Discos: Nonetheless

 

Lanzado el 26 de Abril del 2024, "Nonetheles" es el 15avo., álbum de estudio en la ya legendaria y exitosa carrera de uno de los duetos más exitoso del pop "Pet Shop Boys, quienes siguen más vivos y vigentes que nunca tras una carrera que comenzó hace 40 años, a diferencia de otras estrellas, estos dos si que saben como mantenerse vigentes, reinventándose a cada rato para hacernos la idea de que su cada disco que lanzan es el mejor de su presente como si fueran un acto recién salido al mercado, del disco se van lanzado dos singles geniales "Loneliness" y "Dancing Star" y este es tan solo el comienzo.

 

Uno de los discos más esperados del momento, para enriquecer esa larga, brillante e histórica trayectoria como pilares del synth pop y el estilo bailable, de nuevo con un set que nos entrega frescura, modernidad, dinamismo y fuerza de dos artistas que siguen obsesionados por entregarnos lo mejor de sí, el primer corte "Loneliness" es muestra palpable del mismo no pierden el estilo, al contrario regresan más fuertes y convincentes que nunca manteniendo esa longevidad pop muy rara, y sin perder el éxito y el feeling tras cuatro décadas, con "Dancing Star" reafirmar eso, la misma ecuación aunque usando sonidos de antaño, aires a hip hop ochentero para reafirmar el homenaje al bailarín Rudolf Nureyev. 

 

Pero el disco es más que eso, tiene otros cortes igual de brillantes, "Why Am I Dancing?", es un claro ejemplo del mismo, marca y sonido ya conocidos pero que gracias a la producción de James Ford, los impulsa a ese sonido atemporal definitivo, destacamos las fanfarreas del mismo, muy ad-hoc a los PSB, y que decir de la moderna y fresca "New London Boy" donde Tennant se atreve como en "West End Girls" con un rap muy a su estilo y porque no, inesperado pero fresco y genial a la vez para narra una diferente realidad cosmopolita, la curiosa pero agradable "The Schalger Hit Parade" también se vuelve imprescindible, "The Secret Of Happiness" nos devuelve la teatralidad, una cualidad omnipresente en la carrera de la banda. 

 

Hay otros temas directos como "Bullet For Narcissus" muy directos entre beats, riffs de guitarra funk y arreglos de cuerda que los vuelven únicos sin sonar desfasados, pero hay otros temas básicos como "Feel", "A New Bohemia" y el tema fabuloso para cerrar un disco increíble como "Love Is The Law" y darnos la alegría redonda a todos. 

 

Después de 40 años, el dueto sigue más vigente y activo que nunca, hay Pet Shop Boys para rato primero Dios, con un nuevo disco, más fuerte e intenso como testamento a su longevidad así como a su habilidad para mantenerse fiel a su estilo y sonido, una colección de tracks bien producidos gracias al formidable trabajo de John Ford, en donde se encuentra el perfecto balance sonoro, ya que en ningún momento el disco palidece, una maravillosa producción llena de formidables efectos y arreglos para complementar las vocales de Tennant y el trabajo de Lowe, y este es tan solo el inicio, cuarenta años no son nada. 

 

Nonetheless Track List:

 

1. Loneliness

2. Feel

3. Why Am I Dancing?

4. New London Boy

5. Dancing Star

6. A New Bohemia

7. The Schlager Hit Parade 

8. The Secret Of Happiness

9. Bullet For Narcissus

10. Love Is The Law

Rocktrospectiva: El Furioso Y Adolorido "Throwing Copper" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 26 de Abril de 1994 "Throwing Copper" fue el 3er., álbum de estudio de la banda Estadounidense Live, bajo la producción de Jerry Harrison, es considerado el disco más cohesivo y convincente de la banda llegando a ser exitoso y uno de los más famosos de la era alternativa de los 90's., tan solo en los Estados Unidos vendió 8 millones de copias y los colocó en la primera línea de las bandas más famosas del momento, del disco se lanzaron cinco singles "Selling The Drama", "I Alone", "Lightning Crashes", "All Over You", & "White, Discussion". 

 

La banda venía de lanzar el aceptable "Mental Jewelry",  y esto hizo que se ganaran cierta aceptación y atención, por lo que la presión comenzó para el próximo disco, usaron al mismo productor para darle forma al nuevo disco, por ese entonces Ed Kowalczyk tenía canciones de casi 8 minutos y entonces Jerry Harrison ayudó a recortarlas para hacerlas más aceptables al formato, lo cual ayudo mucho al disco. 

 

El disco sin duda capturó la furia y el dolor del momento, impulsados por la creatividad que tenía, este disco demostró alcanzar nuevas alturas, más desafiante con poder y estilo propio, mostrando que la banda ahora si era capas de masterizar el material de formas más complejas y diversas, abarcando los temas del momento, con asunto políticos como en "White, Discussion", la saborizada "TBD", y el tema de seis minutos que tenía aires de Soundgarden "The Dam At Other Creek", pero también había temas amigables a la radio como "Selling The Drama" con aires a R.E.M., y la balada "Lightning Crashes", que sería el tema icóno de la banda y que los llevó al No. 12 del top 100 siendo su más grande hit, y que decir de la potente y alternativa "I Alone" que sigue sonando tan fresca como hace 30 años. 

 

La portada es una pintura del Escocés Peter Howson "Sisters Of Mercy" y que en el 2005 fue vendida por $186,000.00, el disco hasta nuestros días, sigue siendo considerado la entrega más convincente de la banda, llena de épicos momentos, un sólido golpe de principio a fin, muy desafiante y recomendable, dinámico y pegajoso y la vocalización de Kowalczyk era fuerte y con estilo, además que las letras daban en el punto para capturar la esencia de la época. 

