Damon Albarn vuelve con "Royal Morning Blue", nuevo corte que se extrae de su producción "The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows", que saldrá al mercado el próximo 12 de Noviembre, el tema tiene un tono mucho más bailable que el anterior que era un poco más solemne, aunque como lo explicó Albarn, el disco explora temas sobre la fragilidad, la perdida, la emergencia y el renacimiento, el clip ha sido dirigido por el propio Albarn y filmado por Tanyl Vahdettin.
La banda Spoon estrena el clip de su nuevo single "The Hardest Cut", que marca un giro totalmente inesperado a lo que venían haciendo con música dance y electrónica, ahora vienen con un sonido más rockero inaugurando una nueva etapa en su décima producción "Lucifer On The Sofa" que saldrá al mercado el próximo 11 de Febrero, según cuenta Britt Daniel, el sonido de la guitarra es duro y con un solo embrujante aparte que el video tiene un transfondo espeluznante.
La hermosa Caroline Loveglow debuta con este single "Happy Happy" con fuerte reminiscencia a The Cure, les suena "Pictures Of You", un tema bastante pegajoso y apetecible para esta joven promesa y con un clip también basta retro donde ella sale actuando con su guitarra y atrás hay una muñeca con ciertos elementos fetichista a manera de captar la atención de un publico masculino que la contempla por medio de un chat como los de antes, el tema viene incluído en lo que será su producción debut "Strawberry" disponible el próximo mes de Febrero.
Vlad Holiday es un
cantante, compositor, productor y multi instrumentista de origen rumano
que vive en la ciudad de Nueva York desde el 2017 entregando música desde entonces, este tema "Destruction" se extrae de su nueva producción, el EP "Write Me Off The Show" un tema que deambula en el art rock e indie pop y que viene apoyado por un video a cargo de Polly Pierce, que tiene como protagonista a Sabina Kravchenko y con un cameo de Lisa Holiday, la historia del clip captura la esencia del tema para relajarse y soñar o meditar en las madrugadas.
No tengo mucha información acerca de Moon Blue, solo que esta editando este single bajo el sello Rats de Bangkok en Tailandia, pero por lo menos nos queda esta vibra dream pop que ya anda circulando en Youtube, al arte de portada del single esta bastante bueno.
Vuelve Marion Brunetto aka Requin Chagrin con este nuevo single "Bye Bye Baby" que se extrae de su nuevo disco homónimo, el tema mantiene la misma dosis de buen dream pop con letras conmovedoras en donde hay momentos cuando se tiene que tomar la decisión correcta y decirle adiós a todo lo que nos estanca, el clip corre a cargo de Simon Noizat y que tiene como protagonista a una chica que labora en un cine y se imagina adentro de un film que acaba de descubrir.
Lanzado el 28 de Octubre de aquel mítico 1991, "Rush Street", el 3er., álbum de estudio del Estadounidense Richard Marx, llegando a vender un total de 2 millones de copias, volviéndolo su 3er., multi millonario en ventas consecutivo en los Estados Unidos y sería a la postre su último disco en lograrlo.
Se lanzaron cuatro singles del mismo, la suave y delicada balada "Keep Coming Back", la lúgubre "Hazard", la tierna balada "Take This Heart" y "Chains Around My Heart". El disco fue mucho más variado y se le promocionó como el disco oscuro de Richard Marx, siendo su último disco verdaderamente rock, y es que en el mismo se exploran diferentes estilos musicales con canciones y letras que emergían como historias de advertencia de una forma u otra, pero ese era el encanto, empezando por la rockera y con pinceladas de blues "Playing With Fire", luego "Love Unemotional", la dedicatoria a Madonna" Superstar" en donde Marx se volvía un poco más funky para dar paso "Big Boy Now" una balada que tuvo la fuerza para llegar a ser considerado un single pero se quedó en eso.
Luego teníamos ciertos temas como "Streets Of Pain" y "I Get No Sleep" que rayaban en aquellos himnos ochenteros dignos de las arena rock, las cuales a menudo son consideradas como las joyas de este disco, aunque los temas que fueron singles para nada son malos, "Keep Coming Back", era sexy, sulfurosa y suave para disfrutarla a media luz bebiendo una copa de vino o fumando un cigarrillo, de esos temas salidos de algún lounge a altas horas de la noche, la balada "Take This Heart" era buena aunque el video en aquel diamante de Baseball era cursi y eso creo que le quito cierto merito, pero la joya de la corona es sin duda la lugubre "Hazard", una balada oscura sobre un asesinato en un pueblo mostrando una faceta misteriosa y fantasmagórica de Marx, aparte que el video era genial y me recordaba por momentos aquel mini film que lanzó Aerosmith con "Janie's Got A Gun" un par de años antes.
Quizás no tenía la fuerza que sus predecesores discos y singles, pero no tenía tampoco nada que envidiarle, el disco se ganó su propio éxito, logrando de nuevo el beneplácito de los fans que es lo que en realidad importa, al final de cuentas fue su última gran entrega pop, ya que después Marx lanzó únicamente discos en directo y un par de años después su siguiente disco no lograría los mismos réditos que este, por lo tanto este disco termina por marcar el gran legado que Marx ha dejado como músico.
Lanzado el 27 de Octubre de 1986, "Dreamtime" 9no., álbum de estudio de la banda Inglesa The Stranglers, es considerado un disco inconsistente pero con algunas joyas que recordaban el buen momento que llegó a tener la banda. El disco fue llamado así, en honor a una creencia de los aborigenes Australianos, y del mismo se lanzaron unos cuatro singles, el fino y recordado "Always The Sun", "Nice In Nice", "Big In America" y finalmente "Shakin' Like A Leaf.
El disco fue producido por Mike Kemp y la propia banda, y a menudo es considerado como un disco banda inconsistente pero con ciertos gratos momentos que hicieron del mismo un disco digerible, se podría decir que el disco es un mini álbum conceptual en donde la idea de Cornwell fue escribir acerca de una cultura antigua, un modo aborigen de pensamiento que describe el tiempo de los sueños, es decir que la vida no era más que un sueño antes que la vida misma existiera, aparte que aquí Cornwell paso de un matón desgraciado a un caballero sensitivo en todo sentido de la palabra, lo cual dejó a los fans originales con la duda, pero de todas formas lograron salir buenos temas, como "Always The Sun" que es considerada una de las finas y pulidas canciones que la banda sacó y que merecía llegar más lejos en los listados, de igual manera "You'll Always Reap What You Sow", otra gema incomprendida del disco en donde sus guitarras country les dio un nuevo horizonte a su sonido, "Dreamtime" es otro tema genial en donde destaca un xilofono y unos coros agradables.
