Primicia: Lost Changes

          

Beth Gibbons estrena nuevo single "Lost Changes" nuevo corte que se desprende de lo que será su producción "Lives Outgrown" que sera lanzada pasado mañana, sin duda el tema es de los más desgarradores que ha presentado y es un vivo testamento de lo que podemos esperar en el disco, según la artista, el disco estaba basado en diferentes experiencias y realizaciones que ella experimento a lo largo del os últimos años, el clip corre a cargo de June Calypso aclamada fotógrafa quien es reconocida por su femineidad, humor y arte siniestro y que ahora tiene su debut como directora llevando su toque el cual queda como anillo al dedo con la música de la Gibbons. 

Placeres Sonoros: Some Miracles

          

La banda Phantom Youth vuelve al ruedo con este nuevo track "Some Miracle" sin perder un halo de inspiración melódica y mucha nostálgica con una vibras sonoras que nos parecen inmaculadas y que nos hacen llorar y anhelar otras realidades.

Primicia: New World

          

El poder emocional de la banda Tindersticks esta de vuelta con su nuevo single "New World", melancólico y a la vez vibrante y conmovedor para el estado del animo que el mundo padece actualmente, el tema se desprende de su nueva producción "Soft Tissue" a publicarse el próximo 13 de Septiembre, para la ocasión se aventaron un video un poco raro el cual esta teniendo su detractores y amantes, bajo la dirección de Stuart A. Staples, y la dirección artística con la cerámica y paisajes por Sidonie Osborne Staples y la fotografía de Neil Fraser y finalmente la edición de Sandi Bompar, mostrando un conjunto de piedras decoradas como si fueran personas moviéndose por diferentes paisajes y escenarios,.

Primicia: Nowhere To Run

            

Kings Of Leon estrenan su nuevo single "Nowhere To Run" un tema mucho más movido con un toque melódico bonito y agradable el cual se desprende del disco "Can We Please Have Fun" ya a la venta, el clip nos muestra a la banda ejecutando sus instrumentos a través de una serie de fondos luminosos que acompañan a lo largo del tema.

Placeres Sonoros: Raze The Bar

           

Nuevo corte de lo que será el álbum de Travis "L.A. Times" a publicarse este 12 de Julio próximo, para la ocasión la banda Escocesa Travis nos presenta "Raze The Bar" una cálida balada en donde la banda se acompaña de Brandon Flowers (The Killers y Chris Martin (Coldplay) en los coros, el video de nuevo ha sido creado por el vocalista de la banda Fran Healy.

Primicia: Four Ways In Time

           

Se trata del nuevo corte de Thom Yorke "Knife Edge" como parte del filme de misterio y terror psicológico "Confidenza" protagonizado por Elio Germano y Federica Rosellini, de hecho en el clip se puede ver al actor principal Elio Germano bajando gradas y deambulando por un gran salón lleno de objetos hasta meterse adentro de una caja, aquí de nuevo aparecen colaborando Yorke junto Sam Petts-Davies en unión a la London Contemporary Orchestra con un conjunto de Jazz que incluye a Robert Stillman y su colega Tom Skinner.

Rocktrospectiva: El Álbum Debut De The Cure "Three Imaginary Boys" Cumple 45 Años

 

Lanzado el 11 de Mayo s 1979 "Three Imaginary Boys" fue el álbum debut de la mítica banda Inglesa The Cure, un disco curioso, ya que Robert Smith no pudo elegir el orden y el track list, así como la portada, y sería la primera y única vez que le pasaría eso, del disco se lanzo el single "10:15 Saturday Night". 

 

Pese a todo, el disco fue un fuerte debut, claro lleno de rarezas pero con un toque pegajoso dentro del catalogo de la banda, curioso porque se pueden encontrar temas más pop y representativos de los tiempos que se vivían en ese entonces que en otro álbum de la banda, con un sonido pop punk Inglés de finales de los 70's., es angular y abstracto, y su punto fuerte es la simpleza del mismo, sin cosas muy elaboradas ni largas odas, explosiones de energía y hasta una rareza como lo fue el cover de Jimi Hendrix "Foxy Lady", y por esa razón, ha muchos les ha parecido el primero y último gran álbum de la banda,  pero por otro lado y para los fans más acérrimos, este disco no era nada de lo que la banda estaba a punto de ofrecer en los años posteriores, con mucha tristeza y desolación, pero no pierde el hecho de que es un trabajo interesante, ya que el siguiente disco cambiaría todo y no sería lo esperado para el oyente que se enamoro de este disco.  

 

Pese a no contar con el control de Robert Smith, el disco recibió críticas positivas, aduciendo que las ideas eran vibrantes y vulnerables a la vez, destacando temas como la pop "Grinding Halt", que era una mezcla de The Isley Brothers y The Buzzcocks, con puntos vibrantes y brillantes, aunque otros no lo vieron así, pese a que la voz de Smith aquí es pegajosa y cautivadora a lo lado de los riffs primitivos de guitarra y la curiosa batería que se nutría del apretado sonido del bajo, en resumen, era una interesante colección de rarezas melódicas impulsadas por el power pop. 

Three Imaginary Boys Track List:

1. 10:15 Saturday Night

2. Accuracy

3. Grinding Halt

4. Another Day

5. Object

6. Subway Song

7. Foxy Lady

8. Meat Hook

9. So What

10. Fire In Cairo

11. It's Not You

12. Three Imaginary Boys

13. The Weedy Burton

Primicia: Vertigo

           

 

La vocalista de Lush, Miki Berenyi se lanza al ruedo con su nuevo proyecto acompañado de Kevin "Moose" McKillop en las guitarras y Oliver Cherer en el bajo, y nos presentan "Vertigo" un tema acerca de la ansiedad y el esfuerzo que lo botan a uno del precipicio, sin perder el toque dream pop y con un clip a cargo de Séabstien Faits-Diverses usando como locación el Consortium Museum en Dijon

Rocktrospectiva: El Potente "Man On The Line" Cumple 40 Años

 

Lanzado el 10 d Mayo de 1984 "Man On The Line" fue el 7mo., álbum de estudio del Anglo-Irlandés Chris de Burgh, bajo la producción de Rupert Hine, dentro del mismo se lanzaron tres singles "High On Emotion", "The Ecstasy Of Flight (I Love The Night)", y "Sight And Touch", dentro del mismo disco, el tema "High On Emotion" fue el más exitoso entrando al No. 44 en el Reino Unido y los Estados Unidos, mientras que en Alemania y Suiza, el disco fue el más vendido de 1984. 

