In Memoriam: The Pop Art Icon Pioneer "David Hockney" Dies At 88

Legendary and iconic British painter "David Hockney" made his name with sunkissed visions of California and never stopped breaking barriers, going on to become one of contemporary art’s most important figures, has died aged 88.

He made his name as a pop artist during the swinging 60s and was perhaps best known for his paintings of swimming pools that helped define the Los Angeles aesthetic. Works such as A Bigger Splash and Portrait of an Artist (Pool With Two Figures) depicted hedonistic scenes of love, lust and loss taking place below the city’s sun-soaked skies.

But Hockney’s six-decade career cannot be defined by a single era. He produced perspective-shifting portraits using photo-collage, experimented with abstract landscape painting and, in later life, investigated the possibilities of creating artworks out of emerging 3D technology.

He is survived by his long-time partner and companion Jean-Pierre Gonçalves de Lima; his great-nephew Richard, who acted as studio assistant in his last years; his brothers Philip and John; and numerous nieces, nephews, great-nieces and great-nephews, his publicist Erica Bolton said.

Born in Bradford, West Yorkshire, in 1937, Hockney was the fourth of five children in what he described as a "radical working-class family". His parents encouraged their son's early artistic promise. He studied art at Bradford College and sold his first painting – a portrait of his father – for £10 at the Yorkshire Artists Exhibition in 1957.

As a conscientious objector, he completed his two years of national service as a hospital orderly before enrolling at London’s Royal College of Art in 1959. He swiftly gained a reputation as a unique talent, albeit one with a rebellious streak. His refusal to paint a life drawing of a female model almost stopped him from graduating – pointedly, he submitted Life Drawing for a Diploma, which depicted a muscular male figure from an American physique magazine. Hockney also declined to write an essay required for the final examination, believing he should be assessed solely on his artworks. The RCA, aware of the talent it was fostering, bent its rules so it could award him the diploma.

It was the start of a career in which Hockney had no qualms about challenging conservative society. His 1961 painting We Two Boys Together Clinging, named after a Walt Whitman poem, was an early indicator of that. Works that followed, such as 1962's Cleaning Teeth, Early Evening (10pm) W11, with its phallic Colgate tubes and chains, would depict gay life with an honesty and openness that was almost completely at odds with a Britain in which homosexuality remained a criminal offence until 1967.

With his signature bleach-blond hair, round, thick-rimmed spectacles and cigarette dangling from his lip, Hockney became a figure on the 60s party circuit in London and the US. He partied with Andy Warhol, Ossie Clark and Dennis Hopper, earning himself a reputation as a playboy and a flâneur. Yet while he indulged in the pleasure-filled life of a drug-taking bohemian, he never lost sight of his strong Yorkshire work ethic. Even after a stroke in 2012, which temporarily impaired his speech, he continued working.

After moving to LA in the mid-60s, his more mature and restrained works garnered acclaim for their ability to transport deep and complex emotions on to the canvas. Man in Shower in Beverly Hills (1964) found the artist hitting his stride as he developed towards a more realist style. In November 2018, Hockney’s 1972 masterpiece, Portrait of an Artist (Pool With Two Figures), sold for $90.3m (£70.2m) at Christie’s, a world record for a living artist at the time. The work, inspired by Hockney’s breakup with his lover, enraptured critics, including the Guardian’s Jonathan Jones, who described it that same year as “a calm distillation of love and sorrow”.

While working on one of his LA paintings, Hockney took a series of reference photographs on a Polaroid camera and accidentally stumbled upon the next stage of his career: photocollage, or “joiners” as he would term them. Through assembling multiple photographs together, Hockney could explore his fascination with perspective. The portraits he created of his mother and the British art dealer John Kasmin exhibited a strong cubist influence that drew comparisons with his idol, Picasso.

In later years, Hockney experimented in many new areas including set and costume design for operas and ballets. Developing technology fascinated the artist: as his career evolved, his art made use of the photocopier, the fax machine, the printer and the iPad – the latter allowing him to create reams of digital paintings that he would excitedly email friends and acquaintances. But his technological interests always came back to one thing: "I'm really only interested in technology that is about pictures,” he told Interview magazine in 2013. “I’m interested in anything that makes a picture."

An avid smoker all his life, Hockney maintained that cigarettes had been beneficial to his mental health. Writing in the Guardian in 2007 he called the UK’s imminent smoking ban "the most grotesque piece of social engineering".