Otros temas dentro del disco como "Was It You?", hablaba sobre la paranoia, donde se culpaba de todo a los políticos, la percusión le daba al tema un aire de duda y perdida, con "Ghost Train", se ganaba en ritmo, arropando una letra bastante surrealista acerca de fantasmas que recrean a la vida, algo igual relacionado a las creencias aborígenes, con el single "Nice In Nice" sobre cuando fueron arrestados por la policía Francesa por incitar al desorden, un tema bastante pop, "Big In America" fue el otro single que recuerdo haber visto en la MTV, y la letra hacía relación a ser grande en el país más grande del mundo en términos de riqueza y poder, con "Shakin' Like A Leaf" dotado de una fuerte voz y un grueso bajo para darle forma al tema, pese a todo no funcionó bien en los listados, "Mayan Skies" me llama la atención, ya que siendo Guatemalteco todo lo relacionado con los Mayas es motivo de orgullo, por algo Guatemala en la cuna de la cultura Maya, en el tema se habla sobre esta civilización describiendo colores y mucha psicodelia, los teclados le dan el toque al tema gracias a los teclados de Dave Greenfield.
Para terminar "Too Precious" era confusa y larga, las melodías eran raras pese a la riqueza musical que arropaba el tema y por eso es considerado uno de los puntos más flacos del disco, al final de cuentas no fue un mal esfuerzo de parte de The Stranglers, trajeron más diversidad a la escena que seguía metida dentro del punk rock de finales de los 70's, y si bien no es de sus entregas más sólidas, es una pieza digna de tener dentro de la colección de la banda.
Lanzado el 27 de Octubre de 1986 "Skylarking" fue el 8avo., disco de estudio de la banda Inglesa XTC, el cual significó un cambio positivo en el estilo musical de la banda, el disco fue producido por el Estadounidense Todd Rundgreen, más que nada por imposición de Virgin debido a las bajas ventas de sus recientes discos, por lo que idearon que con Rundgreen podrían llegar a consolidarse comercialmente hablando. La relación con Rundgreen durante las grabaciones fue difícil debido a las diferencias creativas entre la banda y el productor, pero al final de cuentas, la banda terminó reconociendo la gran labor que hizo el Estadounidense en la producción y el estilo musical de la banda que comenzaría una serie de lanzamientos que marcarían un antes y un después en la carrera del grupo, el título lo tomaron de un poema de Percy Bysshe Shelley "To A Skylark", las composiciones y los arreglos fueron muy influenciados por The Beatles, Beach Boys y The Kinks.
Del disco se lanzaron tres singles, "Grass", "The Meeting Place", "Earn Enough For Us" solo para Canadá y Australia, y luego "Dear God" que era el lado B de "Grass" pero que gracias a su éxito en el College Rock Radio, fue lanzado como single, mientras que los clips fueron para "Grass", "Dear God", "The Meeting Place" y "The man Who Sailed Around His Soul", siendo "Dear God" uno de los más exitosos logrando alta rotación en la MTV y fue nominado en los VMA's de 1987 a Mejor Dirección, Concepto e Innovación.
Hay dos etapas en la carrera de la banda, de 1977 a 1982 fue su momento post-punk considerados como inventivos, iban subiendo y entregando destacados discos, pero durante una gira en Estados Unidos, Partridge sufre un colapso nervioso y decide ya no presentarse más en directo, algo raro para un grupo, esto por un lado fue positivo ya que impulso la creatividad del grupo orientado al pop psicodelico, pero en el camino perdieron al baterista por no estar de acuerdo obviamente con esta decisión de no tocar en directo nunca más, de aquí salieron un par de discos destacables pero con bajas ventas, y de ahí el porque de la imposición de Rundgreen, entonces llega 1986 con "Skylarking", que es el punto de inflexión ya que el grupo iría por otra etapa, la cual es mi favorita en cuanto a estilo y sonido, después vendrían los geniales "Oranges And Lemons" y por supuesto "Nonsuch".
La temática del disco va en torno a los ciclos de la vida, catorce temas de fino y atemporal pop, con arreglos orquestales, una sección de metal, teclados y los usuales guitarra, bajo y batería, para emerger con un disco de pop de lo más sofisticado que los diferencio de todo, Partridge y Moulding se encargaron de las composiciones, grabando 20 temas que después se acortaron a 14 para el disco final, entre los descartes venía "Dear God", que se uso como ya dijimos, un lado B para el single "Grass", pero gustó tanto mucho más que "Grass" diría yo que al final, el descartado fue "Mermaid Smiled". Con "Dear God" se aborda el tema de cuestionarse en contra de Dios y de porque las razones del mundo para sufrir y su escasa ayuda, el tema gustó mucho y en los Estados Unidos fue motivo de polémica y un cristiano fanático amenazo con volar con una bazooka una estación de radio si seguían poniendo el tema, pero eso no impidió el éxito del mismo.
Hay que partir el estilo del disco en varias partes, hay una etapa psicodélica que se aprecia en temas como "Big Day", "The Meeting Place", o "Ear Enough For Us" en donde se acercaban mucho al estilo de The Beatles de 1967, otros temas son más finos con arreglos orquestales como "Sacrificial Bonfire", los hay sensibles como Grass", otros más melódicos y pegones como "Season Cycle", o "That's Really Super, Supergirl" que bine pudo funcionar como single, al final del recuento se puede decir que este disco fue un fino ejemplo de perfección sonora que se mantiene con el paso de los años, no deja de seducir e impresionar a pesar de los años, y por eso ha gozado de varias reediciones, y luego de corregir un error sonoro, se lanzó un LP y CD corregido con la portada original allá por el 2016.
El disco se posicionó bien y se ganó el respeto de la crítica, y esa postura a ido mejorando con los años, pese a las modas y estilos, no por algo inauguró para mi, la mejor etapa del grupo.