 

El disco sirvió para probar que de Burgh tenía la capacidad de ser un crooner romántico y al mismo tiempo tenía la fuerza pop rock con mucha energía para romper con lo establecido, un romántico y vibrante a la vez, y eso se notó en la poderosa "High On Emotion", que tenía explosivos coros y una dinámica guitarra eléctrica, por lo que se volvía un rockero lo cual contrastaba con su imagen de baladista, además que en la portada se notaba eso, con el smoking puesto sosteniendo un teléfono. 

 

Pero habían otros temas vibrantes y conmovedores como "Sound Of A Gun", en donde un civil tenía que lidiar con las vivencias de su país devastado por la guerra, en donde el cantante le pone emoción y hasta susurra, su estilo romántico se mantiene con "Head And The Heart" una balada sobre un encantador amor muy a su usanza sonora, y destacan las vibrantes "THe Ecstasy Of Flight (I Love The Night)" y por supuesto "Sight And Touch". 

 

De hecho, se puede decir que el disco esta compuesto de temas pop pegajosos, arropados por su estilo vocal, cada una bañada en ese sonido de teclados muy de inicios de los 80's., resiliente y brillante muy al estilo de ese entonces, su estilo se mantiene y se transforma a la vez, pese a que no es uno de sus discos más representativos, pero es la prueba fehaciente de que de Burgh podía escapar de su estilo estereotipado a otro más vibrante lo cual lo hacía muy dinámico.

Man On The Line Track List:

1. The Ecstasy Of Flight (I Love The Night)

2. Sight And Touch

3. Taking To The Top

4. The Head And The Heart

5. The Sound Of A Gun

6. High On Emotion

7. Much More Than This

8. Man On The Line

9. Moolight And Vodka

10. Transmission Ends

Rocktrospectiva: El Personal Y Ruidoso "Experimental Jet Set, Trash And No Star" Cumple 30 Años

 

Lanzado el 10 de Mayo de 1994, "Experimental Jet Set, Trash And No Star" fue el 8avo., álbum de estudio de los héroes de la experimentación y el bendito ruido, Sonic Youth, bajo la producción de Butch Vig y  usando el mismo estudio en donde grabaron "Sister", pero a diferencia del anterior disco, este fue mucho más relajado y quieto con una temática más política y personal de parte de la banda, del disco se lanzó un solo single "Bull In The Heather".

 

La movida les salio muy bien, ya que el disco llegó al No. 34 de la Billboard mientras que en el Reino Unido fue No. 10, y fue hasta el 2009, el disco más alto en alcanzar los charts de la banda, del disco se desplegó el single "Bull In The Heather" como única referencia del mismo, logrando tener buena rotación en la MTV con un video que personificaba Kathleen Hanna de Bikini Hill, el disco tuvo también una favorable crítica alabando el hecho que la banda podía crear ruido y melodía al mismo tiempo.

Si bien "Dirty" uno de sus discos más reconocidos gozó de buena fama cuando fue lanzado en el momento en que Nirvana dominaba la escena, este apenas alcanzó el No. 83 en el Billboard aunque en el Reino Unido fueron No. 6., el reto era crear ahora algo diferente, por lo que Moore comentó que la banda se alejó de salir de gira con bandas con sonido similar, en vez de eso apareció en escena con Royal Trux, Pavement y Sebadoh, lo cual inspiró un sonido mucho más quieto y melódico, llevaron a un viejo conocido como Butch Vig para la producción, quién entendió lo que la banda quería, una aproximación tipo lo-fi al sonido del disco, grabando y escribiendo de la forma más simple y básica, tan así fue el asunto que incluso grabaron sobre el master de "Sister" para ahorrar costos.

Tal y como explicábamos arriba, el sonido aquí es más blando y relajado que su predecesor, describiéndolo Kim Gordon como art-core, aunque hay cierta nostalgia del sonido de la banda en sus días con SST Records, por ejemplo "Screaming Skull" es prueba fehaciente de eso, por ahí también deambula cierta influencia de Hüsker Dü y The Lemonheads, y la cual surge de una conversación entre Moore y Dave Markey director de cine sobre un local SST, con "Bull In The Heather" esta habla sobre usar la pasividad como una forma de rebelión, de igual manera "Androgynous Mind" habla sobre los roles tradicionales, "Self-Obsessed and Sexxee" hace un guiño al riot grrrl, y que tenía que ver con la obsesión de estar atraído por algún personaje de alto perfil en el rock alternativo, con "Quest For The Cup" es sobre una persona que desea más de lo que tiene, "Winner's Blues" alude a la presión de la fama y se refiere a este tema como una triste canción de cuna y la cual fue una toma que quedó fuera para un disco de rarezas de la DGC pero al final se incluyó aquí, junto a "Compilation Blues". Como dato curioso al respecto, este fue el primer disco de Sonic Youth que incluyó un track oculto en el lanzamiento en CD, un minuto después del track final, aparece el tema "Sweet Shine", y luego un bonus track lleno de ruido, además que fue el primer disco desde su debut en 1982 que incluyó los rostros de la banda en la portada como si fuera una pieza de arte.

El disco fue promovido con el lanzamiento de "Bull In The Heather" que llegó al No. 13 del Modern Rock Tracks de la Billboard, mientras que en el Reino Unido fue No. 24., se quiso lanzar "Self-Obsessed and Sexxee" como siguiente single pero al final fue cancelada la intención y en vez de eso, se lanzó como Promo CD para los fans a través de la publicación "Sonic Death". La banda no salio de gira debido al avanzado estado del embarazo de Gordon por lo que se quedaron en casa.

El disco tuvo sus detractores y sus defensores, para muchos fue difícil de apreciar el estilo anti-comercial del disco, aunque para otros fue más ambicioso y loco que "Dirty", de igual manera se hizo el comentario que la banda seguía atrapada haciendo lo mismo, hay reconocer que el disco hacía sonar a la banda más segura y quieta a la vez, con ambición y rareza, mucho más que la placa anterior, aunque en expensas de eso, la banda había perdido su integridad, igual era como una bocanada de aire fresco mezclando el ruido y la melodía al mismo tiempo.

