Placeres Sonoros: Good Luck, Babe!

          

La Estadounidense Chappell Roan, la última sensación del pop nos entrega este movido y curioso single "Good Luck, Babe!" con ciertos tintes dance ochenteros, un tema que trata sobre lesbianas de closet en negación constante y por eso su forma de actuar en público buscando demostrar lo contrario, el clip o las gráficas han corrido a cargo de la propia Chappell Roan.

Primicia: Liberty Print

            

Camera Obscura presenta el audio oficial acompañado de un clip con imágenes de la banda a lo largo de su carrera "Liberty Print" un hermoso melódico tema que nos lleva del vuelta al pasado a un tiempo en el mundo que ya no existe más, lleno de alegrías y diversiones, memorias y tristezas que la banda ha tenido en el camino, un testimonio visual y muy vivido con imágenes de Carey ya fallecida aunque se dice que el tema también lleva el guiño al hermano de TraceyAnne quien falleció a los 34 años, el tema se extrae del álbum "Look To The East, Look To The West" a lanzarse el próximo 3 de Mayo.

Rocktrospectiva: El Icónico E Influyente "Parklife" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 25 de Abril de 1994, "Parklife" fue el 3er., álbum de estudio de la banda Británica Blur, considerado uno de los discos clave del britpop, ayudando a expandir el género, del disco se lanzaron cinco singles "Girls & Boys", "To The End", "Parklife", "End Of A Century" y finalmente "Tracy Jacks". 

El disco ayudo a olvidar el descalabró financiero sufrido con su disco anterior "Modern Life Is Rubbish", estableciéndolos como la otra fuerza junto a Oasis a inicios de los 90's. Pero previo a eso, la banda estaba en plena crisis, si bien su disco anterior ganó el beneplácito de la crítica, este fue un desastre comercial. Los orígenes del disco se podrían hallar en 1990 un año después del debut de la banda cuando Albarn dijo a la prensa que cuando llegaran a lanzar su 3er., disco, su lugar como la banda Inglesa más influyente de los 90's va a estar asegurado, fuere cierto o no, la cosa es que Albarn se metió de lleno a escribir una serie de canciones de manera prolífica, y clasificándolas de manera que las mejores fueran las que se llegaran a grabar como prioridad debido a su crítica situación financiera en aquel entonces, por lo que de la mano de Stephen Street fueron a grabar su 3er., disco en el mes de agosto de 1993, lograndolo terminar en un tiempo record. Se dice que la banda quedó complacida con el resultado, pero el dueño de Food Record, David Balfe lo detestó y les dijo que no servía, de todas formas poco le importaba ya, debido a que luego terminaría vendiendo su sello Food Records a la EMI.

 

Sin duda Balfe estaba equivocado, ya que nunca llegó a imaginar el éxito que estaba a punto de explotar en el Reino Unido, la banda sin buscarlo tanto terminaron volviéndose en la quintaesencia del britpop por sus letras, la influencia de The Kinks, junto al vandalismo que proliferaba a inicios de los 90's en el Reino Unido, el disco estaba ligado a una serie de historias muy Británicas, tenía la influencia de la novela "London Fields" de Martin Amis, e incluso Noel Gallagher decía que el disco era la Inglaterra sureña personificada, además de la mezcla de sonidos variados que se enfocaban en la melancolía como "End Of A Century", la synth pop "Girls And Boys", la instrumental "The Debt", cruda y punketa "Bank Holiday", el concepto a lo Syd Barrett en "Far Out", el new wave en "Trouble In The Message Centre", la movida "Parklife" entre otra. 

 

Ya con la parafernalia muy inglesa, faltaba la portada la cual debía ser igual de Inglesa, siendo esta adornada por dos galgos en plena competencia y que obedecía a la costumbre Británica de ir a las carreras de este tipo de perros, tan así les funcionó que la portada fue elegida en el 2010 para un conjunto de estampas del correo real que hacía referencia a portadas de álbumes clásicos. 

El disco llegó al No. 1 en el Reino Unido y permaneció en el chart durante 90 semanas, en Estados Unidos fue 6to., en el Billboard Top Heatseekers, pero no fue tan famoso como se esperaba, aunque "Girls & Boys" si gustó mucho, y su video en la MTV recibió algo de atención en ciertos programas. Sin duda el buen desempeño de sus cuatro singles "Girls & Boys", "Parklife", "End Of The Century" y "To The End" ayudo a su éxito comercial, aunque fueron más singles los lanzados como "This Is A Low" y "Tracy Jacks" solo para los Estados Unidos los que dejaron algo en ese país. 

 

Al final ganaron cuatro Brit Awards, fueron nominados al Mercury, quedando como el trabajo más coherente y pulido de la banda deambulando en el pasado pero con aires de modernidad, y de paso sería el inició de la disputa con Oasis por ser la mejor banda britpop de la época, pero eso es otra historia, aquí lo que importaba era el estilo musical y fue la contribución principal que la banda dejó para la posteridad.

Parklife Track List:

1. Girls & Boys

2. Tracy Jacks

3. End Of A Century

4. Parklife

5. Bank Holiday

6. Badhead

7. The Debt Collector

8. Far Out

9. To The End

10. London Loves

11. Trouble In The Message Centre

12. Clover Over Dover

13. Magic America

14. Jubilee

15. This Is A Low

16. Lot 105

Primicia: Starburster

           

Fontaines D.C. están de vuelta al ruedo con este nuevo single "Starburster" primer corte que se extrae de su próxima producción "Romance" a publicarse el 23 de Agosto, para la ocasión nos traen un tema crudo y vibrante acompañado de un curioso y entretenido video, en donde el protagonista se la pasa inhalando de todo bajo la dirección de Aube Perrie.