Hoy hace 20 años, La icónica obra de Richard Kelly, la oscura "Donnie Darko" estaba siendo estrenada de manera oficial, el filme ambientado en 1988. Nos cuenta la historia de Donnie, un chico que luego de escapar por poco de un bizarro accidente, comienza a a a tener visiones sobre un siniestro conejo gigante llamado Frank que le predice el fin del mundo, el cual será en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos durante la fiesta de Halloween. El filme llegó a tener un presupuesto de 3.8 millones de dólares y se filmó en 28 días precisamente y tuvo un elenco que iba de Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Drew Barrymore, Mary McDonnell, Katharine Ross, Patrick Swayze, Seth Rogen, Noah Wyle y Maggie Gyllenhaal.
Su estreno fue limitado, y no le fue muy bien, ya que le afectó bastante la situación del 11 de septiembre del 2001, aparte que por poco no se estrena, sin embargo, tras llevarse al mercado doméstico es cuando la cinta alcanza su estatus de culto el cual mantiene hasta nuestros días, manteniendo su misterio, ambigüedad y dualidad. Se trata de uno de los filmes más icónicos de la ciencia ficción, pero su secreto es la incertidumbre explorando la naturaleza humana, además su argumento es de los más extraños y complejos que existen, y mucho seguimos sin entender a ciencia cierta de que va la cosa.
Donnie Darko esta repleta de miesterios, secretos y nombres que con el paso de los años se ha convertido en un icóno generacional, no solo para las generaciones en donde el filme esta ambientado sino las posteriores, todas se sintieron intrigadas por la curiosa trama que nos ofrecío el film. Otro hecho palpable es de como fue que nos enteramos del filme, o como este llegó a nuestras vidas, en mi caso fue por el boca a boca, aunque sigo sin entendere gran parte de la trama. Y es que el director Richard Kelly a manera de suavizar las interpretaciones ha comentado, que el film pudo haber sido un producto de sus sueños, al que después le fue agregando elementos como la obsesión por los conejos y referencias a E.T.
Así de rara como fue el filme, igual fue la producción, un proyecto que no vislumbraba mucho y que fue rechazado y apunto de quedar engavetado, terminó volviendose una obra reverenciada, por la manera en que enfocó las cosas y por ende allí radica su valor como obra de culto, sorprendió cuando fue estrenada en Sundance el 19 de Enero del 2001, pero estuvo al borde de no ser estrenada, entonces vino Drew Barrymore quien por cierto también actua en el filme en el rol de Karen Pomeroy que terminó siendo la productora del filme y gracias a esto que pudo hacerle un lugar en el cine.
A menudo comparada con otra joya como "Mulholland Drive" de David Lynch, gracias a su complejidad e incomprensión, además de ser impredecible uniendo el miedo y lo irracional y gracias a eso que Kelly pudo reinventar el género, expadiendo el misterio lo cual se hacía más palpable con cada escena, y por eso fue que siempre estuvo rodeada de un aura de problemas. Estrenada oficialmente semanas después de los atentados a las Torres Gemelas, fue esa tragedía la que condicionó el filme, ya que tocó el tema de un accidente de avión, tras eso, fue retenida previó a su publicación internacional, les costó vender el filme y hasta rogaron para que fuera proyectada y de no ser por Christopher Nolan que el filme no hubiera figurado en los cines, gracias a todas esas polémicas que terminó fracasando en la taquilla, hasta que pudo relanzarse en DVD y gracias a eso que se convirtío en el clásico de culto que todos veneramos hoy en día.
Pero si el argumento era raro, de igual manera tenía que ser su banda sonora, como ya dijimos, ambientada en 1988, era obvio que se tenía que apostar por ciertas bandas como Joy Division, Echo & The Bunnymen, The Church, INXS, Duran Duran y Tears For Fears, más un score diseñado por Michael Andrews entregando 17 piezas originales y un cover de "Mad World" de Tears For Fears, acercando estos temas a una gran cantidad de oídos virgenes al trabajo de estos grupos para dejarnos un buen sabor de boca ahora que rememoramos los 20 años de esta obra filmica cumbre.
Blondmodel se trata de un dueto cuyo sonido raya entre indie y dream pop y este tema "Temporary Company" se acaba de estrenar, el clip no es el oficial sino del canal: I'm Cyborg But That's OK que para la ocasión decidierion musicalizar escenas del filme "Atomic Blonde" del 2017.
Desde Los Angeles viene la banda Le Pain con su fino jangle indie pop que jala influencias ochenteras pero también se nutre del sonido de las girl bands de los sesentas, para entregar un hermoso híbrido sonoro, la banda esta formada por Madeline y Olivia Black, Scott Rosenthal y Alan Everhart, que venían de otros proyectos, el nuevo single de la banda se titula "Obvious To You" y los va dejar picados con ganas de más, pero de momento hay que conformarse con este single.
Hace 35 años se dio uno de los juegos más recordados en la historia de las Series Mundiales de Baseball, si bien los sextos juegos siempre han tenido algo especial ya que con tan solo una jugada pueden cambiar el curso de las cosas y por ende de la historia, ejemplos hay muchos pero sin duda el más representativo fue aquel sexto juego sucedido un 25 de Octubre de 1986, en el ya desaparecido Shea Stadium de New York, sede de los salvajes New York Mets, el mote con el que eran conocidos por una serie de factores en donde hubo peleas, controversias y desgraciadamente abuso de drogas de parte de sus jugadores más representativos, pero pese a todo, ese equipo tenía alma y química.
Y vaya sino la hicieron valer no solo durante esa loca y salvaje Serie Mundial sino durante esa temporada, el equipo de los Mets del 86 tenía grandes figuradas, las cuales muchos de los que somo fanáticos del Baseball todavía recordamos 35 años después, nombres como Gary Carter, Keith Hernandez, Dwight Gooden, Darryl Strawberry, Mookie Wilson, Ray Knight, Jesse Orosco, Lenny Dykstra, Howard Johnson, Bob Ojeda, Tim Teufel, Kevin Mitchell, entre otros bajo el control de Davey Johnson todavía resuenan fuerte en mi mente como si fuera ayer, pues este equipo contra todo pronostico resultó ser el más ganador de juegos en la liga Nacional entre el período de 1906 a 1909, y a diferencia de aquel que ganó la serie de 1969, nadie daba por este equipo un solo quinto y al final resultaron apareciendo en las tapas de todos los diarios no solo por su mal comportamiento sino por la gran hazaña que hicieron en aquel entonces.