Experimental Jet Set Trash And No Star Track List:

1. Winner's Blues

2. Bull In The Heather

3. Starfield Road

4. Skink

5. Screaming Skull

6. Self-Obsessed and Sexxee

7. Bone

8. Androgynous Mind

9. Quest For The Cup

10. Waist

11. Doctor's Orders

12. Tokyo Eye

13. In The Mind Of The Bourgeois Reader

14. Sweet Shine

Rocktrospectiva: El Famos "Blue Album" De Weezer Cumple 30 Años

 

Lanzado el 10 de Mayo de 1994 "Weezer" o mejor conocido como "The Blue Album" por el fondo azul detrás de los componentes de la banda, fue el álbum debut de la banda Estadounidense Weezer, bajo la producción de Ric Ocasek. El disco alcanzó el No. 16 en el Billboard 200 gracias a la buena recepción que tuvieron sus singles entre los cuales destacaba "Buddy Holly" además de los videos con alta rotación en la MTV de la mano de Spike Jonze. Fundada dos años antes, la banda tuvo que luchar en contra de audiencias que querían escuchar grunge, ritmo dominante de la época, pese a que por aquel entonces ya tenía temas como "The Sweater Song" y Say It Ain't So" que se volverían clásicos un par años después, y que tras el impulso de crear cierta bulla para la banda, grabaron el demo "The Kitchen Tapes", lo cual atrajo la atención de algunos sellos quedándose finalmente con DGC. 

Tras quedar con DGC, la banda se enfocó en practicar los temas para ganar en confianza a la hora de grabar, ensayaron un total de 15 temas de las cuales cuatro terminaron cayéndose al final, quisieron auto producirse pero el sello se negó y terminaron reclutando a Ric Ocasek de The Cars, el vino y cambio el estilo de tocar de la banda empezando con los pick up de la guitarra resultando un sonido más brillante, y tras varios incidentes y hasta algunas disconformidades con Ocasek, el disco se terminó y pudo salir adelante. Se paso a la portada a cargo del fotógrafo Peter Gowland quien puso a la banda parada delante de un fondo azul, una imagen simple pero que llamaría mucho la atención y terminaría por darle el toque a la banda aunque se modificó un poco por motivos que a Matt Sharp no le gustaba como se miraba su cabeza por lo que fue retocada.

Entonces se vino la promoción con el primer single "Undone The Sweater Song", descrita como el sentimiento que uno tiene cuando el tren para y el cuate del tren se acerca a tocar en la puerta, sería una canción triste pero al final quedo como un tema divertido, aquí hay otro curioso hecho, el director del video era un tal Spike Jonze que debuta en la escena con una escenografía simple en un escenario azul una cámara movida y un paquete de perros salvajes y que terminaría volviéndose un hit en la MTV en la programación regular y luego en programas como 120 Minutes y Alternative Nation, siendo el único que alcanzo el top 100 de la Billboard, el otro fue "Buddy Holly" en donde Jonze pone a la banda a tocar en el Arnold's Drive-In de la serie "Happy Days" en donde salía Fonzie, el video fue también hit instantáneo en la MTV y gano algunos premios en los VMAS en 1995, y finalmente "Say It Ain't So" inspirado por la separación de los padres de Cuomo cuando tenía cuatro y que el pensaba que había sido por que su padre era alcohólico, con un video a cargo de Sophie Muller.

La crítica fue buena con el disco, y eso hizo que se volviera masivo y exitoso en muchas partes, destacaron el rol de Cuomo como front-man, guitarrista y compositor, elevando a lo más alto, lo que se conoció como geek rock, siendo ellos quizás los máximo exponente, gracias a la producción y la frescura del sonido, el disco pasaría a la posteridad como uno de los queridos y apreciados de los 90's y muy solicitados hasta la fecha.

 

Weezer (The Blue Album) Track List:

1. My Name Is Jonas

2. No One Else

3. The World Has Turned And Left Me Here

4. Buddy Holly

5. Undone - The Sweater Song

6. Surf Wax America

7. Say It Ain't So

8. In The Garage

9. Holiday

10. Only In Dreams

Rocktrospectiva: El Suave Y Sublime "Hopes And Fears" Cumple 20 Años

 

Lanzado el 10 de Mayo del 2004 "Hopes And Fears" fue el sublime debut de la banda Inglesa Keane, llegándose a convertir en el segundo debut más exitoso en lanzarse ese año, pero no fue un fenómeno solo del Reino Unido, el éxito se extendio a todo el planeta gracias a la fuerza y belleza de sus singles como "Somewhere Only We Know", "Everybody's Changing", "Bedshaped", "This Is The Last Time" y "Bend And Break". 

 

Surgido en la época en que el brit pop había dejado de ser el estilo fresco y vanguardista que definió a toda una generación, pero al igual que paso con otros estilos, este terminó volviéndose victima de su propio éxito, pero de repente todo cambia de nuevo y comienzan aparecer bandas como Franz Ferdinand o The Killers para definir el sonido de ese 2004, y así de la nada también aparece una banda llamada Keane quienes sin tanta charada terminarían siendo una de las bandas más vendedoras de ese año. 

 

Aparecido en la era post brit pop, llegó a topar las listas del Reino Unido, que lo llevarían a convertirse en el más vendedor de ese año y ocuparía el No. 9 de los discos más vendidos del presente siglo, el álbum lanzo cinco singles de los cuales, cuatro fueron los que entraron fuerte en los charts, pero aparte, el disco tenía otros buenos temas que lo hacían bastante bueno para la época "She Has No Time" fue la más vieja del set, un tema que venía desde 1999 a diferencia del resto que traía marca del mismo año, este tema era algunos despojos de la época de "Dominic Scott" uno de los componentes originales, había otros como "On A Day Like Today" y "We Might As Well Be Strangers" que venían del 2003, pero el resto ya era producción de ese 2004.