 

Throwing Copper Track List:

 

1. The Dam At Otter Creek

2. Selling The Drama

3. I Alone

4. Iris

5. Lightning Crashes

6. Top

7. All Over You

8. Shit Towne

9. TBD

10. Stage

11. Waitress

12. Pillar Of Davidson

13. White, Discussion

14. Horse

Rocktrospectiva: El Exitoso Y Recordado "Repeat Offender" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 26 de Abril de 1989 "Repeat Offender" fue el 2do., álbum de estudio en la exitosa carrera del Estadounidense Richard Marx que continuo hasta el lanzamiento de "Rush Street" en 1991. El disco llegó a vender cinco millones de copias solo en los Estados Unidos y alrededor del mundo parece que fue mucho más, tuvo cinco singles incluyendo dos No. 1., "Satisfied" y "Right Here Waiting" mientras que "Angelia" fue No. 4, mientras que los otros dos singles "Too Late To Say Goodbye" y "Children Of The Night" alcanzaron el top 20.

Tras una larga gira de 14 meses durante 1987, Marx regresó con un montón de canciones y se metió de lleno con la producción con músicos conocidos del área de Los Ángeles, dándole ese saborcito pop de finales de los 80's., como resultado de la energía generada de andar de gira durante un año y medio, cosa que para nada fue fácil, ya que el propio Marx comentó en su momento que tuvo que esforzarse mucho más, ya que tenía el doble que probar a las audiencias.

El primer single "Satisfied" alcanzó el No. 1., luego se vino "Right Here Waiting" también directo al No. 1., ya para ese momento tenía en su haber tres No. 1, y finalmente con "Angelia" llegó al No. 4., alcanzando un récord, por que fue el primer artista en conseguir que sus primeros siete singles llegaran al top 5., pero sin duda la joya era "Right Here Waiting", una balada suave que arraso por doquier y fue un hit mundial, esto fue fundamental porque ayudo a impulsar la gira del Repeat Offender tour de ese año, por supuesto que los clips de los mismos tuvieron alta rotación en la MTV., no digamos la melancólica "Angelia" cuyo video acerca de los recuerdos dejados tras la perdida de la amada en Marx tenían cierto aire a corto-metraje., mientras que los otros dos temas no llegaron al top 5 pero gozaron de éxito, "Children Of The Night" incluso fue hecho para apoyar organizaciones de los niños que huían de sus hogares.

Marx estaba en su momento y sacando lo mejor de sí, el disco vendía muy bien y tenía demanda radial y en la MTV, como parte de auge y su música aparecía por doquier, en Guatemala curiosamente, "Right Here, Waiting" fue usada como parte de una campaña publicitaria de unos cigarrillos y eso ayudó a que el tema fuera mucho más popular a finales de 1989, sin duda, uno de los mejores discos en la carrera de Marx, bien balanceado, con un buen pop rock que tenía de todo para todos los gustos.

Repeat Offender Track List:

1. Nothin' You Can Do About It

2. Satisfied

3. Angelia

4. Too Late To Say Goodbye

5. Right Here Waiting

6. Heart On The Line

7. Real World

8. If You Don't Want My Love

9. That Was Lulu

10. Wild Life

11. Wait For The Sunrise

12. Children Of The Night

Placeres Sonoros: Good Luck, Babe!

          

La Estadounidense Chappell Roan, la última sensación del pop nos entrega este movido y curioso single "Good Luck, Babe!" con ciertos tintes dance ochenteros, un tema que trata sobre lesbianas de closet en negación constante y por eso su forma de actuar en público buscando demostrar lo contrario, el clip o las gráficas han corrido a cargo de la propia Chappell Roan.

Primicia: Liberty Print

            

Camera Obscura presenta el audio oficial acompañado de un clip con imágenes de la banda a lo largo de su carrera "Liberty Print" un hermoso melódico tema que nos lleva del vuelta al pasado a un tiempo en el mundo que ya no existe más, lleno de alegrías y diversiones, memorias y tristezas que la banda ha tenido en el camino, un testimonio visual y muy vivido con imágenes de Carey ya fallecida aunque se dice que el tema también lleva el guiño al hermano de TraceyAnne quien falleció a los 34 años, el tema se extrae del álbum "Look To The East, Look To The West" a lanzarse el próximo 3 de Mayo.

Rocktrospectiva: El Icónico E Influyente "Parklife" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 25 de Abril de 1994, "Parklife" fue el 3er., álbum de estudio de la banda Británica Blur, considerado uno de los discos clave del britpop, ayudando a expandir el género, del disco se lanzaron cinco singles "Girls & Boys", "To The End", "Parklife", "End Of A Century" y finalmente "Tracy Jacks". 

El disco ayudo a olvidar el descalabró financiero sufrido con su disco anterior "Modern Life Is Rubbish", estableciéndolos como la otra fuerza junto a Oasis a inicios de los 90's. Pero previo a eso, la banda estaba en plena crisis, si bien su disco anterior ganó el beneplácito de la crítica, este fue un desastre comercial. Los orígenes del disco se podrían hallar en 1990 un año después del debut de la banda cuando Albarn dijo a la prensa que cuando llegaran a lanzar su 3er., disco, su lugar como la banda Inglesa más influyente de los 90's va a estar asegurado, fuere cierto o no, la cosa es que Albarn se metió de lleno a escribir una serie de canciones de manera prolífica, y clasificándolas de manera que las mejores fueran las que se llegaran a grabar como prioridad debido a su crítica situación financiera en aquel entonces, por lo que de la mano de Stephen Street fueron a grabar su 3er., disco en el mes de agosto de 1993, lograndolo terminar en un tiempo record. Se dice que la banda quedó complacida con el resultado, pero el dueño de Food Record, David Balfe lo detestó y les dijo que no servía, de todas formas poco le importaba ya, debido a que luego terminaría vendiendo su sello Food Records a la EMI.