Rocktrospectiva: El Simplón Pero Esplendido "New Sensations" Cumple 40 Años

 

Lanzado en Abril de 1984 "New Sensations" fue el 13avo, álbum de estudio del legendario Lou Reed el cual contó con la producción de John Jansen junto al propio Reed. Aquí se puede escuchar a un Reed mucho más relajado que hasta se dio el lujo de bailar en el clip de "I Love You Suzanne", del álbum se lanzaron tres singles que junto al anterior ya mencionado fueron acompañados por "My Red Joystick" y "High In The City", tan solo el primero logro tener cierta relevancia llegando al No. 78 en el Reino unido aunque en la MTV tuvo cierta rotación. 

Con una curiosa portada en donde Reed aparece jugando con un Joystick mientras aparecía su imagen en la televisión. El disco en cierta forma funcionó, ya que alcanzó el No. 56 en el Billboard 200 y en el Reino Unido fue No. 92, pero marcó el regreso de Reed a los charts desde 1978 en los Estados Unidos mientras que en el Reino Unido eso fue en 1976.

En el disco se notaba su sabor ochentero, el guiño al mundo de los videojuegos de la época, el Joystick de la Atari, que hasta un tema dedicado tiene en el disco, así como el último track que hablaba sobre estar tirado en un salón de videojuegos muy comunes por aquel entonces. A pesar que el disco tuvo ciertos problemas con el guitarrista Robert Quine quien venía tocando en los últimos discos del artista, Reed tuvo que hacer el resto de los temas por si mismo, con la excepción "My Red Joystick" y  "My  Friend George" en donde Fernando Saunders toca la guitarra rítmica, pero el asunto con Quine no quedó así nada más, ya que en el tema más celebré del disco "I Love You, Suzanne" Quine había compuesto el riff, lo que hizo que Reed recompusiera las letras, pero olvidó poner en los créditos a Quine quién había co-escrito originalmente el tema, esto privó al guitarrista de las regalías arruinando aún más la relación entre ambos, pero al final tocó con Reed en el tour mundial. 

La crítica del disco fue favorable, en donde se le alabó a Reed por tomar un camino diferente al de siempre, sonando mucho más satisfactorio que cuando había tocado con la Velvet Underground, algo totalmente inesperado y que agradaba al oído, con letras más cálidas y llenas de humanidad, demostrando que podía escribir temas alegres después de todo.

New Sensations Track List

1. I Love You, Suzanne

2. Endlessly Jealous

3. My Red Joystick

4. Turn To Me

5. New Sensations

6. Doin' The Things That We Want To

7. What Becomes A Legend Most

8. Fly Into The Sun

9. My Friend George

10. High In The City

11. Down At The Arcade

Rocktrospectiva: El Exitoso "Bananarama" Cumple 40 Años

 

Lanzado el 21 de Abril de 1984 "Bananarama" fue el segundo álbum de estudio en la carrera del trío Inglés del mismo nombre, fue un exitazo ya que llego al top 40 del Billboard 200 y No. 16 en el Reino Unido, del disco se lanzaron cinco singles "Cruel Summer", "Robert de Niro's Waiting", "Rough Justice", "Hot Line To Heaven", y "The Wild Life". 

 

Bajo la producción de Jolley & Swain, la banda finalmente lograba entrar a los Estados Unidos en especial por el éxito que fue de "Cruel Summer" que fue un top 10 no solo allí sino en el Reino Unido y que lograría mayor aceptación por ser incluida en el soundtrack de "The Karate Kid", otro hit clave fue "Robert De Niro's Waiting" y "Rough Justice" que tuvieron su momento en el Reino Unido, mientras que los dos últimos se cayeron debajo del top 40.

 

La banda mejoró su sonido tropical pop para adquirir un toque más comercial, lo cual fue evidente con el hit mundial "Cruel Summer", aunque no fue tan único como parece, quizás el paso más alto fueron las letras, con temas mucho más serios con un temática que iba de la violencia sectarial en Irlanda "Rough Justice", pasando por la violencia domestica en "King Of The Jungle", al uso de drogas en "Hot Line To Heaven" por más que no pareciera por su sonido, y que decir del que para la crítica fue el mejor track "Robert De Niro's Waiting" que hacía referencia al efecto traumático de una adolescente victima de una violación, otros temas buenos son sin duda "State I'm In" y "Dream Baby" que tenían una extraña paranoia y que nos dejaba con buen sabor de boca que para muchos no duro demasiado, ya que a la vuelta de la esquina estaba lista la colaboración con SAW y entonces su sonido y estilo se llenaría de frivolidad.

 

Para muchos fue la cúspide de la banda, no muchas cantantes femeninas cantaban como ellas con ese misterioso sentimiento que por momentos parecía nostálgico, el disco tenía curvas no superficies y con una textura sonora que lo hacía a uno flotar y brillar, nunca antes el trió de Keren, Siobhan, y Sarah habían sonado tan brillantemente que nunca. 

 

Bananarama Track List:

 

1. Cruel Summer

2. Rough Justice

3. King Of The Jungle

4. Dream Baby

5. Link

6. Hot Line To Heaven

7. State I'm In

8. Robert De Niro's Waiting

9. Through A Child's Eye

Rocktrospectiva: El Inmaculado "My Maudlin Career" Cumple 15 Años

Lanzado el 20 de Abril del 2009, "My Maudlin Career" fue el cuarto álbum de estudio en la carrera de la banda Escocesa Camera Obscura, producido por Jari Haapalainen y que entrego cinco singles "French Navy", "Honey In The Sun", "The Sweetest Thing", "The Blizzard" y "The Nights Are Cold", con este disco consolidaron su pop inmaculado y que tuvo el honor de ser uno de los discos más encantadores en aquel entonces.