He had moved back to Yorkshire from Los Angeles in 2005, but in 2013 tragedy struck when his 23-year-old assistant Dominic Elliott was found dead at his Bridlington home. Elliott had been found to have consumed household drain cleaner after taking a range of recreational drugs including ecstasy and cocaine. A coroner ruled that Elliott had died as a result of misadventure. Hockney said that for a period he had considered giving up art altogether, as he was unable to draw in the wake of Elliott’s death.

Hockney is believed to have turned down a knighthood on several occasions and once declined an invitation to paint a portrait of the queen. His iconoclasm found its way into the 2001 book Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters, in which he challenged much established thinking regarding how the great paintings of the past may have been created. It managed to both enrage and enrapture critics and art historians.

“I don’t reflect too much,"  “I live now. It’s always now.”

Books: Georg Baselitz

From existential paintings and motifs painted upside-down to rough-hewn wooden sculptures and remixes of earlier paintings—the art of Georg Baselitz is consistently challenging. With 400+ images from 1960 to the present, this updated monograph presents the full range of his work in stunning depth and detail.

First published as a signed Collector’s Edition, now available in an unlimited edition

The paintings and sculptures of Georg Baselitz. Known for the audaciously simple but game-changing strategy of painting the motif on its head, Georg Baselitz has been a consistently challenging artist since the start of the 1960s. His work is always highly charged but surprisingly diverse, beginning with the raw, existential male figures famously removed from his first solo exhibition for indecency, and the series of "Heroes" that portrayed disabled and exposed figures in a destroyed landscape. During this development, the picture space became more and more fractured, and by the end of the decade the artist fully turned the world upside down: trees, factories, eagles, or nude self-portraits actually painted on their heads. This soon allowed him to freely paint and to engage with conceptual color schemes or off-beat themes, such as men eating oranges, Soviet propaganda paintings, or more recently so-called remixes in a reengagement with his own earlier work as a dialogue in time. Already a master of drawing, woodcut, and engraving, from 1980 on Baselitz also created rough sculptures hewn from wood with axe and chainsaw, then adding bronze to his materials in the late 2000s.

Now available in an updated unlimited edition, this book features large-format reproductions of more than 400 works in all media plus installation views and portrait shots. Texts approach the subject from different perspectives: there is a portrait of Baselitz and his dark sense of humor by long-time connoisseur Richard Shiff, an essay on the formation of his art and development as a painter by critic Jonathan Jones, on the sculptural work since his scandalous success at the Venice Biennale 1980 by art historian Eva Mongi-Vollmer, on his artistic strategies by art historian Carla Schulz-Hoffmann, a collection of literary vignettes relating to the artist’s use of myth and history by author and director Alexander Kluge, and a studio conversation with art journalist Cornelius Tittel. Statements from the artist and an illustrated biography complete this unprecedented exploration of Georg Baselitz’s work.

Title: Georg Baselitz

Edition: Multilingual (English/German/French)

Publisher: Taschen 

Hardcover, 25 x 33.4 cm, 3.45 kg,  

Pages: 616

Film: Los 100 Años De "Nosferatu"

El icónico filme de horror "Nosferatu" cumple hoy 100 años de haber sido estrenada, considerada uno de las pocas cintas mudas que ha logrado trascender hasta nuestro días por sus logros y avances que la definieron como una obra de arte. Dirigida por el Alemán F.W. Murnau es una de las obras maestras del expresionismo Alemán de la segunda década del siglo XX.

La historia dice que Murnau quiso hacer una adaptación cinematográfica de la icónica novela de Bram Stoker "Dracula", pero el estudio para el cual trabajaba no pudo hacerse con los derechos, eso no fue un impedimento para el director quien de todas formas decidió seguir con el proyecto filmando su propia versión de la novela, claro que el resultado fue similar a la historia original de Stoker, excepto por algunos detalles como el nombre de Dracula cambiado por el Conde Orlok "Nosferatu", así como algunos nombres de Jonathan Harker que pasó a ser Thomas Hutter y Lucy que se llamó Ellen. 

Sin embargo, y pese a los pequeños cambios, estos no pasaron desapercibidos por la viuda de Stoker, demandando a Prana Film la cual se fue a la quiebra, y lo peor fue que un tribunal ordenó la destrucción de todas las copias existentes, afortunadamente para todos los amantes del cine, algunas copias se habían enviado al extranjero y permanecieron escondidas en colecciones privadas. 