Tomando como nombre para el mismo de una canción "Snowed Under" que fue el lado B del gran éxito "Somewhere Only We Know" al momento de lanzamiento tuvo una crítica positiva, y poco a poco fue ganando la fama merecida, considerándolo uno de los mejores álbumes debut desde la época del "Definitely Maybe" de Oasis, lleno de emotividad, hermoso y melódico y lleno de ganchos sonoros dignos de cualquier acto establecido y lo curioso de todo era que no habían guitarras, y ese quizás fue el punto clave, destacamos la fina y fabulosa "Somewhere Only We Know" que fue la carta de presentación de la banda, luego vino otro tema igual de melancólico "Everybody's Changing" con un gran arreglo de piano demostrando que lo primero no era suerte, después "Bedshaping" y "This Is The Last Time" que cumplieron también y finalmente "Bend And Break" para cerrar una gran faena sonora. 

La crítica fue muy positiva y generosa con el disco, catalogando al álbum a la banda con un confianza sonora absoluta lleno de bellas instrumentaciones, ganchos melódicos y la adecuada voz de Tom Chaplin, lo cual daba muchos ganchos pop mainstream que lo que muchas bandas habían tenido en toda su carrera, aunque otros lo catalogaron como un disco sencillo y con unas letras simples, pero eso no le quitó el legado que la banda dejó tras de sí con ese disco, el cual sigue sonando tan fresco como hace 20 años.

Hopes And Fears Track List:

1. Somewhere Only We Know

2. Bend And Break 

3. We Might As Well Be Strangers

4. Everybody's Changing

5. Your Eyes Open

6. She Has No Time

7. Can't Stop Now

8. Sunshine

9. This Is The Last Time

10. On A Day Like Today 

11. Untitled 1

12. Bedshaped

In Memoriam: Ha Muerto El Legendario Músico Y Productor "Steve Albini" A Los 61 Años

El legendario músico y productor Steve Albini ha muerto a los 61 años de manera inesperada tras sufrir un ataque cardíaco en su estudio de grabación Electrical Audio, la noticia ha sido confirmada por el personal de su estudio.

 

Todo icono en la cultura alternativa, siempre estuvo en la cresta de la escena y de fue el productor de algunos de los discos más queridos de la escena alternativa. Como músico, estuvo al frente de bandas como Big Black, Rapeman y Shellac, quienes empujaron más allá de las fronteras del post-punk y art-rock, también en esos años comenzó sus andanzas como productor, o su termino preferido Ingeniero, para docenas de álbumes de bandas como Nirvana, Pixies, PJ Harvey, y Page And Plant, era destacado por sus DIY y ética punk, resistiéndose a los servicios por streaming y negándose a tomar regalías de las grabaciones de otros artistas que había producido. Estaba en planes con su banda Shellac preparando lo que sería su primer álbum desde el 2014 y se preparaba para una gira. 

Nacido en California en 1962, las inspiraciones de Albini vinieron directamente del movimiento punk, encabezado por The Ramones, pero robustizado por Devo y Pere Ubu, se mudo a los suburbios de Chicago para estudiar periodismo y fue lanzado a la fértil escena underground de la ciudad, contribuyendo con fanzines y trabajando con el sello punk Ruthless Records. 

 

Comenzó su propio proyecto musical Big Black, inicialmente fue un proyecto en solitario que después se convirtió en un cuarteto, su disco debut "Atomizer" fue lanzado en 1986 y el segundo "Songs Abut Fucking" estaba caracterizado por un tono y pulsos de guitarra y cajas de ritmo, esto se volvería en un sello sonoro en la escena punk Estadounidense del momento, y le gano la admiración de Robert Plant, quien trabajaría con él en un disco junto a Jimmy Page. Tras el fin de Big Black, fundo otra banda Rapeman en 1987 cuyo nombre fue tomado de un manga Japonés, y fue entonces su trabajo más atrevido y provocador, aunque después se arrepintió por el nombre que uso. 

 

Albini llegó a decir que su próxima banda tenía que durar más y entonces se vino Shellac en 1992, con un sonido más art-rock, tocando un estilo más minimalista pero rítmico en consonancia con el baterista Todd Trainer y el bajista Bob Weston, llegarían a lanzar cinco discos, hasta el último que ya preparaban con todo y gira. 

Junto a la música, se metió de lleno en la producción, y ganó fama gracias al disco "Surfer Rosa" de 1988, el álbum debut de la mítica y legendaria banda Pixies, que daría origen al grunge que florecería a inicios de los 90's., además produjo a otras bandas como The Jesus Lizard, Tad y The Breeders, ayudó a promover el crudo sonido de PJ Harvey en su álbum "Rid Of Me" en 1993, año en el que tuvo mayor repercusión como productor, ya que también produciría el mejor disco de Nirvana a mi criterio "In Utero" con un sonido más oscuro y crudo que no gusto mucho al sello Geffen, por lo que entraron en disputa, del disco salieron dos singles que ayudaron a darle más brillo al sonido de Nirvana. 

 

A pesar de odiar la escena mainstream, Albini fue adorado por músicos debido a su aproximación sin pretensiones, dándole siempre un toque único a las grabaciones, siempre favorecía el uso de técnicas análogas, a lo cual el llamaba "fuck digital" en sus notas. Gracias al éxito, pudo montar su estudio "Electrical Audio en 1995 y apareció en los créditos de otros trabajos de artistas tales como: Joanna Newsom, Low, Jon Spencer Blues Explosion, Manic Street Preachers, Mogwai y Jarvis Cocker.

 

También fue figura polémica, y nunca faltaron insultos y provocaciones, además de que a veces Albini las avivaba como cuando su single "Big Black" fue dedicado al dictador Benito Mussolini, volviéndose una figura incomoda en los años siguientes, a lo que después comento sentirse arrepentido de haberlos dicho en el 2021. 

 

Albini también fue un celebrado jugador de poker y llegó a ganar dos brazaletes de oro en la Serie Mundial de Poker y cientos de dólares más en eventos y torneos. A Albini le sobreviven su esposa, la cineasta Heather Winna. 

Primicia: Albatross

          

La banda Cola sigue con su buena racha y ahora entrega su nuevo single "Albatross" un tema mucho más crudo, rasposo y agresivo demostrando por que razón están siendo una sensación en el indie rock en estos momentos, el clip ha corrido a cargo de Max Farrell en donde todo se basa en una diapositiva de un albatros agregándole efectos al mismo.