Pese al éxito del disco, la critica lo catalogó como una copia de su anterior entrega, y de que como era posible que la banda podía ir de esa misma forma sin que sus fans se quejaran al respecto, aunque hay que ser honestos, el disco tenía una producción mucho más pulida e intensa que su entrega anterior, quizás no fue tan cerca que ese discos, pero pese a todo, podía arreglárselas para entregar carisma, nostalgia, y un sonido muy melódico y que para suerte de la banda y el público, la perseverancia era la clave de todo, lleno de arreglos de cuerdas que por momentos se salen de control, y con unas letras más acertadas y ágiles que incrementaban el movimiento del sonido más que nunca, el disco estaba también dotado de muchas melodías conmovedoras y a la vez muy simples que lograban quedarse en la cabeza del oyente por mucho tiempo, un ejemplo era la pegajosa "james" lleno de sonidos más complejos y una letras más ingeniosa.

El formidable single "French Navy" amparado de un fabuloso video tipo preppy era uno de los puntos más fuertes, pasando por "The Sweetest Thing", "You Told A Lie" y "Away With Murder" el tiempo ni se siente al pasar por estas deliciosas tonadas, pero si esos temas eran fabulosos "Swans" rayaba en genialidad y tenia los suficientes atributos para considerarla un single ya que era un tema bellisimo, "James" era una hermosa balada con toca los nervios más íntimos del corazón termina por consolidar el sonido de una de las mejores bandas de Escocia y que merece un lugar aparte de Belle And Sebastian.

Habían ciertos puntos de relleno como "Careless Love" pero retomaban el hilo con el track que da nombre al álbum "My Maudlin Career" el cual era un brillante tema pop cuyo piano de fondo es estremecedor, terminamos este buen disco con la tonada country de "Forest And Sands" otra solvente balada "Other Towns And Cities" y la festiva e igualmente poderosa "Honey In The Sun" que es con la que acaba el disco

Las letras daban la nota  con Tracyanne Campbell quien evolucionaba al margen de su recurrente temática sentimental desde una perspectiva madura, según decía ella misma, “nunca había sido tan despiadada escribiendo letras, más que letras, son documentos de lo que me estaba ocurriendo en ese momento”. Básicamente, son canciones que observan las relaciones con una gran dosis de amargura, recelo, ironía y humor.

My Maundlin Career Track List:  

 

1. French Navy
2. The Sweetest Thing
3. You Told A Lie
4. Away With Murder
5. Swans
6. James
7. Careless Love
8. My Maudlin Career
9. Forests & Sands
10. Other Towns & Cities
11. Honey In The Sun

Rocktrospectiva: El Vibrante Y Estridente "Indie Cindy" Cumple 10 Años

 

Lanzado el 19 de Abril del 2014, "Indie Cindy" fue el 5to., álbum de estudio en la carrera de la banda Estadounidense Pixies, sería su primer disco desde aquel mítico "Trompe Le Monde" de 1991 y el primero que ya no contó con la carismática Kim Deal en el bajo, del disco se lanzo un single "Bagboy", aunque se desprendieron otros más, ya que el álbum combinaba una serie de canciones que la banda hizo entre el 2013 y 2014 y que fueron lanzadas en el EP1-2-3 respectivamente bajo la producción de Gil Norton quien había estado detrás de otros clásicos discos de la banda. 

 

Su primer álbum en 23 años, a menudo suele traer a colación el sonido, dinámica e inventida de otros celebres como "Trompe Le Monde", con Black en su esplendor redefiniendo el sonido del grupo pese a la ida de la icónica Deal, pese a ese altibajo, la banda pudo generar intensidad, tensión, kinetica, energía y vibra de la buena, entregando un disco que se siente y huele con un verdadero disco de Pixies en todo sentido de la palabra, a lo largo del mismo se puede escuchar esa influencia de Surfer Rosa-Bossanova en track como "Bagboy" además de otros tracks en donde el espacio y la duda ya no son preocupación como antes para Black, aquí la estructura fue reemplazado por la repetición, la estridencia, el clamor y los arreglos sobre producidos, "Anothe Toe In The Ocean" parecía un cliché de soft rock a lo Weezer pero muy al estilo del grupo, "Snakes" quizás sea el track más débil que por momentos suena a R.E.M., pese a ellos no es del todo molesto, "Blue Eyed Hex" otro gran número lleno de fuerte sonido y guitarreos que hacía una de las piezas más importantes del set lleno de sensibilidad extraña. 

 

Otro elemento clave en el sonido y sensibilidad fue sin duda la guitarra de Joey Santiago, pese a no notarse mucho, su rol fue principalmente de ir dándole el toque a cada canción como tomar el rol de Deal, eso puede notarse en temas como "Ring The Bell" o "Greens And Blues" canciones sinceras y románticas como recuerdo de que la banda tenía una habilidad curiosa de jugar un rol clave en el arco del pos modernismo mientras hacían pop con una completa falta de ironía, pero también hay otras joyas escondidas como la nostálgica "Andro Queen" que suena a los viejos tiempos, sin ese sonido ni estridencias con mucho en la linea de la icónica "Wave Of Mutilation" que sacaba un toque clave en la iconografía e la banda que el surf-rock con pinceladas de tex mex. 

 

El disco se sentía profundo y poderos, aunque sin un rumbo a seguir pese a todo ello, el mismo era sólido como el oro, familiar, consistente y disfrutable sin un punto clave, justo como si fuera un disco en solitario de Balck pero con mejores músicos a su alrededor para darle el toque clave al asunto, y por ello fue que el disco llego al No. 23 en el Billboard 200 siendo este el más exitoso de sus discos, por muy raro que suene. 

 

Indie Cindy Track List:

 

1. What Goes Boom

2. Greens And Blues

3. Indie Cindy

4. Bagboy

5. Magdalena 318

6. Silver Snail

7. Blue Eyed Hexe

8. Ring The Bell

9. Another Toe In The Ocean

10. Andro Queen

11. Snakes

12. Jaime Bravo

Rocktrospectiva: El Raro Y Reflexivo "Bury The Hatchet" Cumple 25 Años

 

Lanzado el 19 de Abril de 1999 "Bury The Hatchet" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Irlandesa The Cranberries, lanzado en una época difícil para el grupo que venía de disfrutar de una enorme popularidad con sus primeras tres entregas, este disco no fue tan vendedor pero eso no lo eximía de tener notables tracks, la temática giraba en torno a la maternidad y los niños, el divorcio y abuso infantil, del mismo se lanzaron cuatro singles "Promises", "Animal Instinct", "Just My Imagination" y finalmente "You And Me". 