 

Sin duda Balfe estaba equivocado, ya que nunca llegó a imaginar el éxito que estaba a punto de explotar en el Reino Unido, la banda sin buscarlo tanto terminaron volviéndose en la quintaesencia del britpop por sus letras, la influencia de The Kinks, junto al vandalismo que proliferaba a inicios de los 90's en el Reino Unido, el disco estaba ligado a una serie de historias muy Británicas, tenía la influencia de la novela "London Fields" de Martin Amis, e incluso Noel Gallagher decía que el disco era la Inglaterra sureña personificada, además de la mezcla de sonidos variados que se enfocaban en la melancolía como "End Of A Century", la synth pop "Girls And Boys", la instrumental "The Debt", cruda y punketa "Bank Holiday", el concepto a lo Syd Barrett en "Far Out", el new wave en "Trouble In The Message Centre", la movida "Parklife" entre otra. 

 

Ya con la parafernalia muy inglesa, faltaba la portada la cual debía ser igual de Inglesa, siendo esta adornada por dos galgos en plena competencia y que obedecía a la costumbre Británica de ir a las carreras de este tipo de perros, tan así les funcionó que la portada fue elegida en el 2010 para un conjunto de estampas del correo real que hacía referencia a portadas de álbumes clásicos. 

El disco llegó al No. 1 en el Reino Unido y permaneció en el chart durante 90 semanas, en Estados Unidos fue 6to., en el Billboard Top Heatseekers, pero no fue tan famoso como se esperaba, aunque "Girls & Boys" si gustó mucho, y su video en la MTV recibió algo de atención en ciertos programas. Sin duda el buen desempeño de sus cuatro singles "Girls & Boys", "Parklife", "End Of The Century" y "To The End" ayudo a su éxito comercial, aunque fueron más singles los lanzados como "This Is A Low" y "Tracy Jacks" solo para los Estados Unidos los que dejaron algo en ese país. 

 

Al final ganaron cuatro Brit Awards, fueron nominados al Mercury, quedando como el trabajo más coherente y pulido de la banda deambulando en el pasado pero con aires de modernidad, y de paso sería el inició de la disputa con Oasis por ser la mejor banda britpop de la época, pero eso es otra historia, aquí lo que importaba era el estilo musical y fue la contribución principal que la banda dejó para la posteridad.

Parklife Track List:

1. Girls & Boys

2. Tracy Jacks

3. End Of A Century

4. Parklife

5. Bank Holiday

6. Badhead

7. The Debt Collector

8. Far Out

9. To The End

10. London Loves

11. Trouble In The Message Centre

12. Clover Over Dover

13. Magic America

14. Jubilee

15. This Is A Low

16. Lot 105

Rocktrospectiva: El Dinámico Y Exitoso "Blast" Cumple 35 Años

Lanzado el 24 de Abril de 1989 "Blast" fue el álbum debut del Británico Holly Johnson, ex vocalista de Frankie Goes To Hollywood, curiosamente el disco llegó al No. 1 en el Reino Unido, además de haber lanzado cuatro singles que tuvieron su éxito como "Love Train", "Americanos", "Atomic City" y "Heaven's Here".  

El disco abría con "Atomic City", era el único track que no fue escrito solo por Holly Johnson sino que también se unió Dan Hartman, un tema lleno de sintetizadores y voces llenas de eco que le daban cierta reminiscencia a su época con Frankie en temas como "Relax" y "Two Tribes", pese a que el coro no era tan pegajoso, el tema tenía una letra curiosa que le daba su toca, "Heaven's Here" era más un tipo suave pop, con sintetizadores y ritmos perfectamente alineados y apoyados por las vocales suaves de Holly, esto ayuda a su desempeño, y con cierto aires a Pet Shop Boys o New Order gracias a la producción de Stephen Hague, "Americanos" era otra cosa, mi tema favorito del mismo con un sonido fresco y vibrante al mismo tiempo, con ciertos aires a los 50's y 60's pero con un sonido modernizado en donde hay un perfecto balance entre vocales y música y una brillante producción que le favoreció en su momento, "Deep In Love" seguía un poco el sonido de la misma aunque tenía aires a un tempranero sonido de Pet Shop Boys, con una vocales más profundas y una fuerte línea de bajo, además de vientos y cuerdas. "S.U.C.C.E.S.S." una reminiscencia a Frankie Goes To Hollywood, con unas vocales fuertes y directas llenos de buen pop rock con sintetizadores y samples para sonar muy pegajosa. 

 

Llegábamos a la mitad del mismo con "Love Train" que era una buena pieza de pop aunque no muy de mi agrado quizás por el video, el sonido es pegajoso y lleno de espacio mucha pop guitar gracias a Neil Taylor, guitarrista de sesión y que por momentos recordaba a Living In A Box, "Got It Made" fue como una explosión de sintetizadores y guitarras, le dio personalidad al track, "Love Will Come" es mucho más lento casi una balada y Holly sonaba como si fuera un disco de ABC, ahora con "Perfume" se notaba un track como si Prince lo hubiera producido tanto en el sonido como la vocalización, mucho viento y con un sonido rítmico ochentero, y para terminar teníamos a "Feel Good" una balada y que le daba el toque final muy agradable al disco, con unas vocalizaciones que parecían un poco a "The Power Of Love". 

 

El sonido del disco fue la mejor opción para impulsar la carrera en solitario de Holly Johnson, ya que encapsulaba un gran ejemplo del sonido de finales de los 80's., los singles elegidos aquí fueron la mejor opción para hacer brillar e impulsar el disco, esto ayudo a que Johnson brillará más allá de su carrera con Frankie Goes To Hollywood, sin decepcionar a fans e incluso tampoco molesto a la crítica en su momento.