Primicia: What Can I Say After I'm Sorry?

           

La banda Inglesa Blossoms reaparece en la escena con este movido track "What Can I Say After I'm Sorry?", con un clip lleno de vibra retro con la banda recorriendo en una clásica popocha en Derbyshire y ellos vestidos de cuero como si fueran una banda setentera, comparten protagonismo con Sean Dyche que la hace de su manager, el clip ha sido dirigido por Ewan & Tom Ogden.

Rocktrospectiva: El Vibrante Y Gratificante "Ocean Rain" Cumple 40 Años

 

Lanzado el 4 de Mayo de 1984, "Ocean Rain" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Inglesa Echo & The Bunnymen, ha sido considerado su disco más gratificante, épico y romántico y que contenía entre sus entrañas, el clásico "The Killing Moon" que gozó de alta rotación en la MTV ochentera, además de "Silver" y "Seven Seas", el disco alcanzó el No. 4 en el Reino Unido y No. 87 en el Billboard 200.

El disco comenzó a escribirse en 1983 y grabado a principios de 1984 en Paris, con alguna que otra sesión entre Bath y Liverpool , con una orquesta para poder agregarle violines y distintos toques sonoros decorativos, destacando una batería más suave para arropar unas letras llenas de ternura poética, aunque todo el álbum tenía ese singular sentimiento de altas y bajas que gracias a las orquestaciones, le dieron al disco de una alma única, destacando temas como "Thorn Of Crowns" con McCullouch aullando en una tema turbulento y lleno de rock épico y cuerdas, no digamos el tema clave que era "The Killing Moon" que terminó por colocar en el radar Estadounidense a la banda, el single logra entra en el top 100, gana rotación en el otrora grande MTV que por aquel entonces era un canal bastante joven y prometedor, pero no sería el único tema en donde usarían cuerdas para ornamentar las grabaciones, tradición que comenzó en 1982 con el single "The Back Of Love", esto gusto mucho a la banda, ya que le daba un toque especial al sonido pese a que querían mantener todo de manera conceptual, y de hecho "Thorn Of Crowns" suena así y estaba basada en una escala oriental  y todo el humor del tema es muy apabullante, de igual manera destaca "My Kingdom" con una guitarra acústica que fue distorsionada por medio de un radio de válvulas.

Después de "The Killing Moon", los otros dos singles "Silver" y "Seven Seas" no fueron tan prometedores en los Estados Unidos aunque en el Reino Unido si tuvieron una alta rotación, que con el pasar del tiempo gozarían de una segunda vida, gracias a los re-lanzamientos del disco. 

 

En su momento el disco tuvo una calificación variada, para unos, el disco era una prueba de la madurez de la banda aunque para otros era demasiado brillante pero que carecía de alma y melodía, pero con el pasar de las décadas, el disco fue atrayendo más comentarios positivos a medida que una nueva generación de oyentes conocía a la banda, en donde gracias a la estructura más convencional y una producción más evocativa, hacían del disco uno de los esfuerzos más hermosos y recordados de la banda, siendo "The Killing Moon" el pináculo de su carrera, el cual de hecho, se metió de lleno en filmes oscuros como "Donnie Darko", o "Grosse Point Blank" y curiosamente sería también la serie "Stranger Things" en su primera temporada que usaría otro tema del disco "Nocturnal Me" que aparece en el 5to., episodio "The Flea And The Acrobat", reviviendo el gusto por esta banda. Al final de cuentas, el disco terminaría por capturar el mejor momento del grupo y ha logrado soportar con clase estos 40 años de vida con una cualidad atemporal que aún reverbera en cada canción. 

Ocean Rain Track List:

1. Silver

2. Noctural Me

3. Crystal Days

4. The Yo Yo Man

5. Thorn Of Crowns

6. The Killing Moon

7. Seven Seas

8. My Kingdom

9. Ocean Rain

Rocktrospectiva: El Extraño "The Top" Cumple 40 Años

Lanzado el 4 de Mayo de 1984, "The Top" fue el 5to., álbum de estudio de la banda Inglesa The Cure, alcanzado el No. 10 en el Chart Británico y del cual se lanzo el single "The Caterpillar", Robert Smith venía de grabar el psicodelico "Blue Sunshine" de su proyecto paralelo The Glove, de pronto se vio trabajando en dos discos ese año, "The Top" y "Hyæna" para Siouxsie And The Banshees, en esta ocasión se asocio al gran Lol Tolhurst quien se paso a los teclados dando paso a un nuevo baterista Andy Anderson quien venía de trabajar con la banda en el single "The Lovecats", la asociación con Tolhurst fue buena ya que tocó el saxofón en "Give Me It" y aparece en los créditos de los temas "The Caterpillar", "Bird Mad Girl y "Piggy In The Mirror". 

Un disco ecléctico en donde Smith toca otros instrumentos raros para su entorno como el violin y la flauta, en ese tema "Bird Mad Girl" usa un estilo español, en "Wailing Wall" prueba con tonos del medio oriente, mientras que el tema "Shake Dog Shake" es como un metal urbano, el disco ya se venía promoviendo en un par de sesiones y estrenaron un par de temas antes, esa apuesta resulto buena, ya que el disco se volvió exitoso en los charts Británicos.

La crítica fue buena para la banda, catalogando el disco como una psicodelia atemporal, llena de originalidad y frescura, raro y maravilloso al mismo tiempo, notando que las canciones eran ingeniosas y peligrosas al mismo tiempo, aunque por otro lado, muchos lo consideraron como un mero disco transitorio con temas que a largo plazo serían olvidables, y en parte tal vez tenían razón en especial cuando uno mira lo que se venía después, con disco más sólidos y con temas que con el tiempo se volverían clásicos, pero hay que recordar que este disco se hizo con un Smith bajo el control del cansancio, stress, drogas y alcohol, entonces el talento para mezclar la paranoia con las substancias hizo blanco en el cantante, y gracias al uso de temas de un pop melódico que el disco fue un paso necesario en la evolución de la banda. 