El equipo no era un pan de Dios, era un crisol de personalidades y cuando estas salían a flote, comenzaban los problemas, por ejemplo, el Julio 19 de 1986, cuatro miembros del equipo: Tim Teufel, Ron Darling, Rick Aguilera y Bob Ojeda fueron encarcelados en Houston tras emborracharse y querer continuar la fiesta en donde tuvieron un fuerte altercado con un oficial de policía, el 22 de Julio se dio uno de los peores altercados con los Reds de Cincinatti luego de un incidente entre Eric Davis y Ray Knight, pero también hubieron otras cosas dignas de recordar las cuales han quedado en el olvido, cuando el 29 de Agosto, lanzan el single "Gets Metsmerised" que no paso gran cosa, pero luego se vino el video para el tema "Let's Go Mets" que si tuvo cierta rotación en la MTV.
El 17 de Septiembre los Mets estaban en buena posición para ir directo a la lucha de la serie divisional, esto volvió locos a los fanáticos y literalmente invadieron el campo y arrasaron con todo, hasta las bases se robaron, vandalismo y destrucción por doquier con tal de llevarse un pedazo de historia de los Mets, y para el 15 de Octubre vencieron a los Astros de Houston en una recordada serie divisional, tras conseguir la victoria en el juego 7 cuando volaban de regreso a New York, hubo de todo en el vuelo, champagne, cerveza, se dice que Gooden vio a alguien meterse unas líneas de coca que probablemente pudo haber sido Keith Hernandez, y se dio una pelea de comida, causaron destrozos y la broma le salio cara al equipo con la línea aérea United.
El 18 de Octubre enfrentaban a un equipo mucho más sólido como los Boston Red Sox, que llevaban todas las de ganar, y así fue desde un principio, Boston ganó los primeros dos juegos en el Shea Stadium pero perdió el 3ero. y 4to., en el Fenway Park, empatando la serie, el 23 de Octubre Boston dio un golpe de autoridad ganando el 5to., juego que los acercaba a la tan ansiada Serie Mundial que no ganaban de 1918, pero entonces llegó ese sexto juego en donde sucedió lo impensable, los Boston Red Sox estaban a 1 out de ganar la Serie Mundial y con el marcador a favor de 5-3, su cerrador de lujo estaba listo con dos outs en la bolsa, entonces viene Carter con un sencillo y Mitchell conecta un imparable, con hombres en primera y tercera y luego Ray Knight conecta un hit que empuja una carrera pero nada del otro mundo, queda 1 out y estan 5-4, entonces el manager saca a Schiraldi por Bob Stanley y llega Mookie Wilson al bat.
El pitcher da un wild pitch y esto es aprovechado por Mitchell para anotar y empatar el juego, y Knight avanza a 2da., base entonces Wilson batea un simple y fácil tiro hacía primera base, nada del otro mundo pan comido para un primera base experimentado como Bill Buckner, pero sucede lo impensable cuando la pelota se le escapa entre las piernas, y entonces un jubiloso Knight corre hacia home y ganan el juego de manera agónica, algo sin duda nunca antes visto de esa manera, desgraciadamente Buckner fue culpado por eso, y no le perdonarían del todo, dos días después de ese juego, los Mets que iban perdiendo al principio lograron recuperarse para eventualmente llevarse la victoria por marcador de 8-5 para desatar la alegría de la afición y el llanto de los Red Sox.
Por esas razones es que este juego es considerado el más representativo en la historia del sexto juego en las Series Mundiales, de igual manera hay otros episodios igual de emocionantes en ese infame sexto juego, como el que se dio un año antes entre mis amados Royals y los Cardinals, aquel entre los Braves y los Twins de 1991, que decir de los Blue Jays y Phillies en 1993, o aquel sexto juego que terminó de condenar al pobre fanático, Steve Bartman, entre los Marlins y los Cubs, pero ninguno ha tenido lo que este juego del 25 de Octubre de 1986 tuvo, ya que prácticamente el muerto fue resucitado de su tumba para comerle el mandado al guardián de cementerio.
En aquel entonces, el clásico de otoño era toda una fiesta por estos lares, teníamos al mejor narrador de Baseball a mi criterio, Abdon Rodriguez Zea que le daba su toque a los partidos, prácticamente la programación de ese canal local hoy venido a menos, se interrumpía para molestia de las amas de casa pero para deleite de los amantes del baseball. Esa sería mundial además tuvo un sabor especial, hasta una cancioncita merenguera solía sonar durante esa época que duraron los partidos, pero hubieron otros hechos que hoy recuerdo, como por ejemplo la canción de una marca de gaseosa del momento, que era a cargo del Cubano, Franco, "Toda La Vida" sonaba y sonaba y en la semana que duro la Serie Mundial, aprovechando el puente por el feriado por el Día Glorioso de la Revolución del 20 de Octubre que en ese año cayo Lunes, mi padres aprovecharon para ir a visitar familiares a la costa sur, y en el trayecto recuerdo que esa canción sonaba una y otra vez, aunque lo que más me preocupaba era poder regresar a casa para continuar viendo la Serie Mundial, y al final no nos defraudo, y eso es fue sin duda lo más bonito y especial que sucedió ese Sábado 25 de Octubre de hace 35 años, que los Mets contra todo pronostico y con algo de suerte, nos regalaron uno de los partidos más increíbles que siempre estará entre mis recuerdos más queridos de ese deporte y del clásico de Otoño.
Vuelve Cannons con otra gran entrega, se trata de "Ruthless" que se desprende del "Bad Dream" y el cual según la banda es un tema dedicado a aquellos corazones pesados que necesitan de una canción para poder cantar, bailar, llorar, reir y por lo menos sentirse un poco menos solos, el tema evoca ese sentimiento retro dreamy, puro synth pop de la vieja escuela.
En el marco del 30 aniversario del lanzamiento oficial del icónico "Black Album" de Metallica, sale a la venta este hermoso libro a cargo del fotógrafo Ross Halfin, que es una épica celebración de uno de los discos más vendedores de todos los tiempos, un clásico sin duda y que ahora se lanza este libro "The Black Album, In Black & White" con clásicas y previamente sin publicar fotografías de la banda, acompañado de introducciones por el propio Ross Halfin, James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett,
Jason Newsted y Robert Trujillo.