 

Blast Track List:

 

1. Atomic City

2. Heaven's Here

3. Americanos

4. Deep In Love

5. S.U.C.C.E.S.S.

6. Love Train

7. Got It Made

8. Love Will Come

9. Perfume

10. Feel Good

Rocktrospectiva: El Brillante "Full Moon Fever" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 24 de Abril de 1989 "Full Moon Fever" fue el álbum debut en solitario de Tom Petty, aunque tuvo ciertas colaboraciones de miembros de su banda The Heartbreakers, así como Jeff Lynne, Roy Orbison, y George Harrison con quienes colaboro en The Traveling Wilburys. En el disco se aprecian las raíces de Petty con sus influencias, en las letras colaboro con Lynne quien a la vez, fue el productor del disco, el cual fue exitoso en todo sentido y gano el beneplácito de la crítica llegando al No. 3 en el Billboard 200, lanzando cinco singles "I Won't Back Down", "Runnin' Down A Dream", "Free Fallin'", "A Face In The Crowd", y "Yer So Bad". 

 

Tras terminar el tour con The Heartbreakers en 1987, Petty decidió irse por su lado teniendo un acuerdo similar al que Bruce Springsteen y The E Street Band tenían, pese a ciertas controversias algunos miembros de la banda se molestaron pero colaboraron como Stan Lynch en la batería, Benmont Tench y Howie Epstein estuvieron molestos en un principio pero colaboraron al final de cuentas, aunque Lynch se quejaría después diciendo que parecía que estuviera en una banda de covers y luego se salio de la banda. 

 

Las grabaciones fueron otra cosa, aquí colaboraron varios amigos excepto Bob Dylan, por lo que las grabaciones fueron relajadas teniendo lugar en el garage estudio de Mike Campbell, lo cual gusto mucho al propio Petty, además de que tuvo la oportunidad de manejar su tiempo, y con eso pudo participar en el álbum de The Traveling Wilbury's, el estilo fue distinto al esperado, pese a que Lynne participo en el mismo, este no tuvo mucha preponderancia en su sonido, el disco fue más limpio y un poco más brillante que el sonido que tenía con su banda en sus previos discos, ayudo la incorporación de capas de teclados y vocales de parte Lynne para darle un toque muy a The Bealtes, en el disco se nota la influencia que Petty tuvo de parte de bandas como The Byrds en el tema "Feel A Whole Lot Better", Del Shannon en "Runnin' Down A Dream", y otros temas más nostálgicos como "Free Fallin', mientras que A Mind With A Heart Of Its Own" se nota el ritmo de Bo Diddley, y finalmente temas como "The Apartment Song" muestran reminiscencia de Buddy Holly.

Pese a que el disco fue su obra cumbre en cuanto a creatividad y éxito comercial, este no iba a ser lanzado, ya que bajo la dirección de Irving Azoff en MCA Records, este no gusto del mismo ya que creía no contenía ningún hit, pero fue despedido unos meses después y con nueva dirección y bajo una crítica más positiva, fue lanzado. Llegó al No. 3 en los Estados Unidos y No. 8 en el Reino Unido, con cinco singles de los cuales dos llegaron al top 20 y tres a lo más alto del Mainstream Rock, mientras que la crítica alabo el disco admirando la belleza del sonido y los arreglos que casi lo ponían en la misma altura que con The Heartbreakers en el disco "Damn The Torpedoes", una obra de arte menor y hasta lo compararon con el sonido del disco "The Traveling Wilburys Vol. 1" del cual se nota muchas referencias y similitudes

 

Full Moon Fever Track List:

 

1. Free Fallin

2. I Won't Back Down

3. Love Is A Long Road

4. A Face In The Crowd

5. Runnin' Down A Dream

6. Feel A Whole Lot Better

7. Yer So Bad

8. Depending On You

9. The Apartment Song

10. Alright For Now

11. A Mind With A Heart Of Its Own

12. Zombie Zoo

Rocktrospectiva: El Legendario "Santa Monica 1972" Cumple 30 Años

 

Lanzado oficialmente un 24 de Abril de 1994 en el Reino Unido, "Santa Monica '72" fue un álbum en directo, grabado el 20 de Octubre de 1972 en el Santa Monica Civic Auditorium durante la gira Ziggy Stardust, la grabación fue tomada de una transmisión radial de la KMET FMs, y fue disponible en bootleg por más de 20 años, la leyenda dice que tener una copia de esta rareza era la prueba palpable de que uno era un fanático verdadero de Bowie. La grabación finalmente fue lanzada aunque sin la aprobación de Bowie, por Golden Years label en 1994 y Griffith Music para los Estados Unidos en 1995. 

 

Como decíamos al principio, este fue originalmente grabado directo de una estación de radio, por eso es que se puede apreciar la falta de pulido sonico en la grabación, pero allí radicaba la fuerza y el encanto de la grabación, con Bowie en su mejor momento para muchos, Bolder y Woodmansey ardiendo en sonido y talento y la guitarra de Ronson en toda su plenitud, sin olvidar los teclados de Mike Garson haciendo de las suyas, por lo tanto, Bowie estaba apoyado por una gran banda que potenciaba lo mejor de su persona y talento.

 

Esta grabación, es sin duda alguna, uno de los documentos más célebres del rock and roll en su estado natural, Bowie y the Spiders, haciéndola a lo grande y dando en el blanco con temas tan icónicos como la distorsionada "Hang On To Yourself", la apabullante "Ziggy Stardust", seguida de la punzante "Queen Bitch", para pasar a las más musculosas "Waiting For The Man" y cerrando con "The Jean Genie" y "Suffragette City", la cual fue seguida por la repetición de la mítica "Rock And Roll Suicide", por lo tanto, el disco es una maravilla de álbum en directo, crudeza hermosa del rock, en donde hasta se pueden notar ciertos sentimiento de fragilidad y humanidad como "My Death", y la conmovedora "Life On Mars", justo todo lo de esa era Ziggy Stardust que tanto ha gustado a los fanáticos, sin olvidar por supuesto "Starman". 

 

Esta maravilla de rareza, no es solo la celebración de Bowie y The Spiders from Mars como acto en directo, sino de Bowie así mismo como estrella de rock, a medida que su personaje progresaba, redefina lo que una estrella de rock era, y esta grabación lo captura en su momento más icónico y la razón por la cual, millones le amaban y le permitieron alcanzar ese nivel de éxito, el sonido es uno de los más honestos y el hecho de que no este pulido al cien por ciento, le da el sabor y el testimonio de como Bowie comandaba en el escenario con una presencia única. 