 

The Top Track List: 

 

1. Shake Dog Shake

2. Bird Mad Girl

3. Wailing Wall

4. Give Me It

5. Dressing Up 

6. The Caterpillar

7. Piggy In The Mirror

8. The Empty World

9. Bananafishbones

10. The Top 

Rocktrospectiva: El Encantador "Blind Man's Zoo" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 4 de Mayo de 1989 "Blind Man's Zoo" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Estadounidense 10,000 Maniacs, una colección de temas que cuya temática apuntaba a la reflexión y problemática social de eventos sucedidos previo y durante las grabaciones del disco. Del mismo se lanzaron tres singles "Trouble Me"  que era una dedicación al padre de Merchant, "Eat For Two" que era un tema acerca del embarazo adolescente, ambos temas entraron a los charts y el disco alcanzó el No. 13 del Billboard y el 18 en el Reino Unido, el último single fue  "You Happy Puppet" el cual no tuviera mucha repercusión en los charts pero si cierta rotación en la MTV y programas de videos musicales de la época con un video bastante interesante. 

 

Inspirados en el título de un juego de mesa infantil, "Blind Man's Zoo"  fue construido durante el momento de más popularidad de la banda cuando sonaba "In My Tribe" ayudando a cimentar la fama de la misma como algo más que simples teloneros con un sonido similar al de R.E.M., lo cual no quiere decir que eran malos, todo lo contrario ya que R.E.M. solía escoger bandas de alta calidad como actos de apertura, sino que las similitudes en el sonido y las temáticas de la que hablaban los ponían en paralelo, además fueron de las pocas bandas que lograron tener éxito en los charts. 

Fue el tercer disco más exitoso de la banda, ya que no solo paseaba en las problemáticas políticas sino que ahora abarcaba temas más sociales como el embarazo juvenil, el aborto, sin dejar el lado político como por ejemplo en "Please Forgive Us" en donde hacía eco de la preocupación de la nefasta intervención Estadounidense en América Central, y el asunto Iran-Contra, un guiño a la guerra de Vietnam en "The Big Parade", los efectos dañinos de la basura toxica en "Poison In The Well" con dedicatoria a la Hooker Chemical Company de Buffalo, New York, a la clase trabajadora en "Dust Bowl", así como también el problema racial y de descolonización entre los Europeos y los descendientes Africanos, y finalmente el fanatismo religioso en "Jubilee", y el racismo de ciertas congregaciones cuando presencian una relación entra una mujer blanca y joven negro. 

 

Otros tracks como "Trouble Me" era una hermosa balada compuesta por Dennis Drew con letras de Mercharn que era una dedicatoria a su padre que en ese momento estaba hospitalizado, y que para la cantante era su canción más jubilosa y llena de animo, lo cual era como un antídoto para todo el álbum,  con "The Lion's Share" era una reflexión acerca de los frutos que la colonización dejo, y una de las más encantadoras y que al menos en mi caso, me conmovía el corazón con "You Happy Puppet" que fue el tema con el que yo les conocí en aquel 1989 gracias a la rotación que el clip tenía en la MTV. 

 

El disco tuvo crítica variadas, por un lado, algunos comentaron que era el mejor disco que la banda había lanzado hasta ese entonces, con un sonido mucho más enfocado, y la guitarra de Buck bien afinada y sólida, aparte que las inteligentes y reflexivas letras era de lo mejor, evitando ser pretenciosas, aunque en algunos casos se criticó la forma de cantar de Merchant, en algunos temas esa manera de interpretar los temas era el toque para elevar las canciones, pese a que el disco también es considerado inferior a su predecesor, este tuvo su época en un período lleno de sorpresa sociales y políticas, aunque ya nada sería lo mismo después de "Blind Man's Zoo" ya que Merchant dejaría a la banda, otro secreto fue sin duda la producción de Peter Asher quien había colaborado con Paul Fox en el disco anterior, dándoles ese sonido único sin perder su toque indie pero con fuerte tendencia al mainstream sin sacrificar sus aspiraciones en el proceso, quizás ahí radica el encanto de "Blind Man's Zoo" fue el último disco clave y la esencia total de lo que era, es y será siempre la banda.

Blind Man's Zoo Track List: 

1. Eat For Two

2. Please Forgive Us

3. The Big Parade

4. Trouble Me

5. You Happy Puppet

6. Headstrong

7. Poison In The Well

8. Dust Bowl

9. The Lion's Share

10. Hateful Hate

11. Jubilee

Rocktrospectiva: El Brillante Y Experimental "Head Music" Cumple 25 Años

 

Lanzado el 3 de Mayo de 1999, "Head Music" fue el 4to., álbum de estudio de la legendaria banda Inglesa, Suede, el cual fue producido por Steve Osborne, quien le dio un toque más electrónico al sonido de la banda como un nuevo acercamiento a otros estilos, aunque grabar el disco fue todo un logro debido a los problemas que se sucedieron en las sesiones de grabación, como la lucha de Anderson contra el crack, Codling con un síndrome de fatiga crónica entre otros, y a pesar que tuvo críticas variantes, el disco llegó al No. 1 en el Reino Unido.

Sin embargo, este seria el último disco en llegar al No. 1, tras el éxito del recopilatorio "Sci-Fi Lullabies", la banda se tomo un año, en donde Codling paso en cama por el asunto de esa enfermedad, Anderson se sumía en las drogas a niveles preocupantes, además que a Osman no le gustaba la gente con la que se estaba asociando que no eran siquiera músicos sino drogadictos. En ese ambiente, la banda se movió de Ed Buller como productor y tomaron a Osborne que había trabajado con Happy Mondays, y el resultado sería un disco más experimental que cualquier otro que haya sacado la banda, claro esta que los rumores se colaron y la gente pensó que debido al productor que tenían, la banda estaba preparando un disco bailable.

Un dato curioso se dio que durante las grabaciones, cuando al productor le ofrecieron una pipa de crack de parte de los amigos de Anderson, el acepto pensando que era una pipa de marijuana pero al consumirla la sensación fue horrible, siendo su primera y última vez que consumió esa droga, Anderson estaba enganchado pero paro en el otoño de 1999 cuando un amigo muy cercano se enfermo gravemente, y desde entonces ha estado limpio, otro que tuvo problemas fue Oakes durante los ensayos, ya que estaba molesto con el comportamiento de Anderson, por lo que comenzó a beber con tal de sentir las sesiones más favorables, las cosas comenzaban a salirse de control, y solamente Osman y Gilbert parecían inmunes de momento, pero al final pues pudieron salir adelante con el disco que fue grabado entre agosto de 1998 y febrero de 1999 en varios estudios.