Y es que la cinta fue revolucionaria en todo sentido de la palabra, usó locaciones reales, pero las transformó con la cámara, las tomas son icónicas como aquella donde el vampiro acecha a las victimas en un barco haciéndolo cruel y abrumador, o la sombra del monstruo de orejas puntiagudas subiendo por las escaleras que ha sido una toma icónica hasta nuestros días y que define al género del terror, o el hecho de que la luz del sol es letal para los vampiros tiene su origen en esta cinta, además del contexto histórico en donde recae, lo que la hace trascender y colocarla como una de las más importantes del expresionismo Alemán junto a icónicos filmes como "El Gabinete Del Doctor Caligari" de Robert Wiene estrenada en 1920 y "Metrópolis" de Fritz Lang estrenada en 1927.

La cinta se estrenó en Berlín un 4 de Marzo de 1922, no fue bien recibida para variar en otros países, tal es el caso de Suecia que la tuvo prohibida hasta 1972, desgraciadamente, muchas cintas que se rescataron tuvieron cortés y además de una notable falta de calidad, pero pese a todo se logró restaurarla y presentada en el Festival de Berlín de 1984, alcanzando la categoría de obra maestra, cabe mencionar que en 1979 se hizo una adaptación de esta obra a cargo del director Alemán Werner Herzog titulada "Nosferatu: Vampiro De La Noche" con leves cambios pero igual de recomendable que la original.

In Memoriam: Ha Muerto La Gran Pintora Y Muralista "Rina Lazo"

Ha muerto a los 96 años el día de ayer, la legendaria artista, pintora y muralista "Rina Lazo", su muerte ha sido por un infarto fulminante que le ha cortado la vida, pero al menos nos deja un gran historial y legado artístico. Lazo murió al amanecer del Día de lo Todos Los Santos, y ahora sus restos descansarán junto a los de su esposo el también artista, Arturo Garcia Bustos en el Panteón Civil de Dolores, México en donde residía desde hacía ya medio siglo. Nacida en Guatemala en 1923, Lazo mostró gran afecto al arte desde niña, empezando sus años en Cobán y luego regresa a la capital para profesionalizarse. 

Fue un concurso el que sin querer terminaría por cambiarle la vida, era el año de 1946 y había logrado algo de resonancia en el medio artístico nacional, trabajando con Julio Urruela en la elaboración de los murales del Palacio Nacional de Guatemala mientras estudiaba en la Escuela Nacional, ese año se realizó un certamén de pintura y Lazo fue la ganadora, el premio era un beca para ir a estudiar a México y ese sería el inicio de todo.

En México tenía tres nombres en mente: Diego Rivera, José Clemente Orozco, y David Alfaro Siqueiros, los tuvo que memorizar porque una amiga suya le dijo que los recordara muy bien sino se iban a burlar de ella, y es que era el momento en que México estaba a la cabeza de una revolución artística en la región con el muralismo, que era un movimiento también muy ligado a la clase obrera, el recordar esos nombre hizo que pudiera estudiar en La Esmeralda, mítica escuela de arte en donde conocío a Andrés Sánchez Flores, fue precisamente este personaje que le abrío las puertas y le dejó trabajar en una de sus obras más famosas e icónicas para el arte Mexicano "Sueño De Una Tarde Dominical En La Alameda Central", y a partir de ese momento ya no hubo vuelta para atrás. 

Ahí fue donde también pudo conocer a Arturo García Bustos, quién se convertiría en su esposo, pero la historia no quedaría así, ya que también terminaría conociendo por azares del destino a Frida Kahlo, de quién se convertiría en una colaboradora habitual, y por supuesto a Diego Rivera entre otros. Entre sus obras clave estan la copia que hizo de uno de los murales del sitio arqueológico de Bonampak, trabajos para el Estadio Olimpico de la UNAM, la famosa y pólemica "Gloriosa Victoria" en Guatemala, que retrata la contra revolución llevaba a cabo por Estados Unidos en Guatemala en 1954, aunque muchos de sus trabajos han recibido una fuerte exposición en otros países más allá de México y Guatemala. 