La grabación sirve el documento definitivo de Mick Ronson como ícono de la guitarra, valuable tanto en el estudio como en los directos, y por esa razón tenía el mismo nivel de fama que Bowie y este último lo sabia y por eso lo dejaba, Ziggy el personaje no hubiera sido tal como lo fue sin el Jefe Spider y Bowie no hubiera encontrado dicha creatividad tan vital, de no haber estado Ronson con él. 

 

Este raro material fue considerado una obra de culto hasta que en 1994 fue lanzaba comercialmente, hoy en día es fácil de encontrar y comprar, y quizás ahora se pueda escuchar de una mejor manera, lo cual traiciona en cierta forma su origen bootleg, pero como documento de Bowie y The Spider From Mars, atestigua la época dorada capturando la emoción que lo volvió un recuerdo único de que si bien Bowie con el pasar de los años fue evolucionando y teniendo mejores músicos a su alrededor, no hubo ni habrá mejor banda que la que tuvo en ese entonces. 

 

Santa Monica 1972 Track List:

 

1. Intro

2. Hang On To Yourself

3. Ziggy Stardust

4. Changes

5. The Supermen

6. Life On Mars?

7. Five Years

8. Space Oddity

9. Andy Warhol

10. My Death

11. The Width  Of A Circle

12. Queen Bitch

13. Moonage Daydream

14. John, I'm Only Dancing

15. I'm Waiting For The Man

16. The Jean Genie

17. Suffragette City

18. Rock And Roll Suicide

Primicia: Starburster

           

Fontaines D.C. están de vuelta al ruedo con este nuevo single "Starburster" primer corte que se extrae de su próxima producción "Romance" a publicarse el 23 de Agosto, para la ocasión nos traen un tema crudo y vibrante acompañado de un curioso y entretenido video, en donde el protagonista se la pasa inhalando de todo bajo la dirección de Aube Perrie.

Rocktrospectiva: El Simplón Pero Esplendido "New Sensations" Cumple 40 Años

 

Lanzado en Abril de 1984 "New Sensations" fue el 13avo, álbum de estudio del legendario Lou Reed el cual contó con la producción de John Jansen junto al propio Reed. Aquí se puede escuchar a un Reed mucho más relajado que hasta se dio el lujo de bailar en el clip de "I Love You Suzanne", del álbum se lanzaron tres singles que junto al anterior ya mencionado fueron acompañados por "My Red Joystick" y "High In The City", tan solo el primero logro tener cierta relevancia llegando al No. 78 en el Reino unido aunque en la MTV tuvo cierta rotación. 

Con una curiosa portada en donde Reed aparece jugando con un Joystick mientras aparecía su imagen en la televisión. El disco en cierta forma funcionó, ya que alcanzó el No. 56 en el Billboard 200 y en el Reino Unido fue No. 92, pero marcó el regreso de Reed a los charts desde 1978 en los Estados Unidos mientras que en el Reino Unido eso fue en 1976.

En el disco se notaba su sabor ochentero, el guiño al mundo de los videojuegos de la época, el Joystick de la Atari, que hasta un tema dedicado tiene en el disco, así como el último track que hablaba sobre estar tirado en un salón de videojuegos muy comunes por aquel entonces. A pesar que el disco tuvo ciertos problemas con el guitarrista Robert Quine quien venía tocando en los últimos discos del artista, Reed tuvo que hacer el resto de los temas por si mismo, con la excepción "My Red Joystick" y  "My  Friend George" en donde Fernando Saunders toca la guitarra rítmica, pero el asunto con Quine no quedó así nada más, ya que en el tema más celebré del disco "I Love You, Suzanne" Quine había compuesto el riff, lo que hizo que Reed recompusiera las letras, pero olvidó poner en los créditos a Quine quién había co-escrito originalmente el tema, esto privó al guitarrista de las regalías arruinando aún más la relación entre ambos, pero al final tocó con Reed en el tour mundial. 

La crítica del disco fue favorable, en donde se le alabó a Reed por tomar un camino diferente al de siempre, sonando mucho más satisfactorio que cuando había tocado con la Velvet Underground, algo totalmente inesperado y que agradaba al oído, con letras más cálidas y llenas de humanidad, demostrando que podía escribir temas alegres después de todo.

New Sensations Track List

1. I Love You, Suzanne

2. Endlessly Jealous

3. My Red Joystick

4. Turn To Me

5. New Sensations

6. Doin' The Things That We Want To

7. What Becomes A Legend Most

8. Fly Into The Sun

9. My Friend George

10. High In The City

11. Down At The Arcade

Rocktrospectiva: El Exitoso "Bananarama" Cumple 40 Años

 

Lanzado el 21 de Abril de 1984 "Bananarama" fue el segundo álbum de estudio en la carrera del trío Inglés del mismo nombre, fue un exitazo ya que llego al top 40 del Billboard 200 y No. 16 en el Reino Unido, del disco se lanzaron cinco singles "Cruel Summer", "Robert de Niro's Waiting", "Rough Justice", "Hot Line To Heaven", y "The Wild Life". 

 

Bajo la producción de Jolley & Swain, la banda finalmente lograba entrar a los Estados Unidos en especial por el éxito que fue de "Cruel Summer" que fue un top 10 no solo allí sino en el Reino Unido y que lograría mayor aceptación por ser incluida en el soundtrack de "The Karate Kid", otro hit clave fue "Robert De Niro's Waiting" y "Rough Justice" que tuvieron su momento en el Reino Unido, mientras que los dos últimos se cayeron debajo del top 40.