Halfin estuvo con la banda durante las sesiones de grabación en el One on One Studio en el Norte de Hollywood, tomando miles de fotos y usando miles de rollos durante las 300 fechas que siguieron al lanzamiento del disco entre 1991 y 1993, documentando íntimamente cada show, bambalinas, ensayos, entrevistas, citas de la banda y viajes, hasta obtener un diario intimo de la banda. Halgin logró ganarse la confianza de la banda, se sentían cómodos con el, dejándose retratar de la mejor manera posible por el fotógrafo
Sin duda este libro oficial de Metallica contiene muchas imágenes hermosas e increíbles que sirven como testigo de una era que jamás volverá, un hito que Metallica no volvería a repetir, al menos no a ese nivel de creatividad quedando como testigo este libro lleno de imágenes de los miembros de la banda en ese entonces, el cual viene en impreso en plateado metalico, con un total de 223 páginas en pasta dura y viene publicado por Real Art Press.
Sobre Ross Halfin, se puede decir que es un fotógrafo icónico que ha estado con Metallica desde 1984, a viajado con la banda en cada continente y cada país que han visitado, cubriendo cada aspecto en la carrera de la banda, desde el estudio, detrás del escenario, en el camino y en casa, convirtiéndose en todo un referente no solo para Metallica sino para otras bandas.
Lanzado el 24 de Octubre de 1986 "To Hell With The Devil" fue el 3er., álbum de estudio en la Estadounidense Stryper, considerado su obra cumbre, alcanzó estatus de platino llegando a vender la impresionante cantidad de 1 millón de copias, algo nuevo para una banda de rock cristiano cuyo record se mantuvo hasta el 2001. Considerado un disco clave en el movimiento del glam metal, además de influyente no solo dentro de la música cristiana sino en el mercado secular, el grupo logro alta rotación en la MTV con sus videos y obtuvo una nominación al Grammy. Producido por la banda y Stephan Galfas, no fue algo fácil, la banda había perdido al bajista Tim Gaines cuyo reemplazao Matt Hurich nunca llegó a consolidarse teniendo que colocar a otro, Brad Cobb para grabar el disco, al final, Gaines regreso no solo para la publicidad sino para la gira de apoyo del disco.
Del disco se lanzaron tres singles, "Free" que era un single doble acompañado de "Calling On You" que curiosamente no lograron un éxito en el Billboard Hot 100, pero sus videos tuvieron alto respaldo en la MTV convirtiendose el primero, en uno de los más solicitados por espacio de 60 días, algo totalmente único para una banda cristiana fuera de sus medios de promoción normales, luego se vino "Honestly" que a la postre es el tema más famoso de la banda y este si logró entrar al Billboard Hot 100, llegando al No. 23 y en la MTV si llegó al No. 1 cimentando la popularidad de la banda, que hasta llegó abrirles a otros grupos metaleros no cristianos.
A manera de resumen, el disco comenzaba con "Abbys" una intro lúgubre a manera de preparar los oídos del oyente, ya listo nuestro oídos, se venía con toda su fuerza "To Hell With The Devil" con esas guitarras afiladas para arropar la aguda pero potente voz de su vocalista Michael Sweet, la cual nos llegó fuerte y claro, para dar paso al single "Calling On You" un poco más mélodica y pegadiza del típico estribillo que se repite para que entre en el gusto del público, y luego el otro single "Free" con potentes riffs y estribillos sólidos para conquistar la radio, sin flaquear la voz de Sweet, y no digamos el fabuloso solo de Oz Fox dejando al oyente más que complacido, el siguiente tema "Honestly" el otro single y el que llegó más lejos en los listados, la power ballad que comienza suave pero va ganando fuerza y por eso la razón del porque consolidó este tema la popularidad de la banda en todos los mercados.
Luego de los temas principales que desgraciadamente fueron colocados al principio cuando el sello debío haberlos colocado regados en el disco, comienzan el resto de los tracks, como "The Way" que sube en fuerza y revoluciones, para dar paso a dos temas de relleno como "Sing-Along Song" y Holding On", pero después suben en fuerza con "Rockin' The World" de nuevo vuelve a enganchar al oyente con su estilo melódico, luego la baladita "All Of Me" para terminar con "More Than A Man" que resulta ser un buen tema para cerrar un disco lleno de energía y fuerza que cautivó tanto al oyente cristiano como al secular. Curiosamente el disco entró en la polémica por su grotesca portada a cargo de Robert Sweet, en donde salían cuatro angeles musculosos de pelo largo usando guitarras para empujar al diablo al pozo de fuego, pero no le gusto a los fans y fue cambiada con una más simple en color negro y con el logo de la banda.
No recuerdo haber escuchado a esta banda por estos lares, hasta años después que su fama había pasado ya, pero me daba curiosidad que gente como Lars Ulrich o Sebastian Bach los mencionaran como parte de sus bandas favoritas, y en una época en donde para la misma Iglesia era un sacrilegio que hicieran esta música o que tuvieran la fama que tenía, las cosas han cambiado mucho y este disco se mantiene hasta la fecha como su legado más grande y digno, porque rompío los mercados y las barreras existentes en aquel entonces.
Yot Club lanza el video oficial del single "Alive" que viene incluído en lo que será el EP "Santolina", el tema es un homenaje a la melancolía de los viejos tiempos, es suave y cálida y el clip esta inspirado en la niñez de Kaiser en los suburbios de Missisippi, los cuales consideraba un lugar de mierda para estar pero al mismo tiempo no, fue afortunado de tener un lugar en donde los niños podian jugar en la calle e irse a explorar el bosque cercano, pero cuando creces, ganas otra perspectiva del entorno y quizás es la madurez la que te pide a gritos que salgas de allí, el EP viene en Enero.
El dueto Británico Erasure estrena el clip del track "Time (Heart Full Of Love)", que se extrae de su nueva entrega "Ne:EP" que contiene cuatro tracks previamente sin lanzar que datan de las sesiones de su último disco "The Neon", en el clip se aprecía a Andy Bell y Vince Clark aparecer como proyecciones a lo largo de varios sitios por todo el mundo mientras el tiempo por ellos,
Idles comparte la continuación del "The Beachland Ballroom Part 2" de nuevo bajo la dirección de Loose, a diferencia del primero donde se hace un close-up del frontman Joe Talbot, ahora si sale toda la banda tocando en una elegante sala y sin perder el sentimiento, y tal como decía, hay muchas bandas que van a pequeños garitos soñando con hacerlo en grandes escenarios, a ellos esta vez les dieron la oportunidad de estar en uno de estos grandes escenarios, el track se desprende de su nueva producción "Crawler".