Con su muerte termina una era mágica, ya que venía de una época de pura lucha, dejando un país en plena ebullición social, para establecerse en otro que también era un hervidero en lo político como en lo cultural, abriendole la mente y conduciendola para encontrar sus propias verdades y caminos, y a la vez ayudando a construir un movimiento que denuncío la injusticia y sus manos trabajaron y colaboraron con los talentos más importantes del arte Mexicano de la época, siendo ese su gran legado y los muros prueba atemporal de ello.

El Libro: Bauhaus Mädels, A Tribute To Pioneering Women Artists

El icónico e innovador movimiento "Bauhaus" esta cumpliendo 100 años y para celebrar tan magno aniversario, la editorial Taschen ha decidido lanzar un libro para rendirle homenaje a sus miembros más infravalorados y ovlidados, se trata del libro "Bauhaus Mädels. A Tribute To Pioneering Women Artists" enfocandose en un grupo especial de mujeres única en su clase que decidieron formar parte de esta institución, ya que les daba la oportunidad de mejorar su educación al mismo tiempo que ellas confrontaban a sus familias, la ambigua actitud de la facultad y administración, conveciones sociales y por último, la represión politíca del régimen Nazi. 

Los orígenes del Bauhaus se remontan a 1919 tras la derrota Alemana en la Primera Guerra Mundial y el surgimiento de la República de Weimar, en plena reconstrucción y desarrolló de un nuevo régimen político, comienzan a surgir nuevos movimientos artísticos que buscan reconciliar todas las artes y artesanías en una nueva arquitectura, al menos eso era lo que planteaba Walter Gropius el fundador oficial de la Bauhaus cuyo significado al Castellano es "Casa De la Construcción".

Bajó la unión de dos escuelas artísticas de Weimar "La Superior de Artes Plásticas" y "Artes y Oficios", enarbolando el concepto del arquitecto Estadounidense Sullivan, en donde la forma sigue a la función adoptando entonces el funcionalismo como eje, desarrollando un estilo que une la estética con la utilidad, diseño y función con las ventajas de la mecanización industrial. Por ese motivo, la Bauhaus atrajó a muchos artistas y llegó a influir en el estilo de muchos países, aunque la sociedad no lo aprecío en su momento, ya que lo consideraron de todo menos arte. Por otro lado, el movimiento hizo destacar a muchos de sus representantes masculinos como Kandinsky, Paul Klee, Walter Kropius, ó Lyonel Feininger entre otros, dejando en el olvido a muchas mujeres que fueron parte fundamental del movimiento.

las mujeres tuvieron que luchar para meterse a la escuela y tener los mismos derechos que su contraparte masculina, hay que reconocerle eso a Lilly Reich colaboradora muy cercana a Mies Van der Rohe durante más de una década, sin ella no hubiera podido surgir la fuerza femenina en el movimiento bajo el nombre de "Chicas de la Bauhaus", con una admiración hacia las mujeres jóvenes y valientes que cambiaron el rol de género para dedicarse a otro diferente y creativo, como por ejemplo Marianne Brandt, que fue la primera mujer admitida en el programa de la Bauhaus, Gertrund Arndt, tremenda fotógrada y diseñadora de alfombras, Lucia Moholy que llegó a capturar emblemáticas tomas de los edificios de la Bauhaus, y que lucho hasta el fin por recuperar sus negativos que nunca le fueron devueltos.

Con un total de 87 artistas y artesanas, el libro resalta el trabajo de estas brillantes mujeres a tráves de textos y retratos, muchos de ellos publicados por primera vez, localizados por medio de archivos que reviven en gran manera biografías para dar a conocer mejor sus talentos. Este libro no solo es un homenaje sino un recordatorio para esas mujeres artistas cuyos nombres, casi olvidados, emergen como tempraneras pioneras en la lucha por la igualdad, negandose a seguir lo establecido por sus familias y la sociedad. 

Un total de 400 retratos tomados entre 1919 y 1933, junto a una serie de datos biográficos gracias al esfuerzo de Patrick Rössler, profesor de Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Erfurt, gran curador de varias exhibiciones de la Bauahus y que ahora aprovechando el aniversario del movimiento decide publicar este libro. 

Pública: Taschen
Pasta dura con 480 páginas. 

De Iconos: A 30 Años De La Muerte De Dalí

Icono del surrealismo y de la cultura pop, Salvador Dalí fallecía hace 30 años dejando un legado invaluable para el arte. Un provocador en todo sentido de la palabra, fue uno de los artistas más versatiles y prolíficos del siglo pasado además de ser considerado el santo patrono del "surrealismo".

