portada color rosa, y así cada país con su curiosidad, de la misma manera que el track listing tuvo sus curiosades también, con 10 temas originales más tres tracks los cuales estuvieron disponibles en algunos países en formatos como CD y cassette pero no en todos.

Como cosa rara, el disco no vino a Guatemala a pesar de la fama que tuvo, en más, The Cult es una banda como tantas otras desconocidas en el país de la eterna primavera, pero que sin la poryección que tuvieron sus videos en la MTV que era la mayor referencia musical en aquel entonces, hubiera sido imposible conocerles, recuerdo en particular el video de "Edie (Ciao Baby)" por aquel entonces era casi que seguro que el video fuera aparecer en cualquier momento en el emblemático canal de videos musicales, los edificios y la banda tocando, una orquesta que le daba el toque de cuerdas al tema, y una chica vestida a la usanza de la malograda Edie, hay una parte que nunca se me olvida y es cuando la orquesta aparece en Times Square tocando sus instrumentos, al fondo se puede ver el escudo del filme "Batman" de 1989 y creo que eso es la que ha permitido que no olvide el video del tema aparte de los buenos momentos vivídos en el cada vez más lejano 1989 donde todo tenía más sentido y el futuro se miraba esperanzador.

Sonic Temple Track List:

1. Sun King
2. Fire Woman
3. American Horse
4. Edie (Ciao Baby)
5. Sweet Soul Sister
6. Soul Asylum
7. New York City
8. Automatic Blues
9. Soldier Blues
10. Wake Up Time For Freedom
11. Medicine Train*
12. The River+
13. Lay Down Your Gun */

*Disponible solo en CD y cassette y para algunos países nada más
+Solo disponible para Rusia y Europa oriental
*/Solo disponible para Rusia y Europa oriental


martes, abril 09, 2019

Rocktrospectiva: El Aclamado Y Sobresaliente "Reckoning" Cumple 35 Años

Lanzado oficialmente el 9 de abril de 1984, "Reckoning" era el 2do., álbum de estudio de la legendaria banda R.E.M. editado bajo el sello independiente I.R.S., y que contó con la producción de Mitch Easte y Don Dixon, quienes junto a la banda tardaron un total de 16 días entre diciembre de 1983 y enero de 1984. La intención de ambos productores era el de poder capturar el sonido de la banda en sus actuaciones en directo, por lo que usaron grabaciones binaurales en varios de los tracks, además que el contenido de las letras de Stipe deambulaban entre una tematica obscura además de la imagineria del agua, tema muy recurrente dentro del disco. Al final de cuentas, esta combinación rindío frutos ya que se ganaron el beneplácito de la crítica y escalaron en cuanto a popularidad llegando al No. 27 en los charts de Billoboard todo lo contrario en el Reino Unido en donde tan solo alcanzaron el No. 91., pero eso ya era algo para esta banda desconocida hasta ese entonces.

Si con el disco debut "Murmur" la banda ganó en cuanto a crítica, esta no se durmío en sus laureles y continuo trabajando más fuerte, y empezaron a girar con nuevo material que Peter Buck logro componer, destacando el prolífico momento que vívian en la banda llegando a componer hasta dos temas por semana hasta acumular una buena colección de canciones, originalmente la idea de Buck era hacer un álbum doble, pero eso no quería el resto de la banda y todo quedó en un álbum simple, y que tras una breve sesión con Elliot Mazer de donde salieron un total de 22 canciones, pensando que se podrían llegar a trabajar con este último, pero la banda terminó escogiendo al dueto de productores previamente mencionados.

Las grabaciones comienzan un 8 de diciembre de 1983 en los Reflection Sound Studios de Charlotte, Carolina del Norte, pero se extienden un poco más por motivos de descanso, Navidad, unas presentaciones que tuvieron que hacer, y hasta tuvieron tiempo de hacer un video en el estudio, y de ahí es donde viene una serie de incognitas, ya que originalmente se cree que fueron 16 días, luego en el disco se dice que fueron 14, Buck en cambio dice que fueron 11 y Dixon insiste que fueron 25 días., la cosa es que tampoco fueron 11 días y lo más seguro es que si pasaron del os 20 días. Esta vez, la presión de parte de I.R.S. record de hacer un disco más comercial fue evidente, el sello mandaba mensajes a los productores que estos ignoraban, cosa que ponía en aprietos a Jay Boberg el presidente del sello que hizo una visita el último día de la sesiones y que no quedó muy satisfecho con el resultado, aunque Buck si que estaba feliz con los productores por haber actuado en favor de la banda, y he ahí la clave de porque terminaron tan rápido el disco, ya que querian acabar antes que los ejecutivos del sello pudieran llegar al estudio y escuchar el material y hacer conjeturas.