 

La banda mejoró su sonido tropical pop para adquirir un toque más comercial, lo cual fue evidente con el hit mundial "Cruel Summer", aunque no fue tan único como parece, quizás el paso más alto fueron las letras, con temas mucho más serios con un temática que iba de la violencia sectarial en Irlanda "Rough Justice", pasando por la violencia domestica en "King Of The Jungle", al uso de drogas en "Hot Line To Heaven" por más que no pareciera por su sonido, y que decir del que para la crítica fue el mejor track "Robert De Niro's Waiting" que hacía referencia al efecto traumático de una adolescente victima de una violación, otros temas buenos son sin duda "State I'm In" y "Dream Baby" que tenían una extraña paranoia y que nos dejaba con buen sabor de boca que para muchos no duro demasiado, ya que a la vuelta de la esquina estaba lista la colaboración con SAW y entonces su sonido y estilo se llenaría de frivolidad.

 

Para muchos fue la cúspide de la banda, no muchas cantantes femeninas cantaban como ellas con ese misterioso sentimiento que por momentos parecía nostálgico, el disco tenía curvas no superficies y con una textura sonora que lo hacía a uno flotar y brillar, nunca antes el trió de Keren, Siobhan, y Sarah habían sonado tan brillantemente que nunca. 

 

Bananarama Track List:

 

1. Cruel Summer

2. Rough Justice

3. King Of The Jungle

4. Dream Baby

5. Link

6. Hot Line To Heaven

7. State I'm In

8. Robert De Niro's Waiting

9. Through A Child's Eye

Rocktrospectiva: El Inmaculado "My Maudlin Career" Cumple 15 Años

Lanzado el 20 de Abril del 2009, "My Maudlin Career" fue el cuarto álbum de estudio en la carrera de la banda Escocesa Camera Obscura, producido por Jari Haapalainen y que entrego cinco singles "French Navy", "Honey In The Sun", "The Sweetest Thing", "The Blizzard" y "The Nights Are Cold", con este disco consolidaron su pop inmaculado y que tuvo el honor de ser uno de los discos más encantadores en aquel entonces.

Pese al éxito del disco, la critica lo catalogó como una copia de su anterior entrega, y de que como era posible que la banda podía ir de esa misma forma sin que sus fans se quejaran al respecto, aunque hay que ser honestos, el disco tenía una producción mucho más pulida e intensa que su entrega anterior, quizás no fue tan cerca que ese discos, pero pese a todo, podía arreglárselas para entregar carisma, nostalgia, y un sonido muy melódico y que para suerte de la banda y el público, la perseverancia era la clave de todo, lleno de arreglos de cuerdas que por momentos se salen de control, y con unas letras más acertadas y ágiles que incrementaban el movimiento del sonido más que nunca, el disco estaba también dotado de muchas melodías conmovedoras y a la vez muy simples que lograban quedarse en la cabeza del oyente por mucho tiempo, un ejemplo era la pegajosa "james" lleno de sonidos más complejos y una letras más ingeniosa.

El formidable single "French Navy" amparado de un fabuloso video tipo preppy era uno de los puntos más fuertes, pasando por "The Sweetest Thing", "You Told A Lie" y "Away With Murder" el tiempo ni se siente al pasar por estas deliciosas tonadas, pero si esos temas eran fabulosos "Swans" rayaba en genialidad y tenia los suficientes atributos para considerarla un single ya que era un tema bellisimo, "James" era una hermosa balada con toca los nervios más íntimos del corazón termina por consolidar el sonido de una de las mejores bandas de Escocia y que merece un lugar aparte de Belle And Sebastian.

Habían ciertos puntos de relleno como "Careless Love" pero retomaban el hilo con el track que da nombre al álbum "My Maudlin Career" el cual era un brillante tema pop cuyo piano de fondo es estremecedor, terminamos este buen disco con la tonada country de "Forest And Sands" otra solvente balada "Other Towns And Cities" y la festiva e igualmente poderosa "Honey In The Sun" que es con la que acaba el disco

Las letras daban la nota  con Tracyanne Campbell quien evolucionaba al margen de su recurrente temática sentimental desde una perspectiva madura, según decía ella misma, “nunca había sido tan despiadada escribiendo letras, más que letras, son documentos de lo que me estaba ocurriendo en ese momento”. Básicamente, son canciones que observan las relaciones con una gran dosis de amargura, recelo, ironía y humor.

My Maundlin Career Track List:  

 

1. French Navy
2. The Sweetest Thing
3. You Told A Lie
4. Away With Murder
5. Swans
6. James
7. Careless Love
8. My Maudlin Career
9. Forests & Sands
10. Other Towns & Cities
11. Honey In The Sun

Rocktrospectiva: El Vibrante Y Estridente "Indie Cindy" Cumple 10 Años

 

Lanzado el 19 de Abril del 2014, "Indie Cindy" fue el 5to., álbum de estudio en la carrera de la banda Estadounidense Pixies, sería su primer disco desde aquel mítico "Trompe Le Monde" de 1991 y el primero que ya no contó con la carismática Kim Deal en el bajo, del disco se lanzo un single "Bagboy", aunque se desprendieron otros más, ya que el álbum combinaba una serie de canciones que la banda hizo entre el 2013 y 2014 y que fueron lanzadas en el EP1-2-3 respectivamente bajo la producción de Gil Norton quien había estado detrás de otros clásicos discos de la banda. 

 

Su primer álbum en 23 años, a menudo suele traer a colación el sonido, dinámica e inventida de otros celebres como "Trompe Le Monde", con Black en su esplendor redefiniendo el sonido del grupo pese a la ida de la icónica Deal, pese a ese altibajo, la banda pudo generar intensidad, tensión, kinetica, energía y vibra de la buena, entregando un disco que se siente y huele con un verdadero disco de Pixies en todo sentido de la palabra, a lo largo del mismo se puede escuchar esa influencia de Surfer Rosa-Bossanova en track como "Bagboy" además de otros tracks en donde el espacio y la duda ya no son preocupación como antes para Black, aquí la estructura fue reemplazado por la repetición, la estridencia, el clamor y los arreglos sobre producidos, "Anothe Toe In The Ocean" parecía un cliché de soft rock a lo Weezer pero muy al estilo del grupo, "Snakes" quizás sea el track más débil que por momentos suena a R.E.M., pese a ellos no es del todo molesto, "Blue Eyed Hex" otro gran número lleno de fuerte sonido y guitarreos que hacía una de las piezas más importantes del set lleno de sensibilidad extraña. 