 

La banda se reunió y decidió empezar desde cero, O'riordan buscó recuperarse del estrés y la mala vibra con la prensa, además de retomar actividades tras la crianza de su hijo Taylor, el reto era alto, la banda venía de haber lanzado tres exitosos discos, por lo que tenían que superar o al menos estar a la misma altura de los hechos, ahora ya con los nervios y la situación más calmada, la banda comenzó de nuevo a meterse en el estudio, el disco fue bien recibido en varios países, pero desgraciadamente recibieron mala crítica tal y como había pasado con el anterior disco, aunque hay que ser justo, ya que este disco no es del todo mal como se piensa, tiene buenos momentos. 

 

Incluso el propio baterista Fergal Lawler lo dijo una vez, parecía que era un fresco y novedoso comienzo que no se había tenido en mucho tiempo, y esa vibra se hacía notar en los sonidos y las canciones del discos, con un rock muy suave y encantador, eso se notaba en temas como "Just My Imagination", "Saving Grace" y "Shattered" que mostraban un estilo más relajado que en los otros temas, y esa fue la dinámica que Dolores y Noel Hogan emplearon a lo largo del disco, con acordes y estructura más simples, eso no quitaba que el disco también tuviera temas muy flojos según la crítica aunque a mi criterio "Animal Instinct" es un temón en todo sentido y para nada uno de los más débiles del mismo como lo dicen, quizás por que piensas que el punto débil aquí fue la propia interpretación de Dolores, habían otros peores como "Saving Grace", y "Fee Fi Fo" que aducían lo mismo y que parecían más de relleno que otra cosa y que carecían de la fuerza para atraer nuevos oyentes. 

 

A pesar de todo esto, "Bury The Hachet" llegó a vender más de 3 millones de copias, nada mal pese a que es uno de los discos más flojos del grupo para mucho, pero el disco contiene un grupo de clásicos del grupo tales como "Promises" y "You And Me" y porque no decirlo, también "Just My Imagination" y "Animal Instinct", quizás no sea el disco que uno recomendaría a un nuevo oyente para conocer al grupo pero si es una compra digna si uno quiere profundizar un poco más en la discografía de la banda. 

 

Bury The Hatchet Track List:

 

1. Animal Instinct

2. Loud And Clear

3. Promises

4. You And Me

5. Just My Imagination

6. Shattered

7. Desperate Andy

8. Saving Grace

9. Copycat

10. What's On My Mind

11. Delilah

12. Fee Fi Fo

13. Dying In The Sun

14. Sorry Son

Rocktrospectiva: El Icónico "His 'n' Hers" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 18 de Abril de 1994, "His 'n' Hers" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Inglesa Pulp, fue el disco que marcó la carrera de la banda en dos, y fue considerado clave en el éxito de la banda en cuanto a su  camino para la consagración  tras una carrera que ya tenía 15 años en el camino.

Era 1994, año marcado por la muerte de Kurt Cobain y el reinado del indie y la música grunge en los Estados Unidos, del otro lado del charco la fiebre del britpop por fin lograba alcanzar su cuota definitiva y Pulp fue una de las bandas clave dentro del movimiento, claro esta, que ellos en vez de buscar inspiración en sonidos de los 60's y 70's, se dedicaron a reinventarse así mismo y dejarlo plasmado en este su 4to., álbum de estudio, la apuesta les valió el anhelado reconocimiento, alcanzando el No, 9 en el chart de álbumes del Reino Unido.

El contexto y las letras del disco tienen que ver mucho con temas que la banda siempre utilizó, y que van desde los encuentros sexuales, las clases sociales y el vouyerismo, esto queda de manifiesto en el tema "Joyriders" que daba la entrada al disco y que buscaba darle tono al mismo marcando la idiosincrasia perturbadora de la banda, con "Lipgloss" uno de los singles del disco destacan el teclado de Doyle para aderezar cualquier tipo de deseos de adolescentes reprimidos, "She's A Lady" se inspira en el tema "I Will Survive" de Gloria Gaynor y un poco de Abba, y de corte muy nacionalista, el otro single "Babies" uno de las joyas registradas de la banda y desde el punto de vista de un vouyeur que se esconde para observar a la hermana de su novia, y por supuesto el otro y más conocido single "Do You Remember The First Time?" el hit clave que sirvió para impulsar el disco y considerarlo uno de los temas básicos en cualquier recopilación britpop que vino después, a pesar del sonido movido, el tema escondida una historia acerca del paso sexual de la infancia a la adolescencia en el Reino Unido, sin faltar la culpa y es que todo tenía que ver con la masturbación.

Pero el disco también tenía otros temas como "Acrylic Afternoons", para retratar a la clase media Británica de los 90's., con "Have You Seen Her Lately?" exponiendo historias guardadas sobre las decepciones amorosas en la adolescencia con las mujeres y que vaya sino abundan, con "Happy Endings", tema melódico  aderezado con sintetizadores para dejarnos una sensación positiva, "Pink Glove" ejercía de burla sobre la endogamia que adolecía el britpop y algunos de sus más ilustres personajes también con mucho sonido melódico y minimalismo electrónico.

Ya llegando a los últimos temas nos encontrábamos con "Someone Like The Moon" uno de sus más crudos temas pero convertido a la temática pop, "David's Last Summer", con influencias sonoras de Can para uno de los temas más largos del disco para terminar así una de las entregas más inesperadas pero a la vez frescas y positivas que pudieron haber emergido del britpop, en una época en la que todos querían copiar hasta el peinado de The Beatles y la agresividad sonora de The Kinks o Rolling Stones, aquí al menos se escuchaba un sonido diferente y quizás es por eso que Pulp tuvo su lugar especial dentro del género logrando trascender más allá de la época dorada del mismo.