Dave Gahan & The Soulsavers están de vuelto con otro gran track que se desprende de su más reciente producción "Imposter", ahora toca el turno de "The Dark End Of The Street" que es un cover del clásico de James Carr, se dice que el tema se suponía que iba a convertir a Carr en el próximo Otis Redding allá por 1967, y desde entonces ha sido versionado por gente tan dispar como Lee Hazelwood y Ann Magret, Dolly Parton, y Cat Power, la versión de Gahan y sus Soulsavers tiene un toque más solemne y oscuro y por ende la hace brillante, por ratos pareciera que estamos escuchando algo de Depeche Mode, el disco donde viene incluido este y otros covers más saldrá a la venta el próximo 12 de Noviembre.
Lanzado el 22 de Octubre del 2001, "We Love Life" el septimo y último disco de la banda Inglesa Pulp, fue lanzado oficialmente al mercado, el disco llegó al No. 6 en el Reino Unido por un espacio de tres semana, lo cual fue considerado una ganancia, y más si se toma en cuenta el hecho que el disco fue grabado a manera de liberación tras las tormentosas sesiones de grabación del anterior disco "This Is Hadrcore", el disco contó con la producción de Scoot Walker que terminó tomando el lugar de Chris Thomas.
La tematica y cambio sonoró del disco resultó en algo más positivo para la crítica, ya que manejo un cambio de la desilución del sonido de su entrega anterior moviendose hacía un sonido mucho más organico dandole una mayor preponderancia a lo natural, a petición de Jarvis Cocker quien venía demostrando un interés en ese aspecto ya que lo consideraba como algo peligroso, aunque consideraba justo volver a cosas más simples y básicas como lo era de hecho el entorno natural, aunque advertía que para nada era un disco con influencias hippy y lleno de flower power.
Cabe destacar que el hecho que hayan dejado de trabajar con Thomas ayudó en gran parte al sonido de este material, con Thomas traína un estilo más rigído lo cual entraba en conflicto con los intereses de la banda desmoralizando a los miembros entre ellos Candida Doyle que pensaba dejar la banda si se volvían a engavetar las grabaciones hechas para el nuevo disco, al final recapacitó y continuo aun sí no hubiera llegado a Walker, la premisa era terminar el disco, y es que había algo especial con Scott Walker a quien admiraban y lo habían conocido durante el Festival Meltdown del 2000.
El disco se iba a llamar "Pulp Love Life" el cual resulta bonito, aunque no gustó mucho ya que podría confundir un poco a la audiencia, entonces se pasaron a "Pulp" pero vinieron los ataques del 11 de Septiembre y eso influyó en muchos aspectos, por lo que decidieron adoptar eese nombre, "We Love Life" a manera de compartir ese sentimiento universal de paz y amor que se deseaba en aquel entonces. luego la portada con el título de la banda en letras mayusculas a cargo de Peter Saville.
Al momento de lanzarse, se escogieron tres singles "Sunrise/The Trees" y luego "Bad Cover Version" cuyo video era una como mofa al Band Aid y hasta salía Kurt Cobain entre los invitados como homenaje, gracias a las bellas letras menos personales de Cocker, el disco fue positivo para la crítica y audiencias, más emociona, sincero y que consolidaba el sonido de la banda que el conflictivo "This Is Hardcore", llegó a ser comparado con el célebre "Different Class", al final sería el último disco oficial de la iconica banda pilar del brit pop noventero, unos años después, Jarvis Cocker lanzaría su disco en solitario.
Lanzado el 22 de Octubre de aquel glorioso 1991, "Girlfriend" 3er., álbum de estudio en la carrera de Estadounidense Matthew Sweet, fue su entrega más exitosa ganando una buena crítica, el disco fue grabado en 1990 tras su divorcio, el cual inspiró el disco, que fue como una especie de catarsis para aliviar el dolor por la perdida de su esposa, ya que sin duda esa depresión inspiró para crear una de sus obras cumbre en su carrera.
Dentro del disco aparece la colaboración de Ricahrd Lloyd ex-Televisión y Robert Quine, dandole así al disco un toque más pop pero siempre haciendo enfasis en las guitarras ruidosas, algo que deambulaba en el power pop, tipo el tempranero Neil Young y Television, y eso lo impulso el productor Fred Maher, quien además uso un estilo más desnudo y esparcido, sin necesidad del reverb en los tracks, para darle una sensación tipo Beatles con la producción de George Martin al mismo, además hubo buena vibra haciendo que las partes de los músicos fluyeran como nunca, despertando toda esa furia y fuego adentro que buscaba una forma de salir, al final muchos quedaron fisica y emocionalmente exhaustos, además que los instrumentos y los amplificadores eran prácticamente vintage para alcanzar esa atmosféra sonora.
Del disco se lanzaron tres singles, "Divine Intervention", "Girlfriend" y "I've Been Waiting", de los cuales el clip homónimo del álbum gozó de buena rotación en la MTV y Night Tracks, y fue allí donde precisamente conocí el trabajo de Sweet, y es que el clip tenía imágenes de Sweet interpuestas con el film anime Japonés "Space Adventure Cobra: The Movie" o el Agente Cobra como se le conoció por estos lares, haciendo enfásis en el personaje femenimo de Jane Royal, para el otro single "I've Been Waiting" se usaron clips de Uruseu Yatsura en especial su personaje "Lum Invader", otro temas descatados del discos fueron "Evangeline" y "Your Sweet Voice", que tuvieron un sonido tipo vinilo y fonográfico para que el oyente tuviera la noción que era un disco añejo de los 60's también tenían sus historias en especial "Evangeline" que estaba dedicado al personaje del comic "Evangeline" desde la perspectiva de Johnny Six, "Winona" estaba dedicado a la actriz Wynona Ryder.
El disco se convirtió en un éxito de ventas y se ganó el benéplacito de la crítica, destacandoló como el más fino power pop del momento, llegando el disco al No. 100 del Billboard 200 y los singles alcanzando posiciones destacadas en los apartados del Modern Rock Tracks y Mainstream Rock, hay que destacar la excelente y elegante portada, en donde salía la actríz Tuesday Weld en una imagen de finales de los 50's al principio el disco se iba a llamar "Nothing Lasts" pero por protesta de la propia Weld se le puso "Girlfriend.