 

Otro elemento clave en el sonido y sensibilidad fue sin duda la guitarra de Joey Santiago, pese a no notarse mucho, su rol fue principalmente de ir dándole el toque a cada canción como tomar el rol de Deal, eso puede notarse en temas como "Ring The Bell" o "Greens And Blues" canciones sinceras y románticas como recuerdo de que la banda tenía una habilidad curiosa de jugar un rol clave en el arco del pos modernismo mientras hacían pop con una completa falta de ironía, pero también hay otras joyas escondidas como la nostálgica "Andro Queen" que suena a los viejos tiempos, sin ese sonido ni estridencias con mucho en la linea de la icónica "Wave Of Mutilation" que sacaba un toque clave en la iconografía e la banda que el surf-rock con pinceladas de tex mex. 

 

El disco se sentía profundo y poderos, aunque sin un rumbo a seguir pese a todo ello, el mismo era sólido como el oro, familiar, consistente y disfrutable sin un punto clave, justo como si fuera un disco en solitario de Balck pero con mejores músicos a su alrededor para darle el toque clave al asunto, y por ello fue que el disco llego al No. 23 en el Billboard 200 siendo este el más exitoso de sus discos, por muy raro que suene. 

 

Indie Cindy Track List:

 

1. What Goes Boom

2. Greens And Blues

3. Indie Cindy

4. Bagboy

5. Magdalena 318

6. Silver Snail

7. Blue Eyed Hexe

8. Ring The Bell

9. Another Toe In The Ocean

10. Andro Queen

11. Snakes

12. Jaime Bravo

Rocktrospectiva: El Raro Y Reflexivo "Bury The Hatchet" Cumple 25 Años

 

Lanzado el 19 de Abril de 1999 "Bury The Hatchet" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Irlandesa The Cranberries, lanzado en una época difícil para el grupo que venía de disfrutar de una enorme popularidad con sus primeras tres entregas, este disco no fue tan vendedor pero eso no lo eximía de tener notables tracks, la temática giraba en torno a la maternidad y los niños, el divorcio y abuso infantil, del mismo se lanzaron cuatro singles "Promises", "Animal Instinct", "Just My Imagination" y finalmente "You And Me". 

 

La banda se reunió y decidió empezar desde cero, O'riordan buscó recuperarse del estrés y la mala vibra con la prensa, además de retomar actividades tras la crianza de su hijo Taylor, el reto era alto, la banda venía de haber lanzado tres exitosos discos, por lo que tenían que superar o al menos estar a la misma altura de los hechos, ahora ya con los nervios y la situación más calmada, la banda comenzó de nuevo a meterse en el estudio, el disco fue bien recibido en varios países, pero desgraciadamente recibieron mala crítica tal y como había pasado con el anterior disco, aunque hay que ser justo, ya que este disco no es del todo mal como se piensa, tiene buenos momentos. 

 

Incluso el propio baterista Fergal Lawler lo dijo una vez, parecía que era un fresco y novedoso comienzo que no se había tenido en mucho tiempo, y esa vibra se hacía notar en los sonidos y las canciones del discos, con un rock muy suave y encantador, eso se notaba en temas como "Just My Imagination", "Saving Grace" y "Shattered" que mostraban un estilo más relajado que en los otros temas, y esa fue la dinámica que Dolores y Noel Hogan emplearon a lo largo del disco, con acordes y estructura más simples, eso no quitaba que el disco también tuviera temas muy flojos según la crítica aunque a mi criterio "Animal Instinct" es un temón en todo sentido y para nada uno de los más débiles del mismo como lo dicen, quizás por que piensas que el punto débil aquí fue la propia interpretación de Dolores, habían otros peores como "Saving Grace", y "Fee Fi Fo" que aducían lo mismo y que parecían más de relleno que otra cosa y que carecían de la fuerza para atraer nuevos oyentes. 

 

A pesar de todo esto, "Bury The Hachet" llegó a vender más de 3 millones de copias, nada mal pese a que es uno de los discos más flojos del grupo para mucho, pero el disco contiene un grupo de clásicos del grupo tales como "Promises" y "You And Me" y porque no decirlo, también "Just My Imagination" y "Animal Instinct", quizás no sea el disco que uno recomendaría a un nuevo oyente para conocer al grupo pero si es una compra digna si uno quiere profundizar un poco más en la discografía de la banda. 

 

Bury The Hatchet Track List:

 

1. Animal Instinct

2. Loud And Clear

3. Promises

4. You And Me

5. Just My Imagination

6. Shattered

7. Desperate Andy

8. Saving Grace

9. Copycat

10. What's On My Mind

11. Delilah

12. Fee Fi Fo

13. Dying In The Sun

14. Sorry Son

Rocktrospectiva: El Icónico "His 'n' Hers" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 18 de Abril de 1994, "His 'n' Hers" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Inglesa Pulp, fue el disco que marcó la carrera de la banda en dos, y fue considerado clave en el éxito de la banda en cuanto a su  camino para la consagración  tras una carrera que ya tenía 15 años en el camino.

Era 1994, año marcado por la muerte de Kurt Cobain y el reinado del indie y la música grunge en los Estados Unidos, del otro lado del charco la fiebre del britpop por fin lograba alcanzar su cuota definitiva y Pulp fue una de las bandas clave dentro del movimiento, claro esta, que ellos en vez de buscar inspiración en sonidos de los 60's y 70's, se dedicaron a reinventarse así mismo y dejarlo plasmado en este su 4to., álbum de estudio, la apuesta les valió el anhelado reconocimiento, alcanzando el No, 9 en el chart de álbumes del Reino Unido.