His 'N' Hers Track List:

1. Joyrirders

2. Lipgloss

3. Acrylic Afternoons

4. Have You Seen Her Lately?

5. Babies

6. She's A Lady

7. Happy Endings

8. Do You Remember The First Time?

9. Pink Glove

10. Someone Like The moon

11. David's Last Summer

Rocktrospectiva: El Reinvidicado "Sounds Of The Universe" Cumple 15 Años

 

Lanzado el 17 de Abril del 2009, "Sounds Of The Universe" fue el 12avo., álbum de estudio de la banda Inglesa Depeche Mode y fue precedido por un largo tour que reivindicó el mismo, además de los tres singles que causaron revuelo, en especial "Wrong" por el curioso y violento video que llegó a ser considerado polémico en su momento.

Grabado tras el reencuentro con el estilo logrado en "Playing The Angel" y las grabaciones para el disco en solitario de Gaham, "Sounds Of The Universe" contó con tres temas de Gahan, Eigner y Philpott, mientras que Martin Gore se metió más de lleno en otros temas con Gahan, todo esto bajo el control de Ben Hillier gracias a que la banda quedó muy complacida con la producción del disco anterior, de hecho, las sesiones fueron muy productivas lanzando 22 temas que al final tuvieron que cortar, cosa que fue muy difícil pero que tuvieron que sacrificar al menos cinco temas de estos.

En su momento, llamó mucho la atención del uso masivo de sintetizadores del tipo análogo en el disco, como que volviendo a los viejos tiempos, se le considero al principio flojo para lo que se esperaba de una banda con una rica historia como Depeche Mode, pero conforme han pasado los años, el sonido se fue acomodando al oído y gusto de los fans y por ende la crítica, desde el abridor "In Chains" que marcaba la obsesión y devoción hacía alguien y que auguraba grandes cosas, para dar paso a "Hole To Fee" que sigue teniendo su estilo y clase, "Wrong" era el tema más apetecible del disco con Depeche Mode en plena esencia con su típica oscuridad, abatía, y dolor apoyado por un raro video de un hombre atado a un carro en neutro y en plena marcha y que destruyendo lo que encuentra a su paso para luego matarlo por el fuerte impacto de un pick-up, y que por curiosa razón, no lo tiene Youtube. Con "Fragile Tension" se apelaba a esos sentimientos gore y masoquista y así el disco iba dándonos sorpresas como "In Simpathy" con una gran melodía entre tanta desolación, las cosas parecían tranquilizarse con "Peace" para dar paso a "Comeback" y luego al que siempre he creído yo que es un desacierto con "Spacewalker" y que tras ese descalabro se venían temas como la utópica "Perfect" acerca de ese lugar donde se supone que todo es mejor pero que variar siempre es un sueño, y de vuelta a la realidad con "Miles Away/The Truth Is" acerca de enfrentar un delito no cometido, "Jezebel" y terminar con "Corrupt" muy en boga con los tiempos que desgraciadamente se vivían por aquel entonces y que pareciera que poco a cambiado 15 años después de la misma.

El disco gozó de cierta crítica positiva, para muchos la banda seguía sonando genuina y positivamente inspirada, con la habilidad de seguir creando temas pegajosos para una audiencia más joven y a la vez complacer a los fans de siempre.

Sounds Of The Universe Track List:

 

1. In Chains

2. Hole To Feed

3. Wrong

4. Fragile Tension

5. Little Soul

6. In Simpathy

7. Peace

8. Come Back

9. Spacewalker

10. Perfect

11. Miles Away/The Truth Is

12. Jezebel

13. Corrupt

Discos: El Influyente Y Brillante "Doolittle" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 17 de abril en Estados Unidos y un día después en el Reino Unido, "Doolittle" fue el  segundo disco de la banda Estadounidense Pixies que estuvo bajo la producción de Gil Norton, el curioso disco se nutre del surrealismo Lynchniano, material obscuro, referencias bíblicas, tortura, muerte y desviaciones sexuales, arropadas por una producción limpia cortesía del nuevo productor que supo como sacarle raja a las guitarras surferas y desmadradas de Joey Santiago, además de destacar las armonías vocales entre Black y Deal. 

Tras el lanzamiento del aclamado pero sin éxito comercial "Surfer Rosa", y luego de una intensa gira, Black Francis comenzó a escribir los primeros temas del disco, entonces se meten de lleno en el estudio con Gil Norton para trabajar de lleno en el mismo no si antes familiarizarse con el sonido de la banda para conocerlos y ver que cosas puede hacer y que otras quiere sacar.

 

Comienzan un 31 de octubre de 1988 y terminan el 23 de noviembre, finalizando con la producción y las mezclas el 28 del mismo mes, el productor desde un principio quiso entrarle con más sonido dub a los temas, ya que quería que la banda pasara de ser una promesa a la próxima banda exitosa a nivel mundial, en cierta forma lo logró ya que logro mezclar las técnicas usadas antes por la banda junto a un bonito y elegante estilo surrealista, lo cual se puede apreciar tanto en la portada como en los temas del mismo. 

Durante la producción se agregaron varias capas de guitarra y vocales a temas como "Debaser", y "Wave Of Mutilation", otros temas como "There Coes My Gun" tenía cierto estilo furioso como Hüsker Dü. mientras que "Tame" y "Crackity Jones" eran rápidas y agresivas incorporando el estilo musical de la banda de ruidoso y callado a la vez, "Silver", "I Bleed" y por supuesto "Here Comes Your Man" eran quietas, lentas, y melódicas, y finalmente el gran "Monkey Goes To Heaven" con esos cambios de sonidos y la llegada de nuevos instrumentos como violines y cellos, además de la utilización de cierto sonido español en algunos temas.