El disco también es notable por ser el primero que lleva como título el nombre de un track, el cual era "Head Music", una de las preferidas de Anderson a pesar que el director de Nude estaba en contra, entre otros temas también destaca "Elephant Man", que fue el único no escrito por Anderson, Codling estuvo muy activo aportando seis temas, por lo que al final todo salio como lo esperado y tras las mezclas ya lo tenían listo. El estilo del disco era muy variopinto con algunas rarezas como la acústica "Crack In The Union Jack" que fue la última, y la criticada "Elephant Man", esto y más otros elementos de electrónica y dance ayudaron a reforzar el estilo de Suede, pasando por teclados análogos, y cajas de ritmos aunque seguían las guitarras en el mismo.

Del título ya decíamos que venía del nombre de un tema del disco, y la rara portada tenía que ver con la novia de Anderson, y fue diseñada por Howard Wakefield y Paul Hetherington, siguiendo las ordenes de Anderson de tener dos personas unidas por la cabeza y teniendo algo como audífonos para escuchar.

Del disco se lanzaron cuatro singles "Electricity", seguido de "She's In Fashion", "Everything Will Flow" y finalmente "Can't Get Enough", el primero llegó al No. 5 manteniendo la racha de cinco singles consecutivos en el top ten Inglés desde "Coming Up", fue exitoso a pesar de críticas muy variadas, unos decían que no aportaban nada nuevo, otros que iba orientado al pop, otros fueron aún más severos diciendo que habían perdido el rumbo, y otros estaban contentos con el resultado del disco, mientras que en Estados Unidos, las críticas fueron más variadas, unos lo llamaron sombrío y raro, otros un disco más consistente gracias al poder de ciertos tracks como la elocuente "Electricity" y la curiosa "She's In Fashion" y "He's Gone" que sonaban a Suede, así que tuvo de todo y salió también airoso de los ataques, aunque lo que más importaba era quedar dentro del gusto de los fans.

Head Music Track List:

1. Electricity

2. Savoir Faire

3. Can't Get Enough

4. Everything Will Flow

5. Down

6. She's In Fashion

7. Asbestos

8. Head Music

9. Elephant Man

10. Hi-Fi

11. Indian Strings

12. He's Gone

13. Crack In The Union Jack

Rocktrospectiva: La Obra Menor De Culto "Diary Of A Hollow Horse" Cumple 35 Años

Lanzado el 2 de Mayo de 1989 "Diary Of A Hollow Horse" fue el 5to., álbum de estudio de la banda Inglesa China Crisis, a menudo es considerado su disco con más influencia a Steely Dan, del mismo se lanzaron dos singles "St. Saviour Squeare" cuya versión original de Walter Becker no fue tomada en cuenta pese a considerarla mejor, usando la de Mike Thorne, y "Red Letter Day". 

La banda se volvió a unir con el productor Walter Becker, usando un sonido más prístino y deambulando entre el jazz y el sophistipop que mandaba en la época, pese a todo, el disco contiene varios grandes tracks como "Sweet Charity Adoration" que es considerado un complejo tema pop de primer orden, que tenía un cameo de Jim Horn, y que iba más allá de cualquier simple tema para radio promedio mainstream, otra cosa era "St. Saviour Square" y "All My Prayers" con ritmos y melodías directas que conectaban inmediatamente con el oyente, en especial por la compleja y genial interpretación vocal de Gary Daly ofreciendo un gran contraste en el sonido que hasta entonces venían manejando, otro tema digno era "Age Old Need" con un sonido que recordaba a situaciones de película medieval, al final, este álbum sería el cierre perfecto de lo que fue ese período de tres discos en donde la banda alcanzo su pináculo creativo y comercial. 

Mucho del sonido se debió a que el productor persuadió a la banda para ir a grabar a su estudio en Maui, Hawaii, contaron con el ingeniero Roger Nichol, que también fue famoso por trabajar con Steely Dan, la creación era digna de un pop de cámara, con un sonido grandioso y elocuente para el grupo, y muchos de los tracks tenían esa vibra de Steely Dan, aunque con más reverb en la batería y ciertos sintetizadores y capas extra de sonido, y hasta una sección de vientos, aunque la verdadera contribución de Becker fueron los solos y la flauta que se escuchan en ciertos temas dándoles un leve toque a Deacon Blue y eso se nota en el track "Sweet Charity In Adoration" en donde contaban con un grupo de cantantes de apoyo genial y con mucha fuerza ademas del saxofonista Jim Horn. 

Curiosamente los singles usados "Red Letter Day" y "St. Saviour Square" no lograron el efecto deseado en los charts, ya que no pasaron del top 80 en el Reino Unido, y el disco alcanzó el No. 58 en el Reino Unido, era la época en que ese sonido tenía muchos buenos exponentes como Danny Wilson, It Bites, David Sylvian y Love & Money pero curiosamente a pesar de lo genial que sonaban, no lograron conectar con grandes audiencias. 

En su momento no fue muy bien recibido por la crítica y audiencias, aunque para algunos, el disco fue prueba de que la elección del productor influye mucho en el sonido de un grupo, y Walter Becker así lo hizo dándoles esa aura Steely Dan con toques de sofisticación y suavidad para alcanzar mayores audiencias, el álbum no se vendió muy bien, pese a que tuvieron brillantes actuaciones en donde mostraron su calidad y talento, al final de cuentas y con el pasar de los años, el disco ha ido ganando un estatus de culto por su calidad entre el público. 

Diary Of A Hollow Horse Track List: 

 

1. St. Saviour Square 

2. Stranger By Nature

3. Sweet Charity In Adoration

4. Day After Day

5. Diary Of A Hollow Horse

6. Red Letter Day

7. In Northern Skies

8. Singing The Praises Of Finer Things

9. All My Prayers

10. Age Old Need

11. Back Home

Primicia: City Lights

          

La banda The Waeve presenta su nuevo single, la potente "City Lights", que se desprende del álbum del mismo nombre, recordemos que la banda es le proyecto del guitarrista de Blur, Graham Coxon y Rose Elinor Dugall, dándonos un tema con ciertos aires a David Bowie de finales de los 70's e inicios de los 80's., con un potente riff de guitarra y hasta Coxon se atreve con el saxofón, el álbum fue producido por James Ford, si el mismo de "Nonetheless" de Pet Shop Boys, y en el video se nota esa magia nocturna, que es hermosa y grotesca a la vez, brillante y seductora, en un entorno donde alguien te quiere amar y destruir al mismo tiempo.