El contexto y las letras del disco tienen que ver mucho con temas que la banda siempre utilizó, y que van desde los encuentros sexuales, las clases sociales y el vouyerismo, esto queda de manifiesto en el tema "Joyriders" que daba la entrada al disco y que buscaba darle tono al mismo marcando la idiosincrasia perturbadora de la banda, con "Lipgloss" uno de los singles del disco destacan el teclado de Doyle para aderezar cualquier tipo de deseos de adolescentes reprimidos, "She's A Lady" se inspira en el tema "I Will Survive" de Gloria Gaynor y un poco de Abba, y de corte muy nacionalista, el otro single "Babies" uno de las joyas registradas de la banda y desde el punto de vista de un vouyeur que se esconde para observar a la hermana de su novia, y por supuesto el otro y más conocido single "Do You Remember The First Time?" el hit clave que sirvió para impulsar el disco y considerarlo uno de los temas básicos en cualquier recopilación britpop que vino después, a pesar del sonido movido, el tema escondida una historia acerca del paso sexual de la infancia a la adolescencia en el Reino Unido, sin faltar la culpa y es que todo tenía que ver con la masturbación.

Pero el disco también tenía otros temas como "Acrylic Afternoons", para retratar a la clase media Británica de los 90's., con "Have You Seen Her Lately?" exponiendo historias guardadas sobre las decepciones amorosas en la adolescencia con las mujeres y que vaya sino abundan, con "Happy Endings", tema melódico  aderezado con sintetizadores para dejarnos una sensación positiva, "Pink Glove" ejercía de burla sobre la endogamia que adolecía el britpop y algunos de sus más ilustres personajes también con mucho sonido melódico y minimalismo electrónico.

Ya llegando a los últimos temas nos encontrábamos con "Someone Like The Moon" uno de sus más crudos temas pero convertido a la temática pop, "David's Last Summer", con influencias sonoras de Can para uno de los temas más largos del disco para terminar así una de las entregas más inesperadas pero a la vez frescas y positivas que pudieron haber emergido del britpop, en una época en la que todos querían copiar hasta el peinado de The Beatles y la agresividad sonora de The Kinks o Rolling Stones, aquí al menos se escuchaba un sonido diferente y quizás es por eso que Pulp tuvo su lugar especial dentro del género logrando trascender más allá de la época dorada del mismo.

His 'N' Hers Track List:

1. Joyrirders

2. Lipgloss

3. Acrylic Afternoons

4. Have You Seen Her Lately?

5. Babies

6. She's A Lady

7. Happy Endings

8. Do You Remember The First Time?

9. Pink Glove

10. Someone Like The moon

11. David's Last Summer

Rocktrospectiva: El Reinvidicado "Sounds Of The Universe" Cumple 15 Años

 

Lanzado el 17 de Abril del 2009, "Sounds Of The Universe" fue el 12avo., álbum de estudio de la banda Inglesa Depeche Mode y fue precedido por un largo tour que reivindicó el mismo, además de los tres singles que causaron revuelo, en especial "Wrong" por el curioso y violento video que llegó a ser considerado polémico en su momento.

Grabado tras el reencuentro con el estilo logrado en "Playing The Angel" y las grabaciones para el disco en solitario de Gaham, "Sounds Of The Universe" contó con tres temas de Gahan, Eigner y Philpott, mientras que Martin Gore se metió más de lleno en otros temas con Gahan, todo esto bajo el control de Ben Hillier gracias a que la banda quedó muy complacida con la producción del disco anterior, de hecho, las sesiones fueron muy productivas lanzando 22 temas que al final tuvieron que cortar, cosa que fue muy difícil pero que tuvieron que sacrificar al menos cinco temas de estos.

En su momento, llamó mucho la atención del uso masivo de sintetizadores del tipo análogo en el disco, como que volviendo a los viejos tiempos, se le considero al principio flojo para lo que se esperaba de una banda con una rica historia como Depeche Mode, pero conforme han pasado los años, el sonido se fue acomodando al oído y gusto de los fans y por ende la crítica, desde el abridor "In Chains" que marcaba la obsesión y devoción hacía alguien y que auguraba grandes cosas, para dar paso a "Hole To Fee" que sigue teniendo su estilo y clase, "Wrong" era el tema más apetecible del disco con Depeche Mode en plena esencia con su típica oscuridad, abatía, y dolor apoyado por un raro video de un hombre atado a un carro en neutro y en plena marcha y que destruyendo lo que encuentra a su paso para luego matarlo por el fuerte impacto de un pick-up, y que por curiosa razón, no lo tiene Youtube. Con "Fragile Tension" se apelaba a esos sentimientos gore y masoquista y así el disco iba dándonos sorpresas como "In Simpathy" con una gran melodía entre tanta desolación, las cosas parecían tranquilizarse con "Peace" para dar paso a "Comeback" y luego al que siempre he creído yo que es un desacierto con "Spacewalker" y que tras ese descalabro se venían temas como la utópica "Perfect" acerca de ese lugar donde se supone que todo es mejor pero que variar siempre es un sueño, y de vuelta a la realidad con "Miles Away/The Truth Is" acerca de enfrentar un delito no cometido, "Jezebel" y terminar con "Corrupt" muy en boga con los tiempos que desgraciadamente se vivían por aquel entonces y que pareciera que poco a cambiado 15 años después de la misma.

El disco gozó de cierta crítica positiva, para muchos la banda seguía sonando genuina y positivamente inspirada, con la habilidad de seguir creando temas pegajosos para una audiencia más joven y a la vez complacer a los fans de siempre.

Sounds Of The Universe Track List:

 

1. In Chains

2. Hole To Feed

3. Wrong

4. Fragile Tension

5. Little Soul

6. In Simpathy

7. Peace

8. Come Back

9. Spacewalker

10. Perfect

11. Miles Away/The Truth Is

12. Jezebel

13. Corrupt