Sobra las letras, ya comentábamos los pormenores de las mismas, por ejemplo "Dead" y "Gouge Away" tenían fuertes referencias bíblicas, así como la referencia que hace en "Monkey Gone To Heaven" con el Diablo siendo el seis y Dios el siete, la excentricidad en "Wave Of Mutilation" sobre una historia de un empresario japonés que obliga a su familia a cometer suicidio, la muerte y la destrucción también en las mismas, la historia de un compañero de estudios de Francis quién era descrito como un raro psicópata gay en "Crackity Jones",  las encantadores "Here Comes Your Man" y "La La Love You" que era interpretada por David Lovering, una clara canción de amor y cuyo título sigue usando la banda para sus mensajes. La rara portada es obra de Vaughan Olivier y Simon Larbalestier, fue la primera vez que tuvieron acceso a las letras y de ahí que se inspiran en los temas como el mono celestial, los números 6 y 7 y otra imaginería más, aparte que se encargaron de ilustrar el resto de los temas, además que cambiaron el título de "Whore" por el de "Doolittle".

Del disco se lanzaron oficialmente dos singles, la ilustre "Monkey Gone To Heaven" y la melódica "Here Comes Your Man" que gozaron de relativo éxito en el recién creado Modern Rock Tracks de la Billboard, debutó en el No. 171 y alcanzó el No. 98, pero en el Reino Unido si que se volvieron famosos ya que el disco alcanzó el No. 8 en el chart Británico, aparte que dentro del disco hay otros geniales temas como "Debaser", "Wave Of Mutilation", y "Gouge Away", y por ejemplo "Debaser" todavía se utilizó como single para promover "Death To Pixies" una recopilación que se lanzó en 1997. 

Pero sin duda, su mayor legado radica en la influencia que el disco tuvo en el rock alternativo, desde Nirvana hasta The Smashing Pumpkins, pasando por PJ Harvey o Bush, todos siempre mencionaron a este disco como una influencia latente, y por eso es que sin duda "Doolittle" ha logrado superar la prueba del tiempo con mucho estilo. Es curioso casi que rayando en lo surrealista, ya que el disco de la banda aparece en una época en donde las radios eran mucho más abiertas y atrevidas a jugárselas con bandas y artistas de todo tipo y que en muchos casos funcionaron bien, tuvieron el beneplácito de la crítica y fue su gran álbum, el que les abriría las puertas a lo grande, al menos en el Reino Unido, además de la técnica quieta y estridente que usaron en donde los versos iban sostenidos por la línea de bajo de Kim Deal, y la batería de Lovering para luego alcanzar picos sonoros estridentes con las guitarras de Black y Santiago, lo cual resultaría ser muy influyente en el desarrollo del rock alternativo de inicios de los 90's.

Doolittle Track List:

1. Debaser

2. Tame

3. Wave Of Mutilation

4. I Bleed

5. Here Comes Your Man

6. Dead

7. Monkey Gone To Heaven

8. Mr. Grieves

9. Crackity Jones

10. La La Love you

11. Number 13 Baby

12. There Goes My Gun

13. Hey

14. Silver

15. Gouge Away

Primicia: Desert

           

La multifacetica artista Británica Bianca Scout nos presente este movido y dinámico tema "Desert" el cual lo interpreta en colaboración con Marina Zispin, el tema y el sonido promete con una potente línea de bajo y un trasfondo sonoro un poco oscuro.

Primicia: Pallor Tricks

           

La banda oríunda de Montreal, Quebec, Cola nos presenta el single "Pallor Tricks" con una aproximación al new wave Británico con un enfoque modernizado, teniendo así un perfecto balance entre corazón y sinceridad, además de un video curioso y entretenido, el corte se extrae de "The Gloss" su nuevo álbum de estudio.

Rocktrospectiva: El Exitoso "...Twice Shy" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 12 de Abril de 1989 "...Twice Shy" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Estadounidense Great White, el disco fue el más potente y exitoso de la banda, gracias al éxito de sus singles "Once Bitten,Twice Shy" y "The Angel Song" que lograron romper brecha en el Hot 100 de la Billboard, tuvieron otro potente single "House Of Broken Love" inspirado por la dolorosa relación y rompimiento que tuvo el vocalista Jack Russell y el guitarrista Mark Kendall en sus vidas. 

 

El disco era netamente hard rock aunque también se nutría del sonido hair band de la época, supieron reinterpretar el cover de Ian Hunter y lo volvieron un tremendo hit con "Once Bitten, Twice Shy" y que se volvió un hit de arena rock, esto ayudo a potenciar el disco ya que contenía los temas más populares del grupo en su momento, además de una tremenda popularidad en la MTV lo que significó el fin de una década de frustraciones económicas.

La crítica fue buena, aunque algunos se quejaron de la falta de creatividad y originalidad de la banda, otros lo vieron como un mero refrito álbum de heavy metal y que solo el cover de Ian Hunter valía la pena, pero pese a todo el disco si que obtuvo una buena calificación en todo sentido.

 

...Twice Shy Track List:  

 

1. Move It

2. Heart The Hunter

3. Hiway Nights

4. The Angel Song

5. Mista Bones

6. Baby's On Fire

7. House Of Broken Love

8. She Only

9. Once Bitten, Twice Shy

10. Wasted Rock Ranger

Rocktrospectiva: El Aclamado "Live Through This" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 12 de Abril de 1994 "Live Throug This" fue el 2do., álbum de estudio de la banda Hole, el cual vio la luz entre las muertes de Cobain y Pfaff, tan solo una semana después del fallecimiento de su esposo, el 12 de abril de 1994, bajo el sello DGC, y fue el único que contó con la bajista Kristen Pfaff quien murió en Junio de ese año por sobredosis de heroína. 