El disco fue la otra alternativa que los oyentes tuvieron frente al reinante grunge, su estilo inspirado en The Byrds, Big Star, The Beatles y bandas por el estilo le dieron un toque único de power pop aderezado con aires vintage, lo cual fue especial para el público que en la era post-Nevermind esta buscando música de corte guitarrero que fuera fuerte y a la vez vanguardista y en este disco lo encontraron.
La banda Canadiense Basement Revolver estrena el clip de su nuevo single "Tunnel Vision" se trata de un tema estridente de corte etéreo con un clip a cargo de Cottonbro en donde aparece una pareja recorriendo unos túneles y dándose algo de cariño y amor.
La banda oriunda de Brookly New York, Forever Honey presenta su nuevo single "Satellite" un tema de corte indie pop melódico que nos endulza y relaja los oídos, en el clip que ha corrido a cargo de Kat Rodriguez nos presenta a la banda vestidos de astronautas y formando parte de un despegue según el clip.
Johnny Marr comparte el audio oficial de su nuevo single "All These Days" que se desprende de su nueva producción, el EP "Fever Dreams Pt. 1" ya a la venta, muy relacionado a los temores pandemicos que todos atravesamos según comentó Marr, este nuevo tema es igual de oscuro acerca de los días que se disuelven en la nada, de nuevo explorando elementos sobre la insomnio, los sueños raros y las horas prolongadas, que fueron exacerbadas durante los encierros en los puntos altos de la pandemia y que le recordaban su niñez en Manchester a los 10 años.
La banda Canadiense TOPS esta de vuelta con nuevo single en donde buscar evocar al pasado, se trata de "Waiting" que precede al "Party Again", de corte más nostálgico de como nos hemos sentido alguna vez apelando al pasado convirtiéndose en nuestra única luz de la mano de los buenos recuerdos, la banda busca regresar a sus inicios con esta producción.
Lanzado durante el mes de Octubre de 1981 "Tom Tom Club" debut homónimo de la banda del mismo nombre que era el proyecto paralelo de los miembros de Talking Heads, el baterista Christ Frantz y la bajista Tina Weymouth, que fundaron este grupo como una serie de escape al stress que venían padeciendo con Talking Heads.
Lo que no sabían era que el proyecto terminaría gustando y entrando en el consciente colectivo y el disco llegaría a ser uno de los primeros materiales influyente para el género hip hop gracias al crisol de ideas e influencias que metieron dentro del disco, esa combinación los hizo exóticos desatando la curiosidad del público y por ende volviendo popular sin buscarlo al proyecto,
En un principio quisieron trabajar con el productor de reggae Lee, Scratch, Perry pero nunca se concreto nada por lo que usaron el concepto punk de hacerlo todo ellos mismo, usaron a un joven técnico de sonido llamado Steven Stanley, y con la ayuda de la guitarra de Adrian Belew y sus riffs comenzaron a emerger curiosas composiciones que diferían del sonido de Talking Heads, y es que la mayoría de tracks del disco resultaron en perfectos temas para ser sampleados por artistas del rap/hip hop en algunos casos logrando interesantes efectos en otros no tanto y hasta consideramos que arruinaron la canción como cuando Mariah Carey sampleo "Genius Of Love" para un horrible tema de su discografía.
Del disco se lanzaron cuatro singles, el primero Wordy Rappinghood" alcanzó el No. 1 en 17 países, y estaba basada en partes por una canción infantil Marroquí "A Ram Sam Sam" que muchos cantamos de niño en el Kinder, aquí en Guatemala una estación de radio cometió el estúpido error de llamarle el tema de las secretarias por el simple hecho de que comenzaba con una máquina de escribir y admito que por esa tonta manera de llamarlo que termine detestando la canción aunque hasta hace poco resulte enterándome que era del Tom Tom Club, el siguiente single "Genius Of Love" fue más famosa, llego al No. 31 del Billboard Hot 100 pero en los charts de R&B y Dance alcanzó posiciones de honor y el video tuvo alta rotación en la MTV y es de los más recordados del grupo, lanzaron otro "On, On, On, On", solo en Japón y su versión personal de "Under The Boardwalk".
El disco fue una sorpresa y una bocanada de aire fresco en aquel entonces, en los albores de la MTV, sin quererlo, el disco fue influyente para el hip hop, ya que muchos de sus temas tenían la vibra perfecta que ser sampleados por artistas del género y así fue como luminarias tales como 2Pac, Grandmaster Flash & The Furious Five, Coolio y LL Cool J aprovecharon temas del disco para su propio provecho, curiosamente los dos singles principales del disco sonaron muy bien en estos lares, algo extraño para la época desafortunadamente sería lo único que se llegaría a conocer del dueto ya que después las radios no le darían importancia a lo que lanzarían después en parte porque ya no fue el mismo éxito, pero vaya que en su momento nos pusieron a todos a bailar, sin querer estábamos escuchando sonidos eclécticos llenos de vibras de música alternativa pero muchos le llamaban pop.
Por más de 60 años, el MINI ha sido uno de los más queridos y reconocidos carros en el camino, desde sus humildes inicios con la British Motor Corporation en 1959, a los modernos carros impulsados por BMW de hoy en día, "The Story Of MINI", nos cuenta la historia del carro y la cultura única que se ha construido alrededor del mismo.
Explorando la evolución del diseño de MINI desde el modelo original de dos puertas, al más popular carro Británico de todos los tiempos, este libro da una mirada única al diverso rango de los MINIS disponibles hoy en día, por lo tanto, es una entrega excepcional diseñada como tributo a la marca y a la gente que ayudó a crearlo.
Sin duda alguna, el impacto que el MINI ha tenido en la cultura pop ha sido icónico también, desde la herencia de carreras bien cultivado por el legendario John Cooper, y dotado con una increíble imaginería, hasta su paso por el cine y la música, el libro viene con un gran número de imágenes y detallados comentarios, recorriendo los curiosos detalles de esta amada marca, que viene en un pequeño pero bien formado paquete.
A cargo de Ben Custard, en pasta dura y con 160 páginas, editado por Welbeck y lo pueden pedir aquí: The Story of MINI
Lanzado el 16 de Octubre de 1981 "Dare" fue el 3er., álbum de estudio de la banda Inglesa de synth pop, The Human League, en los Estados Unidos llegaría a mediados de 1982. Antes de este disco, la banda había perdido a dos miembros clave, Martyn Ware e Ian Craig Marsh que formarían Heaven 17, entonces a Philip Oakey se le ocurrío una elección para muchos suicida, ya que los reemplazo por un par de chicas bailarinas y coristas de Sheffield, eso vio un cambio en la dirección del sonido del grupo, dejando un estilo electrónico vanguardista hacía un synth pop más comerciales que probaria ser con el tiempo, influyente y definitivo del género.