Libros: Helmut Newton

 

Se nos viene otro fenomenal libro acerca del cautivador mundo de Helmut Newton, icono de la moda y los retratos de celebridades. Las inolvidables fotografías de Helmut Newton, sofisticadas y provocativas a la vez, constituyen un legado artístico rico que no ha perdido un ápice de relevancia. 

 

En este libro, se presenta una muestra compacta pero amplia de su trabajo, e incluye una reveladora introducción y una pormenorizada cronología biográfica. Las imágenes de Newton se mueven en la ambigüedad, e incluyen alusiones y observaciones sociales que atraen y desafían a la vez a sus espectadores. Esta selección consigue reflejar el punto de vista único de Newton y las complejas corrientes subyacentes que distinguen su trabajo editorial en los campos de la moda y del retrato.

En la entrega, se podrá apreciar la evolución de Newton hasta convertirse en un personaje inconformista, astuto y malicioso, voyeur y satírico a la vez, cuyo objetivo capturó aspectos polémicos pero fundamentales de la alta costura y la alta sociedad en las últimas décadas del siglo XX. Trabajaba como “pistolero a sueldo” pero a la vez imponía sus propias perspectivas y obsesiones, y definía su idea de una mujer poderosa y segura de sí misma. Esta figura se convirtió en su tema más insistente, desarrollado en escenarios cargados de erotismo, habitualmente en el seductor ambiente de lujosos apartamentos o grandes hoteles, sobre todo en París, Montecarlo y Los Ángeles.

Desde mediados de la década de 1960, las dinámicas imágenes de Newton consolidaron su reputación en el mundo de la moda por medio de trabajos publicados en revistas de primer orden, como Vogue Paris, Elle, Marie Claire, Nova, Queen y la edición británica de Vogue. A partir de mediados de los años setenta su fama se extendió gracias a sus primeros libros y exposiciones. Sus imágenes inmortalizan a grandes figuras de la alta sociedad, el cine y la moda, como la princesa Carolina de Mónaco, Charlotte Rampling, Paloma Picasso y Karl Lagerfeld.

Las fotografías glamorosas, innovadoras y transgresoras de Helmut Newton, tienen un sello propio y una autoridad indiscutible que las hace mantener su dominio en nuestra imaginación.

 

Páginas: 192

Edita: Taschen

Edición Plurilingüe: Inglés, Alemán, y Francés 

Autor: Sarah Mower

Colaborador: Philip Garner

Rocktrospectiva: El Brillante E Impecable "The Stone Roses" Cumple 35 Años

Lanzado ese 2 de Mayo de aquel mágico 1989, "The Stone Roses" fue el álbum debut de la banda Inglesa del mismo nombre, una rara banda de Manchester que terminaría por convertirse en la cara de la floreciente escena "Madchester" en donde fusionaban el dance con el rock sin envidiarle nada a sus colegas los Happy Mondays. 

El disco fue grabado de junio de 1988 a febrero de 1989 y lanzado finalmente el 2 de mayo, y lanzado el mismo día que "Disintegration" de The Cure., y que a pesar de que no tuvo in inmediato éxito, el álbum fue creciendo en popularidad gracias a las grandes y míticas presentaciones que la banda tuvo y que ayudo a establecerlos en la escena y la cultura baggy, y tal como lo mostraba la curiosa portada inspirada por un cuadro de Jackson Pollock y los disturbios estudiantiles de París, de ahí lo de las rodajas de limón que eran usadas para contrarrestar el efecto de los gases lacrimógenos. La banda contaba con la púa dorada del guitarrista John Squire, piedra angular del sonido de la banda que recorre a lo largo y ancho del mismo. 

La banda basada en Manchester y formada en 1983, fueron por varias alineaciones y diferentes nombres y sonidos, lanzaron varios singles en varios sellos hasta llegar a grabar este disco con John Leckie, un productor que había trabajado con Pink Floyd, este dijo que la banda sonaba bien y muy relajada y gracias a ese ambiente relajado que se logro obtener ese sonido, el cual para muchos, fue la piedra angular del Madchester, y hasta la fecha consideran a The Stone Roses como los primeros que pusieron las piedra angulara para lo que sería el britpop, con este disco largamente asociado a los raves y la música dance, aunque también bebía de la psicodelia sesentera y su jangle pop que sonaba en todo el disco con excepción del single "Fool's Gold", además de Squire, las percusiones de Reni junto al bajo de Mani arropaban muy bien la manera sugerente, desapasionada y hasta arrogante de cantar de parte de Ian Brown, lo cual quedó plasmado en temas como "I Wanna Be Adored" y "I Am The Resurrection", la oda a los acontecimiento del 68 en "Bye Bye Badman", y el tema antí monarquía en "Elizabeth My Dear", no podemos dejar por un lado la energía y creatividad en temas como "Waterfall" y por supuesto "Don't Stop" llena de optimismo, no digamos la vibrante y animada "She Bangs The Drums".

Fue un álbum genial que capturo el espíritu y el optimismo creativo que cautivó la era que dio origen al acid house, los raves, y el famoso verano del amor, reafirmando un semillero creativo en donde el dance y el rock se unían de una gran manera y sobresalir en un estilo que se caracterizó por ser efímero, es el gran legado de la banda, a menudo infravalorada por la crítica sin ponerse a pensar que el aporte que dieron a la cultura pop y al renacimiento del orgullo Británico que busca recuperar su otrora brillo perdido. 

The Stone Roses Track List:

1. I Wanna Be Adored

2. She Bangs The Drums

3. Waterfall

4. Don't Stop

5. Bye Bye Badman

6. Elizabeth My Dear

7. Song For My Sugar Spun Sister

8. Made Of Stone

9. Shoot You Down

10. This Is The One

11. I Am The Resurrection