 

El disco comenzó a trabajarse en octubre de 1993 bajo la producción de Paul Kolderie y Sean Slade quienes buscaron refinar las melodías y la estructura en los temas de la banda, luego fue mezclado por un viejo conocido como Scott Litt y J Mascis para darle ese toque tan especial que llegó a tener, en el disco se pueden apreciar los problemas que afligían a Love en aquel entonces, y que tenían que ver con la belleza, la narrativa de la leche, el matriarcado, el anti-elitismo y la violencia contra la mujer, y el título que fue tomado de una leyenda sacada del filme "Gone With The Wind" de 1939.

 

A Courtney Love siempre se le acusó de ser oportunista y tener fama gracias a su célebre esposo Kurt Cobain, entonces decidió ponerle pasión y trabajo a su siguiente disco "Live Through This" para cambiar el pensamiento de la crítica y los anti-fans, entregándonos una verdadera maravilla en donde se podía apreciar la angustia, el dolor y el cinismo con belleza tanto en la música como en las letras del mismo. El disco resulto ser el éxito que ella esperaba, pero la sombra de Kurt Cobain rondaba el mismo, y es que todo comenzó también cuando la Love durante una entrevista comentó que las melodías vocales de Cobain estaban en todo el disco de manera soterrada, y que en alguna ocasión, el mismo le enseño algunas armonías que había compuesto y que se quedará con algunas, lo que desató el rumor que el disco había sido escrito por Cobain, pero pronto la baterista Patty Schemel comentó que había sido Eric Erlandson y Courtney Love quienes escribieron el mismo, incluso el biografó de Cobain Charles R. Cross estuvo de acuerdo con el mismo, pero ya el rumor estaba dado a pesar que dos temas "Violet" y "Doll Parts" venían desde la época de "Pretty On The Inside", y habían sido plasmadas durante sl show de John Peel en 1991, a pesar que Cobain junto a Pfaff interpretó los coros de manera no acreditada en dos temas "Asking For it" y "Softer, Softest" saldando de esa manera cualquier duda.

Hole había lanzado un disco llamado"Pretty On The Inside" en 1991 con unas ventas moderadas y cierto éxito entre la crítica, pero en el camino perdieron dos componentes, por lo que se reclutó nuevos elementos, el primero fue la baterista Patty Schemel y luego una bajista que venía de una banda llamada "Janitor Joe", la guapa Kristen Pfaff quién además de tocar el bajo, dominaba el cello. Ya con una nueva banda se mudan a Carnation, Washington y comienzan a trabajar en el disco sacando los primeros temas: "Beautiful Son", "20 Years In The Dakote" y "Old Age" de la mano de Jack Endino, además negocian con DGC Records quienes les dan un jugoso adelanto y altas regalías en comparación con las de Nirvana, poco se van agregando nuevos temas como "Miss World", "She Walks On me", "I Think That I Would Die" y Softer, Softest", ya con estos demos se meten de lleno al estudio el 8 de octubre de 1993.

El ambiente era bueno e incluso Cobain anduvo por ahí y hasta participó en algunas sesiones, pero el problema fue la abundancia de "cristal", lo cual vino arruinar un poco la cosa, ya que Schemel, su hermano y Pfaff se la pasaban drogados durante las sesiones, lo cual quedo plasmado en el tema "Miss World" donde la baterista y bajista tocaron bien drogadas, a pesar de todo, el disco se terminó en cinco días de grabar y luego las mezclas tendrían lugar unos días después. El disco marca una partida perfecta del rock ruidoso hacía un sonido más comercial para la radio, un sonido más meloso y en parte porque Love quería que la gente se diera cuenta que la banda tenía un lado suave y podía ser ambas cosas al mismo tiempo, y ahora con una melodías más estructuradas y suaves arreglos con riffs pesados, algo así como melódicos y punky a la vez, saliendo de lo más natural.

La temática era variada y obedecía a las vivencias de Love, por ejemplo "Violet" estaba inspirada en la relación que tuvo con Billy Corgan, el matriarcado y la depresión post-parto vienen ligadas en temas como "Plump", "Miss World" y "I Think That I Would Die" esta última tenía que ver con la batalla legal que Love y Cobain tuvieron que enfrentar por la custodia de su bebé en 1992, con "Asking For It", se narra una historia durante una gira con Mudhoney en donde fue asaltada y sus ropas rasgadas mientras estaba subida sobre la multitud, "Doll Parts" uno de los singles y el más exitoso del disco estaba inspirado en la inseguridad de Love de que Cobain tuviera un interés romántico en ella, incluso hay un tema fantasma "Rock Star" el cuel fue cambiado por "Olympia", pero el primero resulto quedándose porque ya se había impreso el disco.

La curiosa portada fue obra de Ellen Von Unwerth quien sacó un retrato de la modelo Leilani Bishop vestida como participante de concurso de belleza, mientras que la contraportada tenía una foto de la familia de love en su niñez. Del disco se lanzaron cuatro singles, "Miss World" con un video que me recordaba al filme "Carrie", luego vino "Doll Parts" el más exitoso del disco, seguido de "Violet" con un video en donde la Love salía bailando en club de strippers de los años 20's y fue el primero en donde apareció "Melissa Auf Der Maur" quien reemplazó a la fallecida Pfaff, y finalmente "Softer, Softest".

Como curiosidades, aparte de la ya mencionado tema fantasma de "Rock Star", estaba la historia que el disco era dedicado a la memoria de Joe Cole, amigo de la banda que fue asesinado tras la vuelta de un concierto de Hole, y claro el dato más siniestro es que el disco sale a la venta entre las muertes de Cobain y Pfaff, aunque esta última había decidido dejar la banda y dos meses después era encontrada muerta por una sobredosis. El disco sigue manteniéndose muy bien un cuarto de siglo después, lanzó a la Love al estrellato y le dio finalmente una luz propia que presumir tras la gran sombra de su malogrado marido.