Al final de cuentas la partida de sus dos miembros sirvió para esa nueva dirección más pop que tantos reditos le dio al grupo, a diferencia de sus dos primeras entregas, aparte que estrenaban un nuevo productor Martin Rushent que fue determinante en la dirección sonora del grupo, es decir, mezclaron el sonido vanguardista de "Travelogue" y "Reproduction" con el sonido frio y robotizado de Giorgio Moroder, además las dos chicas Joanee Catherall y Susan Ann Sulley le dieron cierto glamour y elegancia al grupo, pero antes que nada debieron sufrir un poco ya que la partida de Ware y Marsh fueron un golpe fuerte al grupo, necesitaban gente más experimentada y ahí es donde aparece Ian Burden, un tecladista mucho más experimentado que Oakey y Wright, el nuevo productor fue la siguiente movida pero debieron irse de los estudios por que estaban compartiendo espacio con Heaven 17 y eso no era para nada algo agradable.
Tras resolver líos de logística y otras cosas más, la banda entrega "The Sound Of The Crowd", considerado como el momento definitivo de la banda, ya que el trabajo aquí es más elaborado y los sintetizadores mucho más sólidos, por primera vez se hacía resaltar el profundo sonido de la voz barítono de Oakey apoyado por las vocales de Sulley y Catherall y que sería la marca registrada del grupo, este fue el primer single que se lanzaría del disco pero el sello presionó entonces vino la ahora icónica "Love Action (I Believe In Love)" que llegó al No. 3 en el Reino Unido, demostrando que ahora si la banda estaba en su mejor momento.
Tras el éxito del anterior tema, el sello pide que lanzar "Open Your Heart" que llegó al No. 6 probando que la banda era ya popular en el Reino Unido, entonces se dio la orden de lanzar el disco que llevaría por nombre
"Dare" y cuyo título según el vocalista lo tomaron de una publicación de
la revista Vogue de Abril de 1979, pero el disco si bien gozó del beneplácito de la crítica, fue condenado por el sindicato de músicos, que creyeron que el uso de nuevas tecnologías era una amenaza a su monopolio tradicional y anticuado, por el contrario, el sello siguió presionando para el siguiente single y escogieron "Don't You Want Me", un tema sobre celos y romance, que pese a todo no era del agrado de Oakey y era considerado el más débil del set y esa era la razón de porque estaba hasta el final de la cara B del single, lo que no sabían era que el tema se convertiría en la canción más exitosa de la banda, sería el No. 1 en el Reino Unido en 1981, y serviría de inspiración para muchos temas del género en los años por venir.
Pero para usarlo en el recién creado medio de la MTV, se decidió hacer un mejor video a cargo de Steve Barron, ya con el nuevo clip fue estrenado en el novedoso canal y esto permitió que el disco igualará los logros del Reino Unido, llegando al No. 3 de top 200 y alcanzando el No. 1 en el Billboard Hot 100, además el éxito del tema ayudo a evitar la bancarrota del sello Virgin, ya que no solo fue exitoso en ambos lados del charco sino en Australia, Japón, Francia y Alemania, también aquí en Guatemala pese a que solo se llegó a escuchar "Don't You Want Me", pero el disco también tenía un lado siniestro lo cual queda evidente en la instrumental "Get Carter", la paranoica "Darkness", y también "Seconds" considerada un lamento, cabe resultar un dato aquí, muchos hemos estados familiarizados con el trabajo del crítico Lester Bangs, quien fuera inmortalizado en el filme Almost Famous encarnado por el también fallecido actor Philip Seymour Hoffman, y es que tras un grave cuadro de gripe, el crítico fallece por una sobredosis accidental de medicamentos, por la mañana el día de su muerte, había comprado este disco y cuando muere era el que estaba escuchando.
Lanzado el 16 de Octubre de 1981 "Mask" fue el 2do., disco de la banda Inglesa de rock gótico, Bauhaus, considerado por muchos como el álbum definitivo de la banda, ya que incluyeron un amplío abanico de influencias, en particular con el uso de teclados y guitarras acústicas lo cual quedó evidente en el single "The Passion Of Lovers" así como otros curiosidades que iban de los ritmos funky adaptando hasta un saxofón en el otro single "Kick In The Eye", y los tracks "Dancing" y "In Fear Of Fear".
La banda venía de lanzar "In The Flat Field" solo que la diferencia era que a pesar que el sonido en "Mask" era más duro las canciones estaban más orientadas al pop haciéndolo más accesible al público en general, mostrando maduración en su sonido y logrando un éxito relativo ya que lograron meterse al top 40. El disco no pierde su lado oscuro típico de la banda y queda evidente en temas como "Kick In The Eye", "Hair Of The Dog, "In Fear Of The Fear", el humor negro en "Of Lillies And Remains", que no solo comparten arreglos melódicos más finos sino que también la teatralidad perdura en su obra manteniendo el toque gótico que arroparon las letras llenas de angustia y humor de parte de Peter Murphy. El single "Kick In The Eye" logro entrar al No. 29 en el US Club Play Singles, mientras que en el Reino Unido alcanzó el No. 54 mientras que "The Passion Of Lovers" fue No. 56 en el Reino Unido.
En cuanto a crítica, el disco ganó la reputación de ser mucho mejor que su disco debut, alcanzado su mejor logró sonoro hasta el momento y creando un sonido mucho más expansivo sin tener que perder su aura oscura, y que gracias a la introducción de melodías más amigables a la radio, ayudaron que el disco pudiera ser digerible y apreciado por una audiencia mucho mayor.
Un paso notable para una banda extraña, le quedaba un año más de vida con el lanzamiento de "The Sky's Gone Out" y para 1983 Bauhaus se terminaría como banda pero sus miembros probarían que tenían mucho más que ofrecer, por un lado Murphy destacando su faceta como solista y por el otro, Daniel Ash, David J y Kevin Haskins formando "Love And Rockets" que hasta lograrían una penetración mucho más fuerte con aquel tema "So Alive" de 1989.