Pero su carrera no se limitó solo al arte, Dalí también hizo cine, escultura, moda, publicidad, narrativa, y hasta perfumería entre tantas cosas, ayudando a engradecer su figura y prologando su huella y legado que todavía 30 años después de su muerte sigue siendo tan visible como en su mejores días. Nacío un 11 de mayo en la localidad de Figueres, Catalunya en 1904 y crecío practicamente con el siglo y pudo ver en primera mano todos esos cambios y adelantos fascinantes que fueron moldeando su manera de pensar. 

Ya a los 24 años era todo un artista, inspirado principalmente por su héroe Picasso, por aquel entonces ya comenzaba a utilizar los conceptos surrealistas que marcaría su obra, aunque no creó el movimiento como erroneamente se suele pensar, sino que se sirvió del mismo gracias a que el propio Dalí se metío de lleno a la teoría del automatismo de Breton, creador original del movimiento aunque este optó por su propio estilo y sistema al cual llamó "crítico paranoico" en donde simulaba la locura mientras se mantiene la cordura, y que el mismo definio como "conocimiento irracional" y que muchos lo aplicaron a varios artistas que militaban en el genero. 

Con Luis Buñuel crearon el filme "Un Chien Andalou" sin argumento alguno en donde alteraban la realidad tocando el inconsciente y que terminó por abrirle las puertas al circulo surrealista parisino, y de ahí comienza el éxito absoluto muy de la mano de la locura, alimentada por una serie de fobias que lo atormentaban como miedo al fuego, a los saltamontes, al contacto humano y físico, a los telefonos, aversión al sexo a pesar de tener como esposa a una mujer como Gala que tenía fama de ser una devoradora sexual. Pero también era un granuja y era capaz de vender cualquier cosa por dinero, entregando a su propio amigo Luis Buñuel al dictador Franco por dinero, lo que obligó al director a emigrar a México, y mucho de esta descarada monetización tuvo que ver por la influencia de Gala, que llegó a convertirse en su asesora comercial por decirlo así. 

En 1948 fue expulsado del surrealismo por el propio Bretón, ya que se manifesto en contra de la postura revolucionaria de Lenin, además de declarar surrealista a Hitler, y de paso por ser también materialista, sin embargo eso no fue obstaculo alguno para que Dalí continuará con el éxito a su lado, viajó incluso a Estados Unidos para trabajar con Walt Disney ya que este lo admiraba mucho, de ahí es donde viene una de las caricaturas más curiosas y fascinantes que haya creado y que Disney haya producido, si me refiero a "Fantasia" pero que no nunca fue explotada como tal, ya que el propio Disney pensó que a Dalí se le pasó la mano y creo algo inapropiado para los niños. 

Sin duda alguno, fueron los diferentes puntos de vista que enriquecieron la obra de Dalí, muy normal pero excéntrico a la vez, siempre le gustaba sorprender y estar rodeado de personas, nunca faltaban las fiestas y reuniones en su casa, a la que no faltaban la más curiosas y variopintas personalidades desde políticos, travestis, estrellas de rock, lo que fuera, incluso Alice Cooper el rockero Estadounidense participó en su obra en los años 70's, pero si había algo admirable también de Dalí, era que siempre quería estar al tanto de lo nuevo, tenía esa apetito voraz de saber que estaba de moda y quienes eran los nuevos artistas, y es que Dalí no quería envejecer sino estar siempre a la vanguardía.

Un 23 de Enero de 1989 fallecía a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras a los 84 años, mientras escuchaba su disco favorito "Tristán e Isolda" de Richard Wagner, moría entonces el hombre pero nacía la eterna leyenda logrando de esta manera lo que siempre quisó, inmortalizar su figura por medio de su obra tan eterna como surrealista.

Rocktrospectiva: Se Cumplen 30 Años De La Muerte De Andy Warhol

Un día como del mes de febrero pero hace 30 años se nos iba el mítico Andy Warhol, tan sólo tenía 58 años y todavía mucho que dar al mundo del arte, uno de los artistas más modernos, radicales, sugestivos y vanguardista del mundo contemporaneo se iba inesperadamente de este mundo un 22 de febrero de 1987.