Si bien Buck se la estaba pasando bien, Stipe sufrío algunos problemas, en especial por los problemas de timidez que padecía, incluso los productores llegaron a tener ciertas dificultades para que se abriera más a ellos, incluso llegó a tener ciertos problemas con Stipe porque este cantaba muy bajo haciendole muy difícil el trabajo a Dixon en especial cuando grabaron el track "7 Chinese Brothers", pero al final pudieron sobreponerse a todo esto y siguieron adelante. Dixon nunca había visto a la banda tocar en directo antes de "Murmur" luego que lo hizo, pudo conocer las fuerzas y debilidades de la banda, y a partir de eso pudo sacar conjeturas como que la guitarra fuera más al estilo de concierto, aunque tuvo problemas con la banda y el sello en un principio, la banda quería rockear más fuerte en cambio Dixon que tenía cariño por la técnica binaural y pensó que esto era lo mejor para la banda, el resultado según Easter fue que la bateria de Berry sonara más fresca, mientras que las vocales de Mills el bajista fueron más fuertes para arropar a Stipe. A eso hay que agregarle la imagineria del disco que representaba a la fama ascendente de la banda, destacando temas como "Camera" dirigido a la muerte de un amigo de la banda que perecío en un accidente de carro, también estaba "Pretty Persuasion" y "(Don't Go Back To) Rockville" que venian dentro del set list de la banda desde hacía buen tiempo, en el caso de la primera no querían grabarla por considerarla muy vieja, y por supuesto que estaba también el hit single "So. Central Rain (I'm Sorry)" tema que le tomo cierto tiempo pero que se convirtío en un clásico de la banda.

La curiosa portada era un dibujo de una culebra de dos cabezas hecho por Stipe, en un intento de definir los elementos del disco, una parte tiene que ver con las piedras y la otra con el cielo, para la ocasión se alío a Howard Finster pero no le gusto en un principio ya que no encajaban en los tiempos y el diseño, en el vinilo el disco trae la frase "File Under Water" el cual según Stipe era el verdadero título del disco, aunque en el Reino Unido si viene el título original, además que el sello en vez de usar lado 1 y lado 2, se decantaron por una L y R.

La respuesta los tomó por sorpresa, ya que el disco lanzado el 9 de abril en Estados Unidos y el 17 en el Reino Unido, rapidamente alcanzó el No. 1 en los charts College Radio, pero aún no convencían a MTV, en vez de eso, su sello se decantó por irse a las estaciones de radio de corte más comercial para promoverlo, ganando también de los comentarios que se iban esparciendo en los medios, logrando que el primer single "So. Central Rain (I'm Sorry)" alcanzara el No. 85 en la Billboard, mientras que el segundo "Don't Go Back to) Rockville", no gozo del mismo destino y no pudo entrar en las listas, pero el disco si logro un impulso llegando al No. 27 de la Billboard 200, quedandose por cerca un un año en el chart, desgraciadamente la falta de promoción en el Reino Unido los dejó muy lejos en los charts.

El álbum tiene una suerte de disco de culto que con el tiempo se ha ido revaluando, claro que fue una evolución con respecto al primero en donde las letras aquí son más comprensivas, destacando las fortalezas de cada miembro de la banda y llegando a ser considerado como clásico por su contribución al indie rock. En Guatemala, el disco nunca tuvo una seria relevancia, por aquel entonces era muy difícil que una banda todavía desconocida en Estados Unidos pudiera llegar al país en una época sin internet y muchos medios como hoy en día, por lo que ha permanecido ignorado y no sería sino hasta el "Document" de 1987 que se comenzarian a tener cierta relevancia por estos lares. He ahí entonces el porque de ser considerado una suerte de disco de culto primero por lo raro que en cuanto a sonido y luego porque es muy difícil de encontrarlo en Guatemala salvo que se mande a pedir como hoy en dia es tan común.