Live Through This Track List:

1. Violet

2. Miss World

3. Plump

4. Asking For it

5. Jennifer's Body

6. Doll Parts

7. Credit In The Straight World

8. Softer, Softest

9. She Walks On Me

10. I Think That I Would Die

11. Outless

12. Rockstar

Primicia: Reaching Out

           

La Inglesa Beth Gibbons nos entrega el clip interactivo de su nuevo single "Reaching Out", un tema bastante intenso y tinte aterradores y con ciertas pinceladas de presión, para la ocasión nos presenta un clip dirigido por Weirdcore, y que se extrae del disco "Lives Outgrown" a publicarse el próximo 17 de Mayo.

Rocktrospectiva: El Vibrante Y Pionero "Club Classics Vol. One" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 10 de Abril de 1989 "Club Classics Vol. One" y "Keep On Movin'" en los Estados Unidos, fue el álbum debut de la banda Británica Soul II Soul, el disco incluía los singles "Keep On Movin'", y "Back To Life (However Do You Want Me)" que fueron éxitos masivos, incluso este fue top 10 en los Estados Unidos y ayudo a la popularidad del disco. 

 

El debut de la banda fue algo curioso, ya que supuso el descubrimiento del soul en el Reino Unido, además de fundir sonido con el reggae y el hip hop, más cierto toque sexy del R&B, para arrasar en los clubes del Reino Unido, formado por Jazzie B, Caron Wheeler y Nellee Hopper como núcleo principal, se volvieron tan únicos y famosos que siguen siendo considerados como puntos de referencia en la música club de hoy en día, el talento en la producción de Hopper es notable hasta la fecha, abarcando ritmo, melodúa y vocales en uno solo, mezclando ricos sonidos como el jazz y el dub y que para ese verano de 1989 era lo más in en el Reino Unido.

 

Los tracks fueron ordenados de manera inteligente, con cierto toque de DJ, mezclando los movidos y luego algunos instrumentales lo cual funciono a la perfección, y eso es notable desde que el disco comienza a sonar, rodeado de letras positivas y unificadoras como única filosofía, lamentablemente Hopper dejaría el grupo para centrarse en la producción y pese a que se mantienen juntos, ya sin el talento y carisma de Jazzie B el grupo ha tenido que batallar para lograr la referencia de este disco. 

 

El álbum fue No. 1 en el Reino Unido y en los Estados Unidos fue top 30, y fue aclamado por la crítica gracias a su sonido chic y hip hop, considerado uno de los más gratificantes discos de 1989 por su rico sonido y expansión creativa.

 

Club Classics Vol One Track List:

 

1. Keep On Movin'

2. Fairplay

3. Holdin' On Bambeleda

4. Feeling Free

5. African Dance

6. Dance

7. Feel Free

8. Happiness

9. Back To Life

10. Jazzie's Groove

Rocktrospectiva: El Brillante Y Poderoso "Sonic Temple" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 10 de Abril de 1989, "Sonic Temple" fue el 4to., álbum en la carrera de la banda Inglesa The Cult, también su más aclamado, famoso y exitoso hasta la fecha, y que vino en el mejor momento de la banda cosechado por el éxito que tuvo la gira "Electric" de 1987. 

 

La banda se apegó a la dirección del hard rock que había introducido exitosamente en sus producción anterior aprovechando la producción de Bob Rock. Fue el último disco en donde participó el bajista Jamie Stewart quien dejaría la banda un año después, y el primero que recibió el reemplazo de Mickey Curry en la batería, el disco tiene una versión demo grabada con Eric Singer de Kiss en la batería, pero no satisfechos aún, grabaron otra versión con Chris Taylor quien era el baterista en la banda de Bob Rock, el productor. 

 

La banda se establece en Los Ángeles y contactan con Rock, quien los lleva a la fría Canadá para grabar el mágico y astral disco, iniciando una relación con el productor que se prolongaría por tres discos más, los temas aquí son mucho más largos y siguen siendo contundentes, lo que les rinde frutos, ya que el disco logra alcanzar el No. 10 en el Billboard 200, siendo esto un hito para la banda convirtiendose en el disco con la posición más alta hasta el momento en su carrera, además de contener los singles más conocidos como "Woman", el tema inspirado en la musa de Warhol, Edie Sedgwick "Edie (Ciao Baby)" y por supuesto como "Sweet Soul Sister" logrando la consagración definitiva de la banda en el ambito hard rock.

Además del sonido clásico de la banda, cabe destacar la mítica portada con Billy Dufy con las piernas extendidas y apunto de tocar su Gibson Les Paul, y como fondo a Ian Astbury con un micrófono, dicha portada tuvo diferentes versiones en otras partes del mundo que incluso abarcan una grabación para Arabia Saudita por raro que suene, en algunos países Latinoaméricanos se leía el nombre de "Templo Sonico" en vez de su título original en inglés, en Taiwan y China venía una portada color rosa, y así cada país con su curiosidad, de la misma manera que el track listing tuvo sus curiosidades también, con 10 temas originales más tres tracks los cuales estuvieron disponibles en algunos países en formatos como CD y cassette pero no en todos.

El disco se nutrió de la popularidad que los videos en la MTV tuvieron, que era la mayor referencia musical en aquel entonces,  y pese a que el disco tuvo una crítica variada, en su mayoría fueron opiniones aceptables y positivos, en donde destacaban los pocos riffs y la imaginería para convertir un álbum convencional en los más audaz y convincente en su carrera, aunque otros los acusaban de emular a las famosas hair bands de la época alejándose cada vez más de su sonido alternativo y unicamente estaban reciclando acordes de sus últimos discos para lanzar un refrito, pese a todo, el disco tuvo una acogida popular sin precedentes.

 

Sonic Temple Track List:

1. Sun King

2. Fire Woman

3. American Horse

4. Edie (Ciao Baby)

5. Sweet Soul Sister

6. Soul Asylum

7. New York City

8. Automatic Blues

9. Soldier Blues

10. Wake Up Time For Freedom

11. Medicine Train

12. The River

13. Lay Down Your Gun