El padre del pop-art, de la Velvet Underground, descubridor de talentos, jugo con la ambiguedad y el underground de la epoca causando polémica, una figura de culto, cineasta, fotografó, pintor, sufrío un atentado de parte de Valeri Solanas en 1968, creo la legendaria Factory, la revista Interview, impulso la carrera de Jean Michel Basquiat y un sin número de cosas, terminó muriendo víctima de una arritmia postoperatoria. 

A pesar de eso, su trabajo y obras aún permanecen en la mente de todos, pasando por la legendaria creación de las latas de sopa de tomate Cambell's que consta de 32 lienzos que era la cantidad de por aquel entonces comercializaba la marca, además de las obras de Marilyn Monroe que incluían también autorretatos de su persona, Elvis Presley y por supuesto del líder comunistas Mao Tse Tsung.  

También la botella de Coca Cola que era un ataque contra el consumismo pero que por ironías de la vida acabo vendiendo en 57,2 millones de dólares la más cara de sus obras. Por tal motivo los museos de todo el mundo han decidido hacerle un gran homenaje a esa figura legendaría del arte, exhibiendo sus mejores obras, además de los libros que celebran sus 58 años de vida visual, un icono del Pop Arte que ayudo a trazar el sendero a seguir en el futuro, sin duda adelantado a su epoca, de la misma manera se analiza la influencia que dejó al arte, el valor real de The Factory y nuevas retrospectivas.

Nacido en 1928 en la ciudad de Pittsburgh, Andrew Warhola venía de una familia de clase obrera de origen eslovaco, desde muy niño destaco en el arte, lo cual le ayudo en su epoca de convalescencia, tenía una frágil salud, se llegó a graduar de Bellas Artes en su ciudad natal en 1949, y de ahí se traslado a New York para darle impulso a su gran carrera. Empezó diseñando portadas de discos para la RCA Records y luego salto a los retratos, de esos primeros 60's datan sus obras de Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brandon, o Mohammed Ali.

Su estudio Factory reunía lo mejor del arte: músicos, artistas, actores y celebridades de la cultura alternativa, su tentativa de asesinato en 1968 provocó el declive del mismo ya que la seguridad se incremento. A pesar de ser acusado de ser un artista facilón, sus conexiones con gente como Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Brigitte Bardot, le permitieron seguir de la mejor manera, pero ya para los años 80's su imagen mejoró drasticamente gracias a su asociación de artistas como Jean Michel Basquiat, o Enzo Cucchi, incluso hasta aparecío en el video de una banda llamada The Curiosity Killed The Cat.

Su inesperada muerte retumbo en todo el mundo, por aquel entonces Warhol tuvo algunos problemas de salud que ameritaron su hospitalización para ser tratado de una operación rutinaria de vesícula biliar, se decía que era algo facíl pero termino muriendo de un ataque al corazón durante la operación, algo que 30 años después aún ronda el misterio, ya que esa versión ha sido cuestionada por algunos medicos, en realidad se trataba de una operación seria en una persona gravemente enferma. 

Recordemos que Warhol le tenía mucho miedo a los hospitales debido a sus frecuentes visitas durante su niñez, esto le llevo a descuidar su salud la cual acabo con su vida a las 6:30 de la mañana del 22 de febrero de 1987, el informe oficial decía que durante un sueño mientras se recuperaba de la opración fallecío a causo de una arritimia post-operatoria repentina.

Fue velado en cuerpo presente en Pittsburgh, en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, con su traje de cachemira negro, y sus clásicos lentes de sol, más un breviario y una flor en sus manos, muriendo así la persona pero naciendo la leyenda que hoy 30 años después recordamos.

La Noticia: Colección De Arte De Bowie Sale De Gira Antes De Ser Subastada

David Bowie

David Bowie, fallecido a principios de este año por un cancér mortal, dejó tras de si muchos objetos y canciones de incalculable valor, su disco "Blackstar" se erigió como el regalo postumo a todos su fans y ahora se conoce la noticia que tiene que ver con su ecléctica colección de arte.

Sin duda un polifacético en todo sentido de la palabra, Bowie amasó una peculiar colección de arte que van desde objetos peculiares pasando por pinturas y muebles de diseñadores que tienen que ver con el arte pop, moderno y contemporaneo, la sorpresa de todo esto es que, cerca de 300 piezas de su colección privada saldrá de gira en algunas ciudades para que la gente pueda conocer un poco más sobre el gusto de Bowie, antes que sean subastadas. 