Reckoning Track List:

Lado L:

1. Harborcoart
2. 7 Chinese Brothers
3. So. Central Rain (I'm Sorry)
4. Pretty Persuasion
5. Time After Time (Annelise)

Lado R:

1. Second Guessing
2. Letter Never Sent
3. Camera
4. (Don't Go Back To) Rockville
5. Little America

lunes, abril 08, 2019

Rocktrospectiva: El Ruidoso Y Juvenil "Smash" Cumple 25 Años

Mientras el mundo lloraba la muerte de Kurt Cobain, "Smash" el 3er., álbum de estudio de la banda Estadounidense The Offspring salía al mercado bajo el sello "Epitaph", destilando punk, indie, heavy mental y hasta ska, todo encapsulado en lo que se conocío en aquel entonces como "pop punk".

Era un disco lleno de furia y rebeldía adolescente, idealismo, rudeza y el sentimiento de que todo me vale, que al final de cuentas les funcionó, permitiendoles llegar a vender millones de copias desde entonces. La banda comenzo a grabar el disco en octubre de 1993 bajó la producción de Thom Wilson, la producción se alargço un poco y terminó un par de meses después, pero la banda tenía listo el material que sin quererlo, marcaría la pauta a seguir con la reciente ola de punk que había promovido Green Day a principios de ese año.

Del disco se desprendieron cuatro singles, de los cuales tres fueron los que les abrieron el paso, siendo el primero "Come Out And Play" con el que alcanzaron el No. 39 en el Billboard, tuvieron alta difusión en la MTV y de paso, les trajó también problemas, ya que había una banda llamada Agent Orange que los acusó de plagio en el riff, pero la demanda no progreso y el tema siguio su ascenso, ya saldado ese capítulo aparecío "Self Esteem" que supero con creces las espectativas y los llevó al estrellato mundial, disparando las ventas del disco a nivel mundial, fueron un éxito total en la MTV con su video, y de paso, aseguro la existencia a su sello disquero de por vida gracias a las ventas millonarias en todo el mundo que este ilustre single impulso.

Todavía quedaba "Gotta Get Away" un tema de corte power pop de éxito un poco menor que los anteriores pero que lanzó un recordado video dirigido por Samuel Bayer, si el mismo que dirígio, "Smells Like Teen Spirit", destacando los curiosos paralelismo entre ellos y Nirvana, en donde salío un chico bailando pogo en un concierto y que tuvo también fuerte rotación en la MTV, y tan solo por esos tres singles, el disco se aseguro su sitio en la historia del rock, claro que también habían otros buenos cortes como el ska en "What Happened To You", ó el punk acelerado en "So Alone". Sin quererlo Epitaph se habñia asegurado su futuro gracias a este curioso disco que recibió críticas positivas por su frescura y rebeldía, llamando la atención de otros sellos, entre ellos Columbia con quien la banda firmaría en 1996 y ya no sería la misma.

Después vinieron otros albumes y temas que sonaban casi que en lo mismo, casi que haciendose burla de ellos mismos, bailando al son del pop radial para asegurarse el éxito, ya no fueron la misma banda sino un conjunto asquerosamente comercial, pero que dejaron para la posteridad este álbum que marco un nuevo capítulo en los 90's y que curiosamente su lanzamiento coincidía con el anuncio del trágico fallecimiento de Kurt Cobain.

Smash Track List:

1. Time To Relax
2. Nitro
3. Bad Habit
4. Gotta Get Away
5. Genocide
6. Something To Believe In
7. Come Out And Play
8. Self Esteem
9. It'll Be A Long Time
10. Killboy Powerhead
11. What Happened To You?
12. So Alone
13. Not The One
14. Smash

Escuchadas Divinas: Wedding Bell Blues

         
Morrissey estrena nuevo track "Wedding Bell Blues", el cual interpreta en compañía del cantante de Green Day, Billie Joe Armstrong junto a Lydia Night como corista, el tema es un cover de The 5th. Dimension lanzado en 1969 y que viene incluido en su colección de covers de los 60/70 "California Son", que saldrá a la venta el próximo 24 de mayo. Mozza toma el mando de esta clásica oda a un amor frustrado sonando más moderno, y con una euforia mucho más pulida gracias al trabajo de Armstrong en compañía de Night.