Entre las piezas destacan trabajos de artistas como Jean-Michel Basquiat, Frank Auerbach, Stanley Spencer, además de muebles de diseñadores como Ettore Sottsass y Memphis Group. Las obras se expondrán en Londres del 20 de julio al 9 de agosto, Los Angeles del 20 al 21 de septiembre, New York del 26 al 29 de septiembre y finalmente Hong Kong del 12 al 15 de octubre, para luego volver a Lobdres para una exposición final del 1 al 10 de noviembre donde se subastarán esperando recaudar unos 13 millones de dólares. 

Abajo una pequeña muestra de los objetos que se subastarán y que forman parte de la colección del legendario David Bowie: 

In Memoriam: Fallece Ultra Violet La Diva De Andy Warhol

Isabelle Collin Dufresne, actriz y artista mejor conocida bajo seudónimo de Ultra Violet murío la mañana del sabado en un hospital de Manhattan. Ultra Violet tenía 78 años y vivía entre Niza y Manhattan, la muerto fue confirmada por William Butler un amigo de la amiga y luego la prima de la artista dijó que la causa había sido de cancér.

La curiosa artista tuvo un encuentro cercano con la muerte en 1973, ella culpó sus hábitos y excesos de una decada antes, algunos años después condenó el uso de las drogas, las orgías de sexo y el egocentrismo imperando en The Factory, por lo que arrepentida terminó volviendose miembro de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, igual siguio trabajando como artista hasta su muerte, hace unas tres semanas la galería Dillon en Chelsea NY, exhibio "Ultra Violet: The Studio Recreated" que seleccionó una serie de sus pinturas, esculturas, impresiones, películas y trabajos de neon.

Mucho de sus últimos trabajos tuvo que ver con sus impresiones del 11-S utilizando números romanos como IX y el XI en forma de palíndromo, y con la iconografía de Mickey Mouse, quien a menudo lo describia usando alas de angel. La relación con Warhol se debio a un intercambio en el St. Regis Hotel cuando la artista tomaba el té con Salvador Dalí, quien fue su amante y tempranero menor, fue 1964 cuando Warhol tomó interés en su trabajó y por ende de quererla usar en sus películas. Su debut fue en 1965 bajó su verdadero nombre en "The Life Of Juanita Castro", una comedía improvisada en blanco y negro, fue en 1967 cuando actuó en "I, a Man" junto a Valerie Solanas que tomó el nombre de Ultra Violet, usando cabellos y pintalabios morados y sombras en fuertes tono morados, que la hacían verla hermosa que juntó al acentó francés hacían de ella la bomba.

Nacida en 1935, en la Tronche, Francia cerca de Grenoble, Isabelle Collin Dufresne venía de una familia de clase medía alta, siempre dijo que tenía tendencias rebeldes de adolescente, fue enviada a un reformatorio en Grenoble donde estudio arte, pero pronto fue despachada a Nueva York con el fin de que el nuevo ambiente pudiera domarla, Como Ultra Violet apareció en 17 filmes sin contar los documentales, haciendola una regular en The Factory, aún en aquellos filmes en donde no participó, siempre estuvo en plenó contacto con la contracultura, drogas y demas vainas propias del ambiente.

Pero no solo en filmes de Warhol estuvo, la actriz tuvo apariciones en "Midnight Cowboy" en la escena de la fiesta junto a Viva, Mr. Paul Morrissey e International Velvet, también en "Taking Off" de Milos Forman, la mujer morbosa en "An Unmarried Woman", y finalmente en "Blakcout" de Paulita Sedgwick como la prima de Edie Sedgwick la rica heredera y actriz torturada de The Factory que murio en 1971.

Nunca se casó y le sobreviven dos hermanas, Catherine Cara y Edwige Merceron-Vicat, y siempre mantuvo a pesar de los pesares, un aura de excentricidad cautivante, manteniendo un tono agudo y mordaz hacía los junto a su colegá de The Factory y amigo Taylor Mead, fueron confrontados por un joven impertinente que no tenía idea clara de quienes eran, preguntandoles de una manera brusca e indiferente: "El trabajo de que artista les gusta" y "Porque estan ustedes aquí", a lo que respondío tajantemente con "Me gusta mi propio trabajo" como si estuvieran en 1965 y finalmente dijó "Estamos aquí, porque somos mundialmente